1. El Renacimiento Italiano: Características y Periodización

1.1. Características Esenciales del Renacimiento Italiano

El Renacimiento (Rinascimento en italiano) abarca los siglos XV y XVI, marcando la transición entre la Edad Media y la Europa moderna. Significó un renovado interés por la cultura de la antigüedad clásica, tras la percibida «edad oscura».

• Alcance: Afectó principalmente a las clases altas; para la gran mayoría de la población, la vida cambió poco respecto a la Edad Media.
• Origen: Se inició en Toscana (Florencia y Siena) y pronto se extendió a Roma, que fue reconstruida por los Papas en el siglo XVI. La cumbre se alcanzó a finales del siglo XV.
• Difusión: Desde Roma, los ideales se difundieron por el resto de Europa, facilitados por el uso generalizado de la imprenta de Gutenberg.
• Ámbitos afectados: Literatura (Petrarca, Castiglione, Maquiavelo) y arte (Miguel Ángel, Leonardo da Vinci).
• Contexto Político: Época de luchas por el poder, cambios dinásticos, guerras e invasiones.

1.2. Arquitectura Renacentista Italiana: Del Quattrocento al Manierismo

El arte renacentista italiano se divide en dos etapas principales:

El Quattrocento Italiano (Siglo XV)

• Nacimiento: Florencia, bajo el mecenazgo de los Médicis.
• Cambios Artísticos: Recuperación de modelos clásicos, alejamiento de la temática religiosa exclusiva y estudio matemático de las proporciones.
• Teoría: Aparecen los primeros tratadistas del arte, destacando Leon Battista Alberti.

El Marco Urbano

Se impone una estética clásica con admiración por la ciudad de Roma y un nuevo concepto urbanístico antropocéntrico: la ciudad a escala del hombre.

• Referencia Clave: La obra Architectura de Vitruvio (siglo I a.C.), que describe la ciudad ideal con planta poligonal, damero o radiocéntrica/reticular.
• Diseño: Se proyectan ciudades ideales (como la Sforzinda de Filarete), aunque solo se implementan parcialmente, destacando el uso de perspectivas y amplias plazas.

Características Generales de la Arquitectura

La forma artística es el resultado de un conjunto de reglas estudiables y perfeccionables racionalmente, resultando en una arquitectura matemática:

• Recuperación Clásica: Arco de medio punto y Órdenes clásicos (especialmente el corintio, más esbeltos).
• Proporción y Escala: Adecuación de las proporciones a la escala humana.
• Estructura: Abandono de la verticalidad en favor de la horizontalidad. Búsqueda de la perfección matemática con formas geométricas simples y racionales.
• Espacio y Muro: Organización del espacio mediante la perspectiva. El muro recupera su función de cerramiento y sustentante, limitando el espacio.
• Cubiertas: Planas con casetones o abovedadas (cañón, aristas, cúpulas).
• Ornamentación: Simétrica, armónica y repetitiva (guirnaldas, grutescos, laureas). Alberti definió la belleza como: “Concordancia de todas las partes entre sí y con el todo; nada se puede añadir, quitar o alterar”.

Cinquecento y Manierismo

Se desarrolla un nuevo lenguaje decorativo, donde la unión entre cultura grecorromana y cristianismo permite el uso de elementos paganos para motivos cristianos (ej. Miguel Ángel en el Juicio Final).

• Influencia Arqueológica: Descubrimientos como el Laocoonte impulsan formas rotundas y colosales, y el uso de grutescos y la disposición candelieri.
• Tipologías Arquitectónicas (Monumentalidad):
  • Templos: Predomina la planta centralizada (unión del cuadrado –Tierra– y el círculo –cielo–). La planta de cruz latina se populariza con la Contrarreforma (Jesuitas).
  • Palacios Urbanos: Mantienen la estructura del Quattrocento (patio cuadrado), pero con fachadas monumentales.
  • Villa: Casa campestre de descanso, inspirada en la villa romana.

