Introducción al Barroco: Origen y Características

El término Barroco denomina a las manifestaciones artísticas y culturales que nacen a finales del siglo XVI en Roma y se extienden por Europa y América durante el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII. Este término fue empleado en el siglo XVIII, derivado del nombre que en portugués se daba a unas perlas irregulares, y hacía alusión a una obra que no respetaba las normas de la armonía y belleza formal. El Barroco enlaza con el Manierismo, que planteó que el hombre no era el centro del universo y rompió con el equilibrio clásico, creando un arte de ilusión y exuberancia.

El Barroco en Italia

Arquitectura Italiana

Italia mantiene el protagonismo, siendo iniciadora del estilo y creando nuevos prototipos arquitectónicos. Roma intentó recuperar el prestigio perdido tras la Reforma Protestante. El Papado intentó que la sociedad tuviera una mentalidad religiosa. Este arte dio lugar a la creación de una nueva planificación urbanística.

Los materiales utilizados son el ladrillo, el mármol y la piedra. Los artistas más importantes son:

Gian Lorenzo Bernini

• Expresa el espíritu de su tiempo y el poder papal.
• Es urbanista, creando una red viaria a través de plazas (por ejemplo, la Plaza de San Pedro). Su simbolismo es el poder papal que alcanza a los fieles.
• Tiene una tendencia ilusionista: la divinidad se representa a través del juego de luces, el lujo y las apariencias (como el Baldaquino de San Pedro, en el que diseñó las columnas salomónicas).
• El palacio aporta una planta en forma de U con tres pisos, con influencia de Palladio.
• También es creador de plantas ovales, de carácter clasicista, con su visión de la arquitectura como teatro: predominio del color, el contraste de la luz y las líneas curvas.

Francesco Borromini

• Protegido por órdenes religiosas, emplea materiales pobres.
• Rompe con lo clásico y en sus obras crea tensión y movimiento; inventa nuevas formas para los capiteles (San Carlos de las Cuatro Fuentes en forma de elipse o Santa Inés en Agone con fachada cóncava).
• Muros alabeados, distorsionando su superficialidad.
• Espacios con gran carga simbólica, con uso de los triángulos como símbolo de la sabiduría del Espíritu Santo.

Escultura Italiana

La escultura italiana tiene tres periodos:

1. El primero tiene lugar durante el Concilio de Trento, creando una escultura realista, sencilla y educativa.
2. El segundo periodo tiene lugar después del Barroco pleno; su arte no busca educar, sino recrear los sentidos, y se caracteriza por la importancia del misticismo y el intento de persuadir a través del arte.
3. Y por último, el periodo tardío, que es un periodo de decadencia del mecenazgo papal e influencia del academicismo francés.

Gian Lorenzo Bernini

• Se dedicó a los encargos papales en obras de carácter urbano, cuyo objetivo era extender el espíritu de la Iglesia, y en los edificios religiosos.
• Es creador de escenarios y ambientes teatrales, defensor del cristianismo y la mística, expresando una gran espiritualidad.
• Estéticamente, da gran importancia al enfoque pictórico, creando policromía a través de diferentes materiales que combina con el uso de la luz.
• Consigue calidades texturales, expresando el sentido de la piel, la tela, la suavidad o la dureza en el mármol.
• Refleja el movimiento físico.
• Se dedicó a crear un tipo de tumba papal.
• Fue también escultor de corte, con retratos como el de Luis XIV, en los que capta gran profundidad psicológica.
• Los temas que aborda son la mitología, los retratos religiosos y las fuentes urbanas.

Pintura Italiana

En Italia surgen dos corrientes: el Naturalismo y la tendencia Clasicista.

El Naturalismo

Presenta las siguientes características:

• Capta la realidad buscando que sea objetiva, a través de personajes populares, con la finalidad de acercar y orientar en la fe religiosa.
• La luz guía la visión. Se crea el claroscuro y el tenebrismo.

Michelangelo Merisi da Caravaggio

• Evoluciona desde el Manierismo, pasando por el dramatismo religioso de su estilo, hasta los cuadros religiosos de su etapa final en el exilio.
• Vivió con profundidad el espíritu contrarreformista.
• Los ideólogos que inspiraron su obra fueron San Felipe Neri, que predicaba la humildad, y San Ignacio de Loyola, acercando lo divino a lo humano.
• Estos principios son la base de su naturalismo popular, que llevaron a la incomprensión de la nobleza y al ataque de la Iglesia, a pesar de que tuvo importantes mecenas (como La muerte de la Virgen).
• Sus características son: Trabaja sin dibujo, lo que hace que se acerque más a Dios.
• Las figuras son muy voluminosas, con movimientos que den certidumbre y empleando con violencia los escorzos.
• Gran efecto psicológico.
• La luz es la protagonista, aísla las figuras entre tinieblas y el color se aplica modulando los volúmenes.

