Arquitectura Barroca: Dinamismo y Teatralidad

Características Generales de la Arquitectura Barroca

• Pérdida del sentido del equilibrio y la proporción clásicos.
• Búsqueda de efectos de luces y sombras en fachadas e interiores, logrados con la alternancia de vanos y muro, de hueco y pared.
• El Movimiento: La línea curva sustituye a la recta; aparecen columnas salomónicas (retorcidas). Los frontones, entablamentos y muros se retuercen y se parten.
• Materiales Pobres: Uso de mampostería, ladrillos, etc., disimulados por una riqueza decorativa, incluyendo pinturas que imitan piedra o mármol.
• Empleo de elementos constructivos clásicos y renacentistas con nuevos criterios estéticos, como el orden gigante.
• Carácter Escenográfico y Teatral: Evidente en el urbanismo (plazas barrocas) y en el interior de los edificios (bóvedas pintadas).

Innovaciones Decorativas

• Frontones curvos y partidos.
• Columnas salomónicas.
• Estípites: Pirámides truncadas, invertidas, con basas y capitel.
• Decoración vegetal muy gruesa y grande.
• Decoración fantástica: rayos de luz, nubes, cortinajes pintados.
• Tarjas: Grandes escudos.
• Ménsulas: Utilizadas para apoyo de cornisas y entablamentos.

Templos Barrocos

• Gran variedad de plantas: rectangular, elíptica, curvas.
• Predominan los templos con una sola nave y capillas laterales comunicadas entre sí por vanos abiertos en el muro.
• Cubiertas cóncavas: bóvedas de luneto y cúpulas sobre pechinas con tambor y linterna.
• Interior muy decorado, con abundancia de altares en las capillas laterales y numerosos santos en los retablos.
• Gran importancia del púlpito, pues son templos adaptados para la predicación.

Arquitectura Barroca en Italia

• Carlo Maderno: Trabajó en la Basílica de San Pedro del Vaticano.
• Lorenzo Bernini: Principal arquitecto en Roma. Obras destacadas son la Plaza y Columnata de San Pedro y el Baldaquino.
• Borromini: Se dedicó únicamente a la arquitectura en Roma, utilizando formas curvas y onduladas en plantas y fachadas, haciendo realidad la búsqueda del dinamismo barroco.

Ejemplos Arquitectónicos

Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes (San Carlino)

Construida en Roma a partir de 1641. Es una iglesia conventual de pequeñas dimensiones con una planta elíptica con esquinas curvas. Al fondo, frente a la puerta de entrada, se sitúa el altar mayor. Posee capillas laterales separadas por columnas. Está cubierta por una gran cúpula elíptica con tambor y linterna, apoyada sobre pechinas. La cúpula está muy decorada con casetones y cartelas. Consta también de sacristía y claustro.

La fachada, de 1667, es ondulada, con partes convexas y cóncavas que otorgan dinamismo y movimiento. La puerta y la balconada refuerzan el centro. Está muy decorada con columnas, una tarja en el piso superior y esculturas en nichos. En el lado izquierdo de la fachada, bajo una gran hornacina, se encuentra la fuente que da nombre al edificio.

Otras Menciones

• Iglesia de Santa Inés en la Plaza Navona.
• Iglesia de San Ivo: Presenta planta mixtilínea, fachada curva y linterna en espiral.

El Palacio de Versalles: Símbolo del Absolutismo

Versalles se concibió como una gran ciudad cortesana, combinando dos funciones: residencia real y sede del gobierno. Para la monarquía absolutista de Luis XIV, Versalles fue la expresión de poder y prestigio, así como símbolo del centralismo del gobierno y de la importancia de la corte, ya que todo giraba en torno al rey.

Fue construido en la segunda mitad del siglo XVII por los arquitectos Louis Le Vau y Jules Hardouin-Mansart. Las ampliaciones finales, ya con Luis XV, las realizó Jacques-Ange Gabriel. También participaron otros artistas como André Le Nôtre, diseñador de los jardines, y Charles Le Brun, encargado de la decoración interior.

El Exterior del Palacio

El palacio sobrepasa los 500 metros de longitud y presenta dos fachadas: la principal, abierta a la ciudad, y la posterior, que da paso a los jardines. Ambos cuerpos se extienden lateralmente formando un muro continuo. En el palacio predomina la horizontalidad.

La Fachada

Combina hábilmente entrantes y salientes. Se divide en tres pisos separados por una balconada corrida (el 1º y el 2º) y por un gran entablamento entre el 2º y 3º. El piso principal tiene grandes ventanales con arcos de medio punto, columnas y pilastras clásicas, y esculturas en los cuerpos salientes. El edificio se remata con una balaustrada decorada con esculturas que se recortan en el cielo.

La Planta y el Interior

Se construye a partir de un pequeño pabellón de caza de tiempos de Luis XIII. Le Vau se encargó de la ampliación del cuerpo central. A su muerte en 1670, Mansart continuó la obra, modificando el cuerpo central y añadiendo las dos grandes alas laterales, alcanzando una longitud de 670 metros en la fachada orientada a los jardines.

Organización Interior

El interior se articula alrededor de una escalera central, lugar donde se encuentran las habitaciones del rey y la reina. En este cuerpo destaca la célebre Galería de los Espejos, sala de fiestas, un espacio rectangular de 75 metros de largo con grandes ventanales sobre el jardín. Ricamente decorada, se colocaron espejos en las paredes para crear un espacio ilusorio, aumentando el tamaño de la estancia gracias al reflejo.

El resto del edificio es una serie interminable de salones dispuestos en fila. El ala derecha albergaba oficinas de los ministerios, y el ala izquierda se destinaba a la residencia de príncipes y nobles. Destacan la Capilla Real (con cabecera semicircular, tres naves separadas por columnas y una tribuna corrida sobre las naves laterales) y el Teatro de la Ópera, obra de Gabriel. Todo el interior está decorado con lujo: tapices, espejos, pinturas murales, lámparas, muebles, porcelanas… La decoración fue responsabilidad de Le Brun.

Los Jardines

Diseñados por Le Nôtre, quien crea el “jardín francés”, geometrizando los espacios con parterres y avenidas diagonales que terminan en plazas. Busca la simetría y el orden, sometiendo la naturaleza a la razón. El agua es fundamental: estanques decorados con esculturas mitológicas, lagos artificiales y el Gran Canal de más de 1,5 kilómetros en forma de cruz, apto para la navegación.

Grutas, teatros al aire libre y templetes completan el jardín, donde también se construyeron dos palacetes: el Gran Trianón (por Mansart) y el Pequeño Trianón (por Gabriel).

El conjunto servirá de modelo a otros palacios barrocos europeos.

Características de la Escultura Barroca

Dinamismo y Teatralidad

• Movimiento y dinamismo: Figuras retorcidas, composiciones abiertas en forma de aspa, separando brazos y piernas del cuerpo.
• La figura se proyecta hacia afuera, llena de dinamismo.
• Equilibrio inestable y composición en “serpentina” con un movimiento en espiral.
• Ropajes movidos, desordenados, como flotando en el viento, creando efectos de luces y sombras y adquiriendo personalidad.
• Teatralidad en los gestos: Ojos en blanco, manos crispadas o extendidas, bocas entreabiertas.

Escultura Religiosa y Realismo

• La escultura religiosa busca mover el sentimiento, utilizando expresiones dramáticas de dolor y representando escenas de éxtasis de los santos.
• Realismo: Se cuida la calidad y textura de los objetos, y se utilizan materiales como telas y pelucas.
• España: Se policroman las esculturas para conseguir la sensación de realidad.

Materiales y Temas

• Materiales utilizados: Piedra, mármol y bronce, trabajados buscando contrastes entre superficies pulidas y rugosas. En España, predomina la madera policromada.
• Temas o géneros:
  • Religiosos: Apoteósicos y martirios de santos, escenas de la Pasión de Cristo, alegorías del triunfo de la Fe sobre la herejía, temas marianos.
  • Retratos: Busto, cuerpo entero y ecuestres.
  • Mitológicos y alegorías: Fuentes, palacios, plazas de las ciudades.
  • Sepulcros y escultura funeraria: Elementos macabros (esqueletos o relojes de arena) y elementos que exaltan el poder y la gloria del difunto.

Escultura Española: La Imaginería

Posee características propias, marcada por el ambiente religioso de la Contrarreforma y realizada por encargo (retablos, pasos de Semana Santa y esculturas de bulto).

Características de la Imaginería

• Utilización de madera policromada.
• Técnicas de encarnado y estofado.
• Búsqueda del realismo mediante el uso de “postizos”: lágrimas de resina, ojos de cristal, dientes de pasta vítrea, y ropajes reales.
• Imágenes “de vestir”: Solo se talla la cara, manos y pies; el cuerpo se deja como un maniquí vestido con túnicas y mantos.
• Los temas son predominantemente religiosos: Imágenes de la Virgen y santos, y “Pasos” para las procesiones (escenas de la Pasión de Cristo y retablos).
• Los escultores son llamados “imagineros”.
• La escultura funeraria es escasa. Las esculturas ecuestres de monarcas, hechas en bronce por extranjeros, decoran plazas.
• Escuelas: Siglo XVII → escuela castellana y andaluza. Siglo XVIII → foco artístico en Murcia.

Obra Destacada: Cristo Yacente

El tema se repite varias veces. La primera versión conocida es la del Convento de Capuchinos del Pardo (c. 1614); otra es la del Museo Nacional de Escultura de Valladolid (1612).

• El Tema: Cristo acaba de morir; se observa el sufrimiento en el rostro y las heridas están abiertas.
• Composición: Cristo de tamaño natural, muerto, tumbado sobre la losa cubierta por una sábana. Está desnudo, cubierto solo por el “paño de pureza”, hecho con pliegues quebrados y rígidos. El desnudo está tallado con un modelado perfecto, fruto de un estudio anatómico, que no evita detalles naturalistas como las costillas marcadas o la elevación del esternón. En la cara se muestran los rasgos de la muerte: ojos y lágrimas (de cristal) y boca entreabiertos, heridas sangrantes… con un realismo violento que impresiona. Es el sufrimiento, la retórica de la persuasión. Fernández usó la policromía para acentuar y transmitir el mensaje de la Contrarreforma.
• Técnica: Tras la talla, la escultura se recubría con una capa de yeso y se revestía con una tela fina, pegada directamente a la madera, para después aplicar los colores al temple.

Pintura Barroca: Luz, Drama y Realismo

Caravaggio: El Maestro del Tenebrismo

Iniciador de la pintura barroca y principal pintor italiano. Reacciona contra el Manierismo, acercando la pintura al pueblo.

Características de Caravaggio

• Realismo: Rechaza la idealización y la búsqueda de belleza, representando escenas callejeras con mendigos, vagabundos y vendedores. Renueva la iconografía religiosa con un sentido costumbrista y popular, utilizando como modelos tipos humildes encontrados en la calle.
• Tenebrismo: Creador de esta técnica. Usa la luz para dar sentido dramático; las zonas iluminadas destacan sobre las oscurecidas, que ocupan la mayor parte de sus lienzos. Utiliza fuertes contrastes que realzan las figuras, las cuales se recortan sobre fondos de sombra. La luz espacia los elementos y se convierte en protagonista de la obra.
• Realiza escorzos violentos y composiciones asimétricas; sus personajes gesticulan y extienden sus brazos con gestos teatrales.
• Trata el género de las “naturalezas muertas”.
• Predominancia de temas religiosos, pintados en grandes dimensiones para altares y retablos.

Obras de Caravaggio

La conversión de San Pablo, La crucifixión de San Pedro, Baco Joven (tema mitológico), Cesta de frutas (bodegón). Otras grandes obras son La vocación de San Mateo y la Muerte de la Virgen.

La Vocación de San Mateo

Pertenece a la serie dedicada a San Mateo. A la derecha del cuadro aparecen Cristo, acompañado de San Pedro, llamando a Mateo, quien se encuentra con cuatro acompañantes en torno a una mesa contando monedas. Representa la escena en un ambiente de taberna, con personajes sin idealizar y vestidos a la moda de la época, excepto Jesús, que lleva túnica. Los gestos son teatrales y destaca la sorpresa de Mateo.

La composición tiene movimiento, conseguido por escorzos y gesticulación de las figuras. La luz, que entra por el ángulo superior derecho, corta la escena en diagonal, actuando como elemento compositivo. A la vez, ilumina el rostro y las manos de los personajes; la luz es la protagonista.

Los colores son los típicos del tenebrismo: blancos, ocres, negros y algún tono rojizo, sobre fondos castaños y marrones, hasta llegar al negro en las zonas de más sombra. Con este cuadro, Caravaggio ha llegado a la culminación de su estilo, concibiendo su pintura con un dibujo preciso y cuidado, buscando la armonía y dejando el movimiento en segundo plano. El dominio del tenebrismo es perfecto, capaz de subordinar la imagen al efecto de la luz y la sombra.

Rubens: El Dinamismo Flamenco

Principal representante de la escuela flamenca. Estudió en Italia, absorbiendo la pintura veneciana del siglo XVI y la obra de Caravaggio. Recibió numerosos encargos de cortes europeas y trabajó en equipo con sus discípulos (especializados en paisajes, arquitecturas, animales, bodegones, etc.). Rubens se encargaba de la composición, el dibujo de bocetos y la pintura de personajes.

Características de Rubens

• Movimiento y dinamismo, composiciones abiertas: Uso de diagonales y espirales que prolongan el movimiento fuera del cuadro. Conseguido con escorzos y retorciendo figuras, telas y arbolado, lo que da aparatosidad y teatralidad.
• Personajes corpulentos: Figuras masculinas gigantescas y musculosas, de piel oscura. Figuras femeninas exuberantes, rubias y corpulentas, de piel sonrosada y clara (inspiradas en la pintura veneciana).
• Color claro y brillante: Influjo veneciano con una gama de colores cálidos.
• Dibujo: Seguro y enérgico en los bocetos, con pinceladas sueltas y rápidas.
• Temas religiosos, poniendo su arte al servicio de la Contrarreforma.

Velázquez: Naturalismo y Perspectiva Aérea

Nace en Sevilla y se forma en el taller de Pacheco, de quien se casa con su hija. A los 23 años viaja a Madrid y a los 24 Felipe IV le nombra pintor de la Corte. Conoce a Rubens y trabaja para él hasta su muerte.

Características Generales de Velázquez

• Naturalismo sereno: No cae en los extremos desagradables de Ribera, mostrando objetividad al retratar reyes y nobles sin adulaciones.
• Dominio de la composición: Parece que el movimiento y la agrupación de los personajes no han sido elaborados ni pensados.
• Utilización de colores cálidos y fríos, logrando la perfección con el uso de grises plateados y asalmonados.
• Se inicia en el tenebrismo, pero domina el estudio de la luz y la perspectiva aérea, interponiendo la atmósfera en el cuadro.
• Su técnica evoluciona hacia una pincelada cada vez más ligera y deshecha, siendo precursor del impresionismo.

Etapas de Velázquez

1) Primera Etapa (Hasta 1629): Tenebrismo

• Años sevillanos: Pinta temas religiosos y costumbristas con modelos de la calle. Obras: El aguador de Sevilla (que representa la calidad de los objetos y la transparencia del vidrio), Vieja friendo huevos (bodegón), Jesús en casa de Marta y María.
• En Madrid: Hace retratos. Obras: Los Borrachos (o El triunfo de Baco, que representa la borrachera de unos vendimiadores).
• Animado por Rubens, viaja a Italia (1629) y estudia obras de Miguel Ángel y Rafael. A su regreso cambia el estilo, abandonando el tenebrismo.

2) Segunda Etapa (1630-1649): Madurez y Perspectiva Aérea

• A su vuelta de Italia, desaparece el tenebrismo; utiliza una gama de grises y verdes plateados y muestra mayor interés por la perspectiva aérea.
• Pinta temas variados; los retratos son su obra más abundante debido a su cargo oficial. Destacan los pintados para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro.
• Hace algunos retratos ecuestres, como el Retrato ecuestre del Conde-Duque de Olivares.
• Retrata a bufones y enanos sin hacerles desprecio ni burla, mostrando su gusto por el naturalismo.
• Pinturas religiosas (pocas y de encargo dudoso): Cristo crucificado, San Pablo ermitaño y San Antonio Abad.
• Cuadros mitológicos como La fragua de Vulcano e históricos como La rendición de Breda.

3) Tercera Etapa (Últimos años)

• Viaja por segunda vez a Italia, donde permanece dos años y pinta obras como Venus del espejo.
• En Madrid, el rey lo reclama para pintar a su esposa, María de Austria. Obras cumbre: Las hilanderas y Las Meninas.

Pintura: El Martirio de San Felipe

Óleo sobre lienzo de 234×234 centímetros. Representa al santo en el momento en que varios verdugos alzan su cuerpo, que tiene las manos atadas al travesaño de una cruz. El fondo es bastante claro, y lo más notable es la tensión entre el peso del cuerpo y los esfuerzos por izarlo.

La composición es en aspa, con numerosos escorzos y diagonales que dan movimiento y dramatismo a la escena. El contraste es una de las bases compositivas: el desnudo frente a personajes vestidos, frontalidad frente a escorzos, iluminación frente a oscuridad, cárnicos frente a rojos. El color es rico en marrones, grises, verdes, rojos y amarillos terrosos, en contraste con un grupo de tonos gris, blanco y rosa. Iconográficamente, la pedagogía del Concilio de Trento está presente: el martirio es la vía de la Santidad.