1.3. Escultura Renacentista Italiana: Del Quattrocento al Manierismo

Recuperación de Temas y Materiales Clásicos

• Estilo: Naturalismo/Realismo idealizado, especialmente en la primera mitad del siglo.
• Materiales: Mármol y bronce son los preferidos.
• Temática: El hombre y la naturaleza son centrales.
  • Temática cristiana (el hombre como obra maestra de Dios).
  • Temas paganos (mitología, alegorías).
  • El Desnudo: Cúspide de la creación, armonizando humanismo y cristianismo (neoplatonismo), con estudios de anatomía y movimiento.
  • Retratos: Bustos y ecuestres, buscando el ideal de belleza y realismo.
• Estética: Búsqueda de la belleza formal y el placer estético, siguiendo el canon clásico de proporción.

Escultura del Cinquecento

Se distinguen dos etapas:

1. Clasicismo (1ª mitad del s. XVI): Triunfo de las experiencias del Quattrocento, gusto por la grandiosidad monumental (influencia del Laocoonte). Roma es el centro artístico.
2. Manierismo (2ª mitad del s. XVI): Aumento de la fuerza expresiva en gestos y movimientos. Importancia de la figura serpentinata (retorcimiento helicoidal).

El artista más importante es Miguel Ángel, representante del clasicismo, que eclipsa a los manieristas posteriores como Sansovino, Cellini y Giambologna.

1.4. Pintura Renacentista Italiana: Del Quattrocento al Manierismo

Pintura del Quattrocento

Se caracteriza por ser una pintura científica, fruto del racionalismo:

• Racionalismo: Geometría, matemáticas, obsesión por la proporción y la armonía.
• Composición: Simple, inscribible en figuras geométricas (cuadrado, círculo, triángulo).
• Realismo: Total realismo en la representación de la naturaleza y el cuerpo humano (verismo), aunque idealizado.

Características de la Pintura del Cinquecento

Se superan los límites del Quattrocento, abandonando la perspectiva lineal en favor de una mayor naturalidad.

• Centros Pictóricos: Roma (énfasis en el dibujo y la forma, figuras escultóricas) y Venecia (preferencia por el color).
• Composición: Equilibrio entre contrarios (real-imaginario, movimiento-estatismo). Predominan las composiciones piramidales/triangulares.
• Técnica: Contornos difuminados (pérdida de importancia del dibujo), modelado suave y sensación de volumen. Avances en el tratamiento de la luz (claroscuros) y uso de la perspectiva aérea o cromática.

Evolución del Cinquecento

1. Etapa Clasicista (Primer cuarto del s. XVI): Búsqueda de la belleza ideal y monumentalidad; abundancia de desnudos.
2. Escuela Veneciana: Sensualidad, cromatismo y luminosidad, clara antecesora del Barroco.
3. Etapa Manierista (Desde 1525-1530): Caracterizada por dinamismo, fuerza expresiva y monumentalidad.

Pintura Manierista (c. 1530 – 1580)

Surge en la Roma de los Papas Julio II y León X, como arte de una época de crisis económica y espiritual, encargado por aristócratas.

• Estilo: Refinado, artificioso e intelectual.
• Antinaturalismo y Anticlasicismo: Realidad deformada, posturas difíciles, figuras desproporcionadas y alargadas, perspectivas infinitas.
• Color y Luz: Luz irreal, fría y coloreada de manera antinatural. Colores extraños y violentamente enfrentados.

Evolución Manierista

• Manierismo Temprano o Anticlásico (hasta 1550): Reacción anticlásica en Florencia y Roma. Representantes: Andrea del Sarto, Jacopo da Pontormo (equilibrio precario, colores irracionales), Parmigianino (Virgen del cuello largo) y Giulio Romano. Miguel Ángel anticipa la tendencia.
• Alta Maniera (hasta 1580): Mayor intelectualismo, virtuosismo técnico y antinaturalismo. Representantes: Agnolo Bronzino (elegancia estática) y Giorgio Vasari.

1.6. La Pintura Veneciana del Cinquecento

La Escuela Veneciana fue independiente y continuadora del Quattrocento, manifestando la crisis más tardíamente.