Clasicismo y los Carracci

La tendencia Clasicista era representada por la familia de los Carracci, quienes decidieron crear una academia en Bolonia. Sus características eran:

• Pintura al fresco.
• Equilibrio entre el realismo natural y el clasicismo ideal.
• Recuperación de los grandes maestros renacentistas.
• La monumentalidad no busca impresionar, sino hacer pensar al espectador, buscando la ejemplaridad.

• De Aníbal Carracci destaca (La Galería del Palacio Farnese) con tema mitológico.
• Guido Reni destaca con un estilo colorista, en equilibrio entre lo natural y lo clásico.
• Gaulli destaca (La Adoración del Nombre de Jesús) y crea la quadratura, combinando figuras y arquitectura en estuco con otras pintadas.

El Barroco en Francia: Versalles

En Francia, la arquitectura es de carácter monárquico. Luis XIV creó la Academia de Arquitectura.

Francia se muestra abierta a las formas barrocas italianas, pero no a los rasgos de exageración y exuberancia; de hecho, se habla de clasicismo para caracterizar sus obras, y se impuso un arte como persuasión y propaganda, típicamente del Barroco. Edificó numerosas iglesias donde manifestó su propia personalidad, el urbanismo de las plazas reales y en los edificios civiles.

Hay tres tipos: la residencia en la ciudad o mansión señorial campestre, y los palacios y jardines reales. En los palacios se funde la idea italiana de la forma de U con lo plenamente francés: 2 o 3 pisos, tejados inclinados, buhardillas, exteriores de sobriedad clasicista e interiores suntuosos.

Destacan los siguientes autores:

• Perrault (Palacio del Louvre).
• J.H. Mansart es urbanista (Palacio de Versalles), cargado con el simbolismo del poder real al ser la residencia del rey. Está abierto por un lado a la ciudad y por el otro al jardín en forma de tridente. Se organiza en tres pisos: la zona de servicios, los salones principales y los aposentos íntimos. El exterior es la única concesión al Barroco.

El Barroco en Flandes y Holanda

El Barroco en Holanda

Tras su independencia, esta República protestante se convierte en una potencia comercial, y su burguesía quiere demostrar con el arte su orgullo nacional. Las obras religiosas, el retrato individual, los bodegones y el paisaje son temas representados.

Rembrandt van Rijn

• Su técnica se basa en grandes pinceladas, pero se torna fina si es para los clientes.
• Tiene un peculiar empleo de la luz y hace uso del claroscuro; su obra está cargada de simbolismo, dramatismo y tensión.
• Sus composiciones son de una gran complejidad, creando un nuevo concepto de belleza basado en la sinceridad por encima de la armonía clásica.
• Sus obras tienen influencia de los primitivos flamencos, con gran captación psicológica, creando un gran dinamismo y teatralidad (ejemplos: La lección de anatomía del Dr. Tulp, La ronda de noche).

El Barroco en España

Arquitectura Barroca Española

El Siglo XVII es conocido como el Siglo de Oro; en esta etapa ocurre una pérdida de la hegemonía, el predominio del clero y surgen artistas gremiales. Mientras que en el Siglo XVIII gobiernan los Borbones y surge un cambio político y económico.

Los materiales utilizados eran la piedra, el mármol, el ladrillo, el yeso y la mampostería, que se recubrían con abundante decoración. Los mecenas eran el clero, los reyes y la nobleza. Los palacios mostraban el poder político y el desarrollo de las plazas mayores, que eran de forma rectangular. La arquitectura religiosa sirvió como representante de la Contrarreforma. Había un exagerado sentimiento religioso. Las iglesias tenían una tipología muy simple, inspirada en la Iglesia de los Jesuitas, donde aparecen pequeños espacios de devoción. Los artistas eran simples artesanos.

Primera mitad del siglo XVII

• En Castilla destaca Juan Gómez de Mora con un estilo sombrío que hace uso del elemento clásico e introduce el claroscuro. Crea la Plaza Mayor, un gran espacio público, centro comercial y de espectáculos, que simboliza el poder político. Su forma es rectangular y porticada, uniformizando los pisos de los edificios.
• Andalucía se caracteriza por su italianismo y el Manierismo.

Segunda mitad del siglo XVII y siglo XVIII

• A partir de la segunda mitad del siglo XVII, se crea un lenguaje más decorativista con motivos vegetales, molduras y fachadas que rompen la superficie para crear juegos de luces y sombras (ejemplo: fachada de la Catedral de Granada, de Alonso Cano).
• En el siglo XVIII llega la dinastía borbónica, con dos formas barrocas: columnas salomónicas, frontones curvos y partidos, y decoración naturalista.
• Destacamos a los Churriguera con un nuevo tipo decorativo basado en la curva que aplican a retablos y portadas (ejemplo: la Plaza Mayor de Salamanca).
• Pedro de Ribera realiza monumentos madrileños y usa estípites.
• Fernando Casas y Novoa introduce retablos en sus fachadas y añade capillas, camarines o sacristías a las iglesias.
• Se introducen las academias intentando modernizar el país. Las obras reales seguirán la línea del Barroco clasicista o academicista francés, tratándose de un palacio cuadrado con una plaza de armas y simbolismo borbónico.

