El Renacimiento

Contexto Histórico

El Renacimiento, surgido en Italia a comienzos del siglo XV, fue un movimiento artístico que se mantuvo inicialmente como un fenómeno exclusivamente italiano debido a factores como el crecimiento económico de sus ciudades, la organización en ciudades-estado, la herencia viva de la Antigüedad clásica y la invención de la imprenta, que facilitó la difusión de ideas. Este movimiento trajo consigo una nueva mentalidad centrada en el hombre, en la conciliación entre pensamiento clásico y cristianismo, y en la secularización de la cultura en favor del humanismo, manifestándose en un arte que abarcó todas las disciplinas, inspirado en los modelos clásicos y en la búsqueda de la belleza como proporción y armonía, diferente de la renovación flamenca que solo innovó técnicamente. Además, la aparición de una burguesía adinerada como nueva clientela, junto con el impulso del mecenazgo —especialmente por familias como los Médici—, y la reivindicación de los artistas como intelectuales y no meros artesanos, marcó un cambio crucial en la consideración social del arte y de sus creadores.

Quattrocento

Arquitectura

Características Generales

1. Se rechaza el gótico, se persigue el estilo de la Antigüedad.
2. Ideal de belleza clásica: armonía, orden, proporción.
3. La arquitectura será la madre de las artes.
4. Las construcciones civiles se equiparán a las religiosas.

• Los palacios están en las ciudades y siempre son iguales (cuadrangulares, de varios pisos, con patio central), las villas están en el campo y son armónicas con el paisaje.
• Las edificaciones religiosas resucitan formas de la antigüedad, resucitan la planta basilical y la centralizada.

5. Se vuelve a emplear los muros, decorados con almohadillado, puntas de diamante o conchas.
6. Empleo de muros y columnas como elemento sustentante al igual que en la antigüedad. Empleo del arco de medio punto.
7. Las bóvedas de cañón y de arista, las cúpulas sobre pechinas con tambor y con linterna y los techos adintelados.
8. Las formas geométricas básicas, flores, frutos, trofeos, cintas, guirnaldas, coronas, medallones y grutescos como elementos decorativos.

Brunelleschi

Comienza su carrera como escultor y se presenta al concurso de las puertas del baptisterio de Florencia, pero fracasa y viaja a Roma donde estudiará la arquitectura clásica. Después volverá a Florencia con nuevas ideas.

Cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore, Florencia

La catedral de Florencia, originalmente construida en estilo gótico, quedó incompleta debido a la peste negra y a los desafíos del gran diámetro de la cúpula. Posteriormente, Filippo Brunelleschi ganó un concurso para diseñar la cúpula, que mide 87 metros desde el tambor. Su innovador diseño consiste en cúpulas concéntricas, con la interior más pequeña y ligera que la exterior, permitiendo que la cúpula se auto-sustente mediante vigas de madera.

La cúpula exterior, ovalada y esbelta, está hecha de ladrillo y tiene un diseño elegante. El tambor tiene ocho vanos ocultos que aportan luz natural al interior. La linterna en la parte superior se construyó después de la muerte de Brunelleschi.

Basílica de San Lorenzo, Florencia

La basílica fue mandada construir en 1421 por Cosme de Médici como iglesia familiar y panteón para el clan Médici. Presenta una planta basilical de tres naves, siendo la central más alta que las laterales. En las naves laterales se cubre con bóvedas de cañón, mientras que en la nave central hay un adintelamiento decorado con casetones. En el crucero se eleva una cúpula sobre pechinas. La iglesia muestra un diseño muy geométrico basado en un riguroso sistema de proporciones, incorporando elementos clásicos como el arco de medio punto y las columnas de orden corintio. Destaca también el juego estético de colores, predominando el contraste entre el gris —empleado en los elementos sustentantes— y el blanco de los paramentos, reforzando así la claridad y la armonía visual del conjunto.

Michelozzo

Es un artista que procede de una familia humilde y aprende en el taller de Ghiberti y más tarde será discípulo de Brunelleschi. Su obra fundamental es el Palacio de los Médici – Riccardi. Michelozzo logra el arquetipo de los palacios renacentistas.

Palacio de los Médici – Riccardi, Florencia

El palacio fue encargado por Cosme el Viejo de Médici para ser la residencia principal de la familia. Su concepción es distinta a la de los palacios fortaleza del estilo gótico, ya que el modelo renacentista está más integrado en la ciudad y busca transmitir prestigio antes que defensa.

Tiene planta cuadrada y se compone de tres pisos claramente diferenciados: el inferior está decorado con almohadillado, el piso intermedio presenta un relieve más suave marcado por los sillares, y el piso superior es liso. La fachada muestra una distribución rítmica de arcos geminados dentro de arcos de medio punto, en ocasiones decorados con medallones. La cornisa sobresale en saledizo, acentuando el remate del edificio. En el interior se organiza un patio central rodeado de arquerías, siguiendo el esquema clásico de los palacios renacentistas.

Alberti

Es un arquitecto de la generación posterior a la de Brunelleschi y será el más importante teórico del Quattrocento. Escribirá varios tratados como el De re aedificatoria basándose en Vitruvio, proponía una estética basada en los modelos clásicos y en las relaciones matemáticas.

Fachada de Santa María Novella, Florencia

La iglesia gótica ya estaba construida, pero la fachada quedó inacabada hasta que se le encargó a Alberti, quien diseñó una fachada de estilo renacentista aunque respetando algunos elementos góticos preexistentes. La fachada recuerda a la de San Miniato al Monte y se organiza en dos niveles: en el nivel inferior se sitúan dos cuadrados simétricos entre los que se encuentra la puerta central con un arco de medio punto, pilastras y columnas adosadas de orden corintio, además de un entablamento y un dintel. La geometrización de este nivel se refuerza mediante el uso de mármoles de colores, alternando tonos verdes y blancos. En el nivel superior, la fachada recuerda a un templo griego gracias al frontón triangular y la inscripción en el friso, aunque conserva un óculo de tradición gótica.

A los laterales se disponen dos aletones en forma de volutas, cuya función es tanto decorativa como práctica, ya que ocultan los extremos de la estructura gótica. La fachada, con solo dos vanos y predominio de muro decorado con motivos geométricos y mármoles policromados, marcará un precedente que servirá de modelo para el Cinquecento —como en la iglesia de Il Gesù en Roma— y posteriormente para el estilo barroco.

Escultura

La escultura renacentista no rompe con el gótico.

Características Generales

• El tema principal es la figura humana, las representaciones se rigen por un canon.
• Lo más importante es la perfección de las formas más que la función didáctica.
• Se potencia el retrato y se recupera el desnudo y la escultura ecuestre.
• En los relieves se intenta aplicar la perspectiva.
• Los materiales son mármol y bronce.

Ghiberti

Escultor, arquitecto, orfebre. Coleccionista de arte antiguo, estudioso de los clásicos. Escribió, hacia su vejez, Commentari, una autobiografía con comentarios a pinturas y esculturas de otros artistas italianos de la época.

Puerta del Paraíso, Baptisterio de Florencia

Es un conjunto de relieves de bronce policromados en oro realizados mediante la técnica de fundición de metales, llevado a cabo por Lorenzo Ghiberti tras ganar un famoso concurso en el que compitió, entre otros, Brunelleschi.

Realizada a mediados del siglo XV, esta obra monumental está compuesta por varios paneles que representan escenas bíblicas como la Creación, la historia de Abraham, Isaac o Noé. En cada panel se funden varias escenas simultáneas, utilizando un sentido narrativo continuo. La representación del espacio y la anatomía remite al mundo clásico, buscando el realismo, la proporción de las figuras y la profundidad espacial. Además, el tratamiento dorado del bronce genera un juego de claroscuros que varía según la incidencia de la luz a lo largo del día, dotando a la obra de un gran dinamismo al no predominar líneas rígidas. Esta obra es considerada el punto de partida de la escultura renacentista, ya que en ella se aprecian claramente las características que definirán este arte: realismo, estudio de la perspectiva, volumen y atención al naturalismo.

Donatello

Es el escultor más importante del Renacimiento. En su juventud viajó a Roma para estudiar los tipos clásicos, más tarde al volver a Florencia estudia en el taller de Ghiberti. El mayor interés de Donatello es la figura humana, la representa de todas las edades y actitudes.

David, Florencia

Es una escultura exenta de bronce realizada mediante la técnica de fundición de metales, obra de Donatello a mediados del siglo XV, en pleno Renacimiento del Quattrocento. Encargada por Cosme el Viejo de Médici, estuvo ubicada en el interior del Palacio Médici-Riccardi. Representa al rey David tras derrotar a Goliat: se muestra desnudo, apoyando el brazo derecho sobre su espada y reposando el pie izquierdo sobre la cabeza del gigante vencido. Es la primera escultura de bulto redondo desnuda desde la Antigüedad clásica, reflejando el espíritu antropocéntrico del Renacimiento.

Se aprecia un contrapposto muy marcado y la curva praxiteliana (o línea serpentinata), evidenciando la inspiración en Praxíteles. La obra transmite serenidad y naturalismo, con una anatomía juvenil, lejos de la perfección heroica, mientras que el bronce permite un juego de luz que resalta volúmenes y detalles.

Gattamelata, Padua

Es una escultura de bronce realizada mediante la técnica de fundición de metales, obra de Donatello en la primera mitad del siglo XV, durante el Quattrocento. Se trata de una escultura de bulto redondo de carácter ecuestre que representa a Gattamelata, un condottiero, es decir, un líder militar de alto rango. Donatello busca retratar no solo las facciones físicas de Gattamelata, sino también su carácter y personalidad. Esta obra es la primera gran estatua ecuestre realizada desde la Antigüedad clásica, inspirándose en la famosa estatua de Marco Aurelio, y marca un hito en el Renacimiento al recuperar la tradición escultórica clásica.

Pintura

Características Generales

1. La pintura, al no tener referencias explícitas de la Antigüedad, es continuista con la tradición medieval, tomando de la etapa clásica los temas mitológicos o históricos.
2. Así, el Quattrocento supone una etapa de investigación, formulación teórica y experimentación del nuevo sistema de representación, logrado con la óptica y la geometría.
3. Su principal objetivo es reproducir el mundo tal y como lo perciben nuestros sentidos, por lo que prestan especial atención a:

• La correcta representación de la figura humana.
• La utilización de la luz para crear volumen o espacio.
• La representación científica de la tercera dimensión (perspectiva lineal).

4. Sobre las técnicas: se mantuvo la pintura mural al fresco, la pintura sobre tabla al temple y, a mediados de siglo, se incorporó el óleo por influencia flamenca.

Masaccio

Nacido en la Toscana y pronto establecido en Florencia, donde desarrolló toda su abundante obra. A pesar de su temprano fallecimiento (veintisiete años), se le considera el iniciador del Renacimiento en la pintura.

El Tributo de la Moneda, Florencia

La escena representa la historia en la que un recaudador de tributos exige el pago del impuesto, y Jesús manda a San Pedro a pescar: el primer pez que saque tendrá una moneda en la boca con la que podrá pagar el tributo. La composición es cerrada y simétrica, con isocefalia (todas las cabezas situadas a la misma altura). Todos los personajes llevan nimbo, se juega con la luz y la sombra, y se utiliza el escorzo para crear volumen y profundidad mediante las posturas y posiciones de las figuras. Los rostros están individualizados, permitiendo identificar a los personajes. Se percibe la influencia de Giotto, especialmente en la representación de las montañas (como en La Huida a Egipto). En la arquitectura, todos los arcos son de medio punto, en un intento de representar la antigüedad desde una perspectiva renacentista. La obra cumple una función tanto decorativa como religiosa.

Fra Angélico

Monje dominico, inició su carrera pictórica en la tradición gótica, con abundancia de dorados y figuras frágiles y amaneradas, además de escaso interés por la representación espacial. No obstante, fue incorporando a su pintura los avances técnicos de otros pintores más innovadores. Así, para la reconstrucción del Convento de San Marcos de Florencia (1437-1452), pudo realizar numerosos frescos de gran valor renacentista.

La Anunciación, Convento de San Marcos de Florencia. Mitad del s. XV

Estamos ante una pintura mural al fresco realizada por Fra Angélico a mediados del siglo XV, titulada La Anunciación. La escena muestra el momento en que el Arcángel San Gabriel anuncia a la Virgen María que será la madre de Jesús. Ambos personajes se sitúan bajo un porche porticado de arquitectura renacentista, donde la columna central actúa como eje de simetría. La composición es cerrada y simétrica, y en las figuras se percibe cierto hieratismo y estatismo, herencia del arte gótico, pero también una gran delicadeza y ternura, características propias de Fra Angélico.

Destaca la elegancia de las figuras, el tratamiento suave del color, y la ausencia de un punto de fuga definido, lo que dota a la escena de un realismo especial (ya que en la vida real no existen puntos de fuga absolutos). En el fondo, aparece un hortus conclusus (un jardín cerrado), símbolo tradicional de la virginidad de María. En la arquitectura se utilizan elementos clásicos como columnas corintias compuestas y medallones decorativos.

Piero della Francesca

Toscano, pintor especialista en frescos, geómetra, matemático. Figura fundamental del Quattrocento, su estancia en Florencia fue breve, nunca llegando a trabajar para los Médici.

Sus pinturas se caracterizan por un humanismo sereno, las formas geométricas, la perspectiva y la luz.

Madonna del Duque de Urbino, 1472

Madonna quiere decir virgen en italiano (mi señora). Es un temple sobre tabla del siglo XV. El tema a tratar es la virgen con el que ha mandado hacer la obra (Virgen con donante). Tiene gran influencia matemática haciéndolo geométrico. La escena se aplica en un espacio arquitectónico renacentista, la composición cerrada y simétrica, el huevo y la virgen hacen línea simétrica, el punto de fuga es la virgen, las líneas predominantes verticales. La luz viene de la izquierda, se ve con la sombra, colores vivos. La virgen está rodeada de 4 ángeles con forma de mujeres, y saliendo un poco más aparecen ángeles y santos. Hay gran detallismo, dando evidencia de la influencia Gótica.

Botticelli

Nacido en Florencia, recibió una sólida formación e ingresó en el taller de Filippo Lippi. Pronto entró en contacto con los Médici, convirtiéndose en una figura prominente. La mayor parte de la obra de Botticelli fue pintura religiosa, destacando en las madonnas, por lo que tras su muerte fue considerado autor de segundo orden. Su figura se reivindicó a finales del XIX, destacando su obra de temática mitológica (íntimamente relacionada con la Academia Neoplatónica de Marsilio Ficino). Su pintura se caracteriza por el dibujo fino de las figuras, generalmente alargadas, y el movimiento que les imprime, reforzado por mantos y velos ondulantes.

La Primavera, Botticelli, Galería Uffizi

Temple sobre tabla, trata temas mitológicos, habla literalmente de la primavera. Esto es una alegoría (una metáfora).

Lo expresa a través de diferentes figuras. La figura principal es Venus, a la izquierda hay un grupo, las tres gracias. Aún más a la izquierda encontramos a Hermes, encima de Venus está Cupido. Después, a mano derecha, está Flora, Cloris (ninfa) y Céfiro. Yendo de derecha a izquierda, Céfiro. Cupido está disparando hacia las tres gracias (castidad, amor y belleza). Hay naranjas como representación de los Médici. Composición simétrica, cerrada, colores suaves, líneas verticales, hay contorno en las figuras (las líneas rodean y marcan el contorno de las figuras), la luz tenue, la luz da algo de volumen, pero tampoco mucho, ni perspectiva. Hay elegancia, belleza en las figuras. La función es decorativa.

El Nacimiento de Venus, Botticelli, Galería Uffizi

Es otro temple sobre tabla. Aparece Venus sobre una concha en la orilla de un lago, aparece desnuda y se está tapando. A la derecha está la ninfa Flora que va a cubrirla. Y a la izquierda está Céfiro junto a una ninfa, soplando a Venus, acercándose así a la orilla. Es el primer desnudo femenino de tema pagano en la pintura. La composición de la pintura es triangular, la figura de la Venus tiene curva praxiteliana y por consiguiente tiene contrapposto dotando a la figura de dinamismo, tiene colores suaves, los contornos están marcados.

Cinquecento

Contexto

A finales del Cinquecento, los Médici son expulsados de Florencia y Savonarola instauró una teocracia. Florencia pasa de ser la capital del Renacimiento a la ciudad que lo persigue, entonces el eje central del Renacimiento pasa de Florencia a Roma. Cuando muere el papa León X se dejará de pagar tanto a los artistas. A partir de 1520 se vive una crisis cultural en Europa, se sucede la escisión de Lutero y el Saco de Roma.

Arquitectura

Características Generales

1. La arquitectura se convierte en monumental, la planta más usada será la planta centralizada.
2. Tras la toma de Florencia por los franceses, el centro artístico y cultural de la península itálica será Roma, donde los Papas ejercerán un patronazgo artístico sin precedentes. No obstante, la década de 1520 y 1530 da lugar a una crisis general de la cristiandad (Reforma de Lutero, Saco de Roma, etc.).
3. Esta crisis se dejará sentir en la arquitectura:

• El arquitecto rechazará la norma en favor de su libertad artística y su concepto de belleza.
• Los conceptos clasicistas de orden, armonía y belleza pierden su vigor. Así, los elementos arquitectónicos comenzaron a usarse sin respetar las normas; pero la experimentación quedará relegada a villas y palacios privados.

Bramante

Desarrolla su carrera en el Cinquecento.

Es el mayor representante de la sobriedad clasicista.

San Pietro in Montorio, Bramante, Roma

Se construye con un escudo de los Reyes Católicos en el centro. Los reyes quisieron agradecer a San Pedro la conquista de Granada, construyendo una basílica donde supuestamente crucificaron a San Pedro.

Planta centralizada circular, con pilastras de decoración y hornacinas (huecos donde se colocan las esculturas). Recuerda a un tholos, está rodeado por columnas toscanas. Encima de las columnas encontramos un arquitrabe compuesto por metopas (donde se ve representada la vida de San Pedro en un bajorrelieve) y triglifos. Subiendo a la planta superior, una balaustrada (barandilla). Desde fuera se ve el tambor y la cúpula. La decoración del piso superior va alternando con hornacinas.

HISTORIA DEL PROYECTO DE LA BASÍLICA DE SAN PEDRO DEL VATICANO PARA EXPLICAR A MIGUEL ÁNGEL: La basílica era una iglesia paleocristiana del S. IV construida por Constantino. Julio II encargó a Bramante todas las construcciones pontificias. Bramante diseñó la planta centralizada de cruz griega inscrita en un cuadrado. En el centro hay una cúpula y luego hay cuatro brazos. Esos brazos están cubiertos por bóveda de cañón acabados en ábsides. Hay también cuatro cúpulas pequeñas, próximas a la cúpula central.

Miguel Ángel (1475-1564)

Es una de las figuras más importantes de la historia del arte. Fue arquitecto, escultor, pintor, ingeniero, poeta, etc. Nace en la Toscana, pronto entra en contacto con muy buenos arquitectos, pintores, escultores. Uno de los Médici lo acogió, pero los Médici son expulsados y Miguel Ángel se va a Roma. Aquí hará sus obras más reconocidas. Luego le encargaron la Capilla Sixtina, y entre medias le encargan la construcción de San Pedro del Vaticano, ya que Bramante acaba de morir.

San Pedro del Vaticano, Miguel Ángel

Se lo encargan en 1546. Miguel Ángel se basa en la base de Bramante, aunque la modificará, reducirá y moverá las cuatro cúpulas pequeñas, y aumentará la cúpula central. Diseña una entrada monumental, que nos recuerda a un templo griego (intenta imitar el Panteón de Roma).

Hizo los planos y vio la construcción del tambor, después murió. El diámetro de la cúpula mide 47 m de diámetro y la altura 136 m. Es muy grande, utilizará la misma técnica de Brunelleschi. La cúpula fue terminada por otro artista, y la linterna por otro autor más. El tambor se divide en dos pisos. En el primero hay alternancia de vanos de frontón semicirculares y triangulares, que entre medias lo separan columnas adosadas geminadas de orden compuesto. En el segundo piso hay una alternancia de guirnaldas.

Manierismo

Vignola

Fue el tratadista más importante del siglo XVI. Establecerá un nuevo canon (nuevas reglas a seguir). Escribe Regla de las cinco órdenes de la arquitectura y tendrá una gran difusión por Europa.

(*FALTAN COSAS concilio de Trento)

Fachada de Il Gesù, Vignola, Roma

Solo entra la fachada de esta iglesia, será modelo para el barroco. San Ignacio de Loyola funda la Compañía de Jesús. Es encargada por San Ignacio, es la iglesia madre y es construida en Roma. San Ignacio se lo encargó a otros arquitectos, pero acabó cayendo en Vignola.

La iglesia diseñada por Vignola es de planta cruz latina, tiene 5 naves, con bóveda de cañón, con una cúpula que descansa sobre pechinas en el crucero. Lo más interesante es el tratamiento de la luz en el interior, en función de la hora del día hay o no oscuridad dando un toque espiritual.

LA FACHADA: La hizo en parte Vignola, pero se va modificando sobre su obra. Se la mandan a Giacomo Della Porta. Hay dos pisos en la fachada. El primero tiene un cuerpo rectangular, las pilastras de orden corintio son decorativas y marcan desde fuera las naves.

De las cinco naves, tres tienen pórticos. Los laterales tienen frontón triangular, y el centro semicircular. Sobre las triangulares está el escudo de la Compañía de Jesús. Todo esto se remata con un friso con una inscripción en latín, una decoración clásica griega, y con un frontón triangular inscrito de uno semicircular. El segundo piso recuerda a un templo griego, hay otro cuerpo rectangular, misma estructura que la de abajo, pilastras… Tienen hornacinas de frontón triangular y en el medio un vano de frontón triangular, todo rematado con otro frontón triangular. A los laterales hay aletones. Nos recuerda a Santa María Novella de L. B. Alberti. El barroco usará esta iglesia como modelo.

Andrea Palladio

Fue el arquitecto más clasicista de este periodo (modelos clásicos), es purista (busca la pureza). Su estilo se difunde a través de Los cuatro libros de la arquitectura, y es importante, no por lo que hace, sino por su influencia mucho más tarde en el S. XVII inglés y el S. XVIII neoclásico europeo, será “rescatado”.

Villa Rotonda, Andrea Palladio, Vicenza

Es una planta centralizada con cúpula, es un espacio privado, que usa elementos religiosos como la cúpula o el frontón del templo romano…

(AÑADIR MÁS AUNQ SE SACA SOLO)

Escultura

Características

• Preferencia por la figura humana desnuda por la gran influencia de los descubrimientos de la escultura clásica.
• Se busca más la grandiosidad que lo minucioso del detalle.

• La escultura manierista buscará lo novedoso y lo sorprendente.

Miguel Ángel

Piedad

Es una obra de juventud, la encarga un cardenal de la Iglesia, está en el Vaticano, Roma. Es una escultura exenta, de bulto redondo del Cinquecento, de mármol de Carrara. Técnica: talla. El brillo, aparte de la talla, también se pule. Está la Virgen María con su hijo Jesús yacente en brazos. Se suele ver también en la Edad Media, pero la virgen solía salir llorando. La virgen está vestida y Jesús desnudo. A diferencia de en la Edad Media, el rostro de la virgen está sereno. Miguel Ángel evita apelar a los sentimientos sin representar las heridas de Jesús. Detrás de sus honras hay un gran estudio anatómico. La juventud de la virgen se asocia a la virginidad. La estructura de la escultura es triangular. Existe un diálogo entre las dos figuras que se observa en los movimientos y en la postura. También hay un diálogo entre la virgen vestida y Jesús desnudo. Esta es una obra que obsesiona a Miguel Ángel, es un tema recurrente para él, lo tratará a lo largo de toda su vida.

David. Etapa de juventud. Florencia

La escultura David de Miguel Ángel, realizada en mármol de Carrara, es una obra maestra del Renacimiento. Representa al rey David antes de derrotar a Goliat, y es la primera vez que David se muestra sin Goliat. Fue pensada para la catedral de Santa María del Fiore, pero debido a su impacto, se trasladó a la Plaza de la Señoría de Florencia. La figura de David, atlética y de gran detalle, muestra un contrapposto sutil, con la pierna izquierda adelantada y la honda sujeta en ambas manos. Su mirada refleja terribilità, una expresión de potencia e ira contenida, que simboliza la lucha del pueblo florentino contra los Médici, representados como Goliat.

Moisés. Etapa de juventud. Roma

Escultura de bulto redondo en mármol de Carrara en talla, se ubica en Roma, realizada en el S. XVI. La figura es Moisés, representado de manera fornida, sentado, con la mano derecha sujetando las dos tablas y con la izquierda reposando en el regazo. La escena que se representa es después de descender con los mandamientos y ver a su pueblo adorando lo material, y ahí es donde con el rostro muestra terribilità. Aunque esté sentado se observa un ligero contrapposto, también se observa la línea serpentinata. Hay rugosidad en las vestimentas. El conjunto escultórico pertenece al conjunto funerario que fue mandado a construir por Julio II, por eso tiene función funeraria.

Tumbas Médiceas. Florencia

Estas tumbas se encuentran en Florencia, en la sacristía de la iglesia de San Lorenzo. Están enterrados Giuliano y Lorenzo, están en dos paredes enfrentadas. Constan de dos elementos: una escultura de bulto redondo y la propia tumba. Miguel Ángel representa a jóvenes idealizados. Según la postura que tengan son pensador (Lorenzo) y guerrero (Giuliano). El sarcófago tiene decoración de volutas. Sobre las volutas se representan dos figuras: en el caso de Giuliano es la aurora y el crepúsculo, y en la de Lorenzo son el día y la noche. Las esculturas tienen posturas forzadas para mostrar la musculatura.

Giambologna

Era originario de Flandes, viajó a Roma para estudiar el Renacimiento y así a su vuelta a Flandes ser el artista renacentista de Flandes. A su vuelta a Flandes pasó por Florencia y se quedó allí. Es uno de los mayores representantes del Manierismo. Sus tres cosas más importantes son la línea helicoidal, la multiplicidad de los puntos de vista y el canon alargado.

Rapto de las Sabinas. Florencia

Es una escultura de bulto redondo de mármol por talla, se encuentra en Florencia, es de estilo manierista y representa el rapto de las sabinas. Aparecen tres figuras: un romano sosteniendo a una Sabina mientras que el Sabino se encuentra en la parte inferior. Se observa la línea helicoidal mostrada gracias a la composición ascendente. La obra llama a dar la vuelta, necesitando distintos puntos de vista para observar la escultura. No predomina ninguna línea, se observa el concepto griego del pathos mostrando una gran expresividad. Tiene una función decorativa.

Pintura

• Asentadas ya todas las mejoras técnicas, hay una renovación temática. Dentro del Cinquecento, encontramos más calidad técnica, detallismo. Espacio mejor conseguido, siendo más natural.
• En el Manierismo, la pintura, los autores alterarán las proporciones, jugarán con las luces, y la composición será recargada.

Leonardo da Vinci. 1452 – 1519

Nació en Vinci, un pueblo en la región de la Toscana cerca de Florencia, y enseguida se instaló en Florencia. En Florencia llega a abrir un taller. A finales del Quattrocento empieza a viajar por Italia y Francia y dejará de tener residencia fija. La mayor parte de su fama viene de su pintura, aunque tenga poca pintura propiamente. Leonardo es el arquetipo de hombre renacentista, siendo arquitecto, pintor, escultor e inventor. Tiene una aproximación hacia la ciencia, interesándose por todos los ámbitos de la misma como la anatomía o la óptica.

Virgen de las Rocas, 1483. Museo del Louvre

El óleo La Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci, pintado en el Cinquecento, muestra a la Virgen, San Juan Bautista, Jesucristo y un ángel en una cueva, representando una escena de un evangelio apócrifo. La composición es simétrica y triangular, con interacción entre las figuras. El uso del claroscuro y la técnica del sfumato, que difumina los contornos, crea volumen y transmite ternura y elegancia. La escena tiene dos focos de luz, logrando un equilibrio de colores. Los personajes están idealizados para transmitir una sensación de suavidad y gracia.

Última Cena. Milán

El cuadro está a la entrada del refectorio del convento de Santa María de la Gracia, lo que alude a los viajes de Leonardo. Se conserva mal y ya se estaba degradando con él en vida. Es una pintura mural al óleo con placas de yeso. La escena que representa es la de la Última Cena con Jesús en el centro y los apóstoles rodeándolo. La escena es cuando Jesús dice que uno de los apóstoles le traicionará. Los apóstoles están de tres en tres y se relacionan entre ellos. La composición simétrica está cerrada, y es triangular en la figura de Jesús. El punto de fuga del cuadro se encuentra en la figura de Jesús. La perspectiva se nota en la habitación del fondo, aparece el sfumato, el volumen se consigue a través del claroscuro. Hay dos focos de luz en la escena: uno en el frente y otro en las ventanas de atrás. Tiene función religiosa y decorativa.

La Gioconda, 1503, Museo del Louvre

Es un retrato de Lisa Gherardini, es un óleo sobre tabla. Es una mujer sedente con escorzo lateral, con su brazo izquierdo apoyado en la silla y el brazo derecho sobre el otro. Lleva un fino velo en su cabeza, una composición triangular y cerrada, tiene sfumato. La luz va de izquierda a derecha, el cuadro cuenta con claroscuro.

Rafael Sanzio

Nacido en Urbino, fue considerado un niño prodigio por su precoz virtuosismo. Al quedar huérfano muy joven, se formó en talleres de artistas de gran renombre, como Perugino. Fue pintor, arquitecto, escultor, diseñador e incluso poeta. Trabajó intensamente para los papas Julio II y León X. Murió a los 37 años. Su estilo, armónico y equilibrado, tendrá una enorme influencia en la posteridad frente al estilo alambicado del Manierismo. Rafael es un influyente que hasta el s. XIX seguirá usando su estilo.

La Escuela de Atenas, Museos Vaticanos

Es uno de los frescos de las estancias papales, es una pintura mural al fresco. El fresco representa sobre todo a filósofos de la Antigüedad clásica. En el centro de la composición se hallan Platón y Aristóteles. Platón es más mayor y señala al mundo de las ideas, tiene el diálogo de tiempo en la mano. Aristóteles señala al mundo terrenal y tiene en la mano la Ética a Nicómaco. A sus alrededores están filósofos clásicos, representados como gente contemporánea a él. Se encuadra en la Basílica de San Pedro en construcción. La luz es cenital y proviene del cielo, los colores son armoniosos, la composición es simétrica y cerrada, con el punto de fuga en los dos filósofos más importantes.

Miguel Ángel Buonarroti

Bóveda de la Capilla Sixtina, Roma

Para decorar la bóveda emplea un registro pictórico. En el registro central tiene que ver con el Génesis, lo rodean la representación de la familia de Jesús, los profetas y las sibilas. Miguel Ángel emplea las posturas forzadas y la musculatura desarrollada.

Altar de la Capilla Sixtina, Roma

El altar se pinta años después, representa la escena del Juicio Final. La figura central es Jesucristo con la virgen a su lado. En la parte superior del fresco están los ángeles portando los instrumentos de la pasión, alrededor de Jesús se distribuyen los santos. A la izquierda de la composición están los que han sido salvados, a la derecha de la composición están los condenados al infierno. La luz es omnipresente, pero también hay muchos focos de luz. La composición es simétrica y cerrada. Los colores son vivos.

Manierismo

Parmigianino

Nacido en Parma, fue un pintor y grabador italiano, considerado uno de los grandes artistas del Manierismo italiano. Tomando las formas de los grandes maestros del Cinquecento, dará lugar a modelos más decorativos y mayor vitalidad en las formas. Para Parmigianino, el arte estaba por encima de la perfección y del realismo, por lo que no dudó en distorsionar la naturaleza por motivos artísticos.

La Virgen del Cuello Largo, Galería Uffizi

Óleo sobre lienzo. Lo novedoso son las imperfecciones físicas, rompe con el sistema de proporciones. Lo hacen a propósito. Lo característico aquí es la virgen por su cuello y la mano son alargados, da más elegancia y delicadeza. El Niño también está deliberadamente desproporcionado y en una postura muy forzada. A su lado hay ángeles. No tiene composición equilibrada, el paisaje no es muy coherente con el contexto (Las, perspectiva, composición…).

Sofonisba Anguissola

Natural de Cremona, fue la primera mujer pintora de éxito durante el Renacimiento.

Proveniente de una familia noble, gozó de una esmerada educación y formación pictórica que la llevó a Roma, donde fue discípula de Miguel Ángel. Su gran fama la condujo a la corte madrileña de Felipe II, donde fue pintora de cámara durante casi 15 años, encargándose de su especialidad: los retratos.

Autorretrato con Caballete

Lo original es que pinta un retrato pintando otro cuadro.

Retrato de la Familia Anguissola

Es su familia, el paisaje es italiano, de donde ella es. Esto nos conduce al barroco, por el paisaje armónico, la luz… En las caras vemos la psicología de las personas. Hay equilibrio en el paisaje y en los colores.

Escuela de Venecia

Hasta el siglo XV, Venecia había mirado más a Oriente que a Occidente debido a sus intereses comerciales (Ruta de la Seda, cruzadas, Imperio bizantino…), por eso artísticamente percibía la influencia bizantina y el lenguaje renacentista tardó en acomodarse. Sin embargo, a finales de siglo y ya especialmente durante el XVI, surgió en Venecia una escuela que la convirtió en el segundo gran centro artístico tras Roma. Sus características principales guardan relación con la luz y el color que tanto han subyugado a los poetas:

1. El color prima sobre el dibujo, produciendo una pintura más sensitiva que intelectiva.
2. El paisaje se trata con gran lirismo, no como fondo espacial.
3. La riqueza y el lujo inundan con detalles las composiciones, ofreciendo una visión sensualista de la vida.
4. Son muy frecuentes los temas profanos y mitológicos.

Giorgione

Natural de la región del Véneto, su talento fue prontamente reconocido y, junto con Tiziano, inició la pintura veneciana de estilo renacentista. Las aportaciones más relevantes de Giorgione fueron la riqueza cromática, el empleo del lienzo y el paisaje como parte fundamental de la composición. Nunca fue esclavo del dibujo ni de la línea, arriesgando la técnica en favor de mayor expresividad. La peste lo mató a los 33 años.

La Tempestad

Óleo sobre lienzo. Hay un hombre con una vara, y una mujer amamantando a su hijo. Todo esto en una zona un poco abrupta, un rayo de fondo, una ciudad… El verdadero protagonista de esta pintura es el