• Características: Arte equilibrado y vitalista, de colorido brillante. Poco interés por la perspectiva o la arqueología.
• Técnica: Desaparición del dibujo ante la pincelada ancha y suelta. Sensación de bienestar, calidez, atmósfera luminosa y sensualidad.
• Artistas Representativos: Giorgione (1478-1510), Tiziano Vecellio (1487-1576), Paolo Veronés (1528-88) y Jacopo Robusti, Tintoretto (1518-94).

2. El Renacimiento en España

1.7. Peculiaridades del Renacimiento Español y Comparación con Italia

El Renacimiento se desarrolla en España durante todo el siglo XVI, coincidiendo con el esplendor de la monarquía hispana.

Factores de Diferenciación

• Incorporación Lenta: Hubo una pronta llegada de formas italianas, pero su incorporación fue lenta debido a la resistencia del Gótico y el Mudéjar.
• Unidad Estilística: Falta de unidad estilística entre los distintos reinos.
• Clientela: La Iglesia (principal cliente) mostró reticencias ante el modelo clásico pagano, prefiriendo el lenguaje gótico. La aristocracia acogió las formas por prestigio.
• Humanismo: La persecución de cualquier vínculo con el erasmismo o luteranismo (derivados del humanismo) impidió la asunción plena del pensamiento renacentista.

En resumen, el arte italiano fue aceptado como símbolo de prestigio, pero los modelos italianos fueron copiados de forma esporádica. Solo a inicios del siglo XVI se articula un sistema formal coherente que mezcla la tradición propia con las formas manieristas.

Etapas del Arte Renacentista Español

1. Plateresco: Primer tercio del siglo XVI (llegada).
2. Purista: Segundo tercio del siglo XVI (mayor clasicismo).
3. Herreriano: Tercer tercio del siglo XVI (triunfo del clasicismo unido a formas manieristas).

1.8. Evolución de la Arquitectura Renacentista Española

Arquitectura Plateresca

Estilo prorrenacentista, donde la decoración imita la labor minuciosa de los plateros, enmascarando estructuras medievales.

• Características: Resistencia de formas góticas y mudéjares. Decoración renacentista (grutescos, candelabros, medallones) aplicada sobre estructuras medievales.
• Tipología: Predominan los edificios religiosos, aunque se desarrollan universidades y palacios urbanos.
• Introductor: Enrique Egas, quien aplica elementos renacentistas a edificios góticos.
• Centro: Salamanca es la ciudad por excelencia del Plateresco.

Arquitectura Purismo (Segundo tercio del s. XVI)

Etapa clasicista u ornamentalmente sobria.

• Dominio: Lo espacial sobre lo ornamental. Abandono de la profusión decorativa.
• Influencia: Trasplante del severo diseño bramantesco. Se interpreta el modelo italiano sin copiarlo directamente.
• Representante Clave: Pedro de Machuca (formado en Roma), cuyo estilo Romanista se ve en el Palacio de Carlos V (Granada).

Arquitectura Herreriana (Último tercio del s. XVI)

Estilo manierista desarrollado bajo el reinado de Felipe II, coincidiendo con el estilo de Vignola y Palladio en Italia.

• Características Generales:
  • Desornamentación: Austeridad y sobriedad propias de la Contrarreforma.
  • Rigor Geométrico: Relación matemática de elementos. Uso de formas puras (pirámide, esfera).
  • Volumen y Horizontalidad: Predominio del muro sobre el vano; severa horizontalidad y equilibrio de formas cúbicas.
  • Cubiertas: De madera revestidas de pizarra, con chapitel piramidal en las torres.
  • Monumentalidad.
• Máximo Representante: Juan de Herrera (1530-97), cuyo estilo sobrio y severo influyó profundamente en la arquitectura posterior (ej. Monasterio de El Escorial).

1.9. Escultura Renacentista Española

Características Generales

Al igual que en la arquitectura, se inicia con la convivencia de fórmulas góticas y renacentistas, imponiéndose progresivamente las formas anticlásicas manieristas.

• Clientela y Temática: Dominio absoluto de la temática religiosa, ya que la Iglesia fue el principal cliente. La imagen se convierte en instrumento de propaganda del catolicismo (ideal para conmover al fiel).
• Espiritualidad: Preocupa la belleza del alma sobre la corporal, aunque se mantiene el gusto gótico por el realismo y lo patético.
• Materiales: Domina la madera policromada (barata y fácil de trabajar). También se usa piedra (alabastro, mármol) y ocasionalmente bronce.

Técnicas en Madera Policroma

• Encarnado: Aplicación de color sobre una capa de yeso para las partes desnudas.
• Estofado: Aplicación de colores sobre un fondo dorado, que luego se raspa para configurar los dibujos de los ropajes.

Periodización

El siglo XVI se divide en tercios, siendo el segundo tercio el de mayor esplendor, gracias a figuras como Alonso de Berruguete y Juan de Juni.

1.10. La Pintura de El Greco

El estilo de Doménikos Theotokópoulos, El Greco, es muy personal y difícil de encuadrar, combinando influencias góticas, bizantinas (por cuna), venecianas y romanas (por formación), con un sentimiento español.

Características Estilísticas

• Antiacademicismo: Desdén por lo formal, la proporción, la anatomía y el espacio, en favor de una expresividad dramática.
• Figuras: Inestables, serpentinatas, muy alargadas, con violentos escorzos.
• Color y Dibujo: Predomina el color sobre el dibujo; pincelada ancha y suelta. Colores brillantes y estridentes (carmín, amarillo) que evolucionan a gamas frías, pero siempre expresivas.
• Luz: Artificial, irreal, con fuertes contrastes lumínicos que generan una sensación sobrenatural.
• Composición: Ausencia de perspectiva clásica. Se observa Isocefalia (igual altura de las cabezas) y Diopsia (varias escenas o centros de atención, dividiendo el plano terrenal y el espiritual).

Obras Representativas

• La Sagrada Familia
• La Anunciación
• El Bautismo de Cristo

3. El Barroco

1.11. Características Esenciales del Barroco

El arte barroco se define por su función persuasiva y su énfasis en la emoción:

• Propagandístico y Didáctico: Al servicio de la Monarquía y el Papado (Contrarreforma), busca deslumbrar y adoctrinar.
• Estilo: Realista en la inspiración, pero teatral y fantasioso en la ejecución.
• Dinamismo: Obsesión por el movimiento y la línea curva.
• Contrastes: Desarmonía, desequilibrio, irracionalidad.
• Sensorialidad: Importa la emoción y la pasión sobre la razón.
• Ostentación: Prima la apariencia y el adorno exagerado.
• Fusión de Artes: Unidad o conjunto donde cada elemento existe en función del todo.

1.13. Comparativa: Arquitectura Barroca vs. Renacentista

Características Generales de la Arquitectura Barroca

La ciudad se convierte en un escenario de poder, unido al urbanismo y al paisajismo (naturaleza ordenada).

• Objetivo Principal: Emocionar y llamar la atención del espectador.
• Uso de Elementos Clásicos: Anticlásico y antirracional (desproporción, asimetría, orden gigante). Rechazo de la simplicidad.
• Espacio: Nueva concepción del espacio, con plantas de formas caprichosas y dinámicas, buscando lo infinito.
• Teatralidad y Efectismo: Uso de efectos luminosos (entrantes y salientes en fachadas), trampantojos (arquitecturas fingidas) y abundancia de contrastes (claroscuros).
• Dinamismo: Uso de la línea curva (plantas cóncavas-convexas o alabeadas) y la columna salomónica.
• Decoración: Exceso decorativista y ornato recargado.

Tipología de Edificios

• Palacio: Vivienda urbana de familias poderosas, con fachadas dinámicas.
• Hotel: Vivienda unifamiliar burguesa rodeada de jardines.
• Templo: Espacio unitario (ej. El Gesù), a menudo con planta de cruz latina y gran cúpula en el crucero.

1.14. Urbanismo Barroco

El urbanismo barroco se centra en la ostentación del poder real y el dominio de la perspectiva tridimensional.

• Uniformidad y Ostentación: La ciudad es un reflejo del poder del rey.
• Carácter Periférico: No se modifica el centro histórico; la construcción se realiza en la periferia o mediante la adición de nuevos edificios sin alterar el plano general.
• Perspectiva 3D: Los arquitectos dominan la perspectiva, usando la línea recta para focalizar la visión de los edificios, haciendo que la ciudad se perciba en tres dimensiones.
• Afán Filantrópico: El rey actúa bajo la máxima del despotismo ilustrado.

Barroco Pleno: Representantes

• Gian Lorenzo Bernini: Arquitecto oficial del Vaticano, formula el lenguaje barroco. Gusto por los contrastes, columnas salomónicas y plantas centrales (cruz griega, circular u oval). Obras: Columnata de San Pedro, Baldaquino.
• Francesco Borromini: Mayor dinamismo y barroquismo. Concibe los edificios como escultura, ondulando entablamentos y cornisas. Obras: San Ivo alla Sapienza, San Carlos de las Cuatro Fuentes.

1.15. Comparativa: Escultura Barroca vs. Renacentista (David de Miguel Ángel vs. Bernini)

Características Generales de la Escultura Barroca

• Composiciones: Inestables, asimétricas, con líneas oblicuas y escorzos. Centrífugas, abiertas y dinámicas (obsesión por el movimiento).
• Efectos: Escenografías teatrales, multiplicación de pliegues, contrastes lumínicos y multiplicidad de puntos de vista.
• Estilo: Profundo naturalismo, realismo, texturas y calidades pictóricas. Expresividad, gestos exaltados y exagerados, anatomías en tensión.
• Materiales: Mármol, bronce, y madera policromada (en España).

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

Hijo de escultor manierista, estudió a Miguel Ángel y la escultura grecolatina. Su estilo evolucionó hacia la captación del instante del movimiento físico, con gran dinamismo e intensidad dramática y perfección técnica.

1.16. Características Generales de la Pintura Barroca

La teatralidad y persuasión barroca se expresan plenamente en la pintura.

• Naturalismo: Acentuado realismo, recurriendo incluso a lo feo o viejo.
• Luz: Máxima importancia. Realza el realismo y la perspectiva atmosférica. Abundan los contrastes del claroscuro (tenebrismo).
• Temática: Exaltación del poder religioso (Contrarreforma) y monárquico. Dominio de temas religiosos, pero también mitología, retratos, y nuevos géneros (paisaje, marinas, bodegones).
• Color y Dibujo: Importancia del color; el dibujo queda en segundo plano, con contornos difuminados y pinceladas rápidas y sueltas. Predominan los colores cálidos (heredados de Venecia).
• Composición: Liberación de la simetría renacentista, favoreciendo composiciones dinámicas e inestables (radiales, diagonales), dando sensación de que los personajes se escapan del cuadro.
• Volumen: Dominio total de la tercera dimensión y la profundidad.
• Técnica Principal: Óleo sobre lienzo, complementado con pintura decorativa al fresco en bóvedas.

1.17. Tendencias de la Pintura Barroca en Italia

Las principales tendencias y sus representantes son:

• Tenebrismo (Naturalismo): Caravaggio.
• Decoradores de Bóvedas: Carracci, Reni, Guercino, Cortona y Pozzo.
• Escuela de Nápoles: Giordano.
• Escuela Veneciana: Tiépolo, Canaletto, Guardi.

1.18. Pintura Barroca Flamenca y Holandesa

Pintura Flamenca (Flandes, actual Bélgica)

Permaneció unida a España y a la Iglesia de Roma, adoptando los ideales de la Contrarreforma.

• Temática: Importancia de la temática religiosa.
• Temas Profanos: Impulsados por la aristocracia: mitológicos (sensuales y exuberantes), costumbristas (alegría y optimismo), retratos (realismo detallista) y bodegones.
• Pintores Principales: Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens y Antoon van Dyck.

Pintura Holandesa

Caracterizada por una clientela burguesa, lo que resulta en encargos para decorar hogares, con composiciones más reducidas y sencillas.

• Temas Predominantes: Retratos (individuales y colectivos), escenas de género, paisajes y bodegones.
• Pintores: Rembrandt, Vermeer, Ruysdael, Hobbema y Frans Hals.