Imaginería Barroca Española

El material utilizado era la madera tallada y policromada. Los postizos refuerzan el realismo. Aparecen las imágenes de vestir. La temática era religiosa. Destacan los retablos y los pasos de Semana Santa. Es un arte por excelencia didáctico, se usa como propaganda y funde el valor técnico con el testimonio de la fe popular. Es un arte de taller; no hay casi influencia extranjera. El lenguaje formal empleado es realista, lleno de sentimiento y expresión.

Destacan dos escuelas:

• La de Castilla, cuyo centro es Valladolid, que representa el realismo dramático y teatral. La expresividad se logra a través del color y los postizos exagerados, y se abandona el estofado.
• Andalucía tiene dos centros, Sevilla y Granada, que presentan un mayor clasicismo y equilibrio. El realismo es más contenido y se mantiene el estofado, dando a la escultura un aire más elegante y clásico.

Escultores destacados

• Gregorio Fernández: Era religioso. Tenía gran perfección anatómica y una mayor expresividad, descuidando los aspectos formales. Hereda los modelos hispano-flamencos, usando el plegado metálico y detalles especialmente en el rostro y manos para sensibilizar (ejemplo: La Inmaculada).
• Juan Martínez Montañés: Significó el equilibrio entre el Manierismo y el Naturalismo, y creó modelos (ejemplo: Cristo Crucificado).
• Alonso Cano: Fue polifacético. En su obra concilia lo ideal y lo real, abandonando el dorado (ejemplo: Nuestra Señora de la Oliva), y destaca por su serenidad.
• Pedro de Mena: Combina realismo y misticismo, y expresa los estados anímicos (ejemplo: Magdalena Penitente).
• Francisco Salzillo: Crea una escuela murciana ya en el siglo XVIII. Su obra es delicada y sentimental, y representa la Pasión (ejemplo: La Oración del Huerto). Introduce en España los nacimientos típicos napolitanos.

Pintura Barroca Española

Los románticos europeos descubrieron la escuela española. La clientela fue religiosa; conventos e iglesias precisaban de imágenes religiosas impuestas por la Contrarreforma. La condición del artista era muy diferente a la de otros países europeos.

Las características son el realismo didáctico, los efectos de luz y color, la perspectiva, la composición, el dibujo y la erudición clásica. Estaba cargada de simbolismo. En la temática, el retrato fue abundante, y los temas principales son el mitológico, el paisaje, el bodegón y la pintura de género. La técnica predominante es el óleo y la influencia del tenebrismo italiano.

Zurbarán y Ribera: Maestros del Tenebrismo Español

• José de Ribera: Es uno de los máximos exponentes del tenebrismo. Desarrolló su carrera en Italia, asentándose en Nápoles, y envió numerosas obras a España. Se inspira para sus planteamientos tenebristas en Caravaggio (ejemplo: La mujer barbuda), con influencia de Tiziano y el idealismo de los Carracci. La luz es la protagonista de sus cuadros. Sus composiciones tienen escorzos, desequilibrios y dramas. Los temas principales son el mitológico y la pintura de género.
• Francisco de Zurbarán: Se movió dentro del naturalismo tenebrista de Caravaggio. Se formó en Sevilla. Su clientela fueron las órdenes religiosas y el mercado americano. Su obra se caracteriza por ser deficiente en las composiciones, sin ningún tono dramático; utiliza el claroscuro y sombras suaves. Su temática son los ciclos narrativos sobre la vida de santos y mártires de carácter didáctico, captando el misticismo y la austeridad de los monjes.

Velázquez y Murillo: Genios de la Pintura Española

• Diego Velázquez: Es considerado el genio más grande de la pintura española. Nació en Sevilla y viajó a Italia. Es un pintor excepcional, no solo por su calidad artística, sino por conseguir alcanzar la libertad y la distinción a la que aspiraban todos los artistas. Su estilo está inmerso en la corriente tenebrista. En Madrid comienza a transformarse. Su contacto con Rubens le descubre la luz y el color, y en Italia completa la formación. Los temas principales son el religioso y la pintura de historia, centrándose especialmente en el retrato de la familia real y la corte. En su segundo viaje a Italia realiza paisajes y estudios de desnudo (ejemplo: Las Hilanderas). Sus composiciones son equilibradas, su pincelada es fluida y la profundidad se consigue sin apoyos geométricos a través de la perspectiva aérea.
• Bartolomé Esteban Murillo: Su vida transcurrió en Sevilla, donde fundó una academia de pintura. Su clientela fueron las cofradías y monasterios sevillanos, y gozó de gran estima en Europa. Su obra también evoluciona desde el tenebrismo, al contraluz y colorido brillante de estilo veneciano, hasta lo que se conoce como periodo vaporoso, en el que el color difuminado y transparente se convierte en un antecedente del Rococó. Los temas principales son los religiosos, tratados con gran dulzura y composición clásica. También realizó escenas infantiles (ejemplo: Los niños jugando a los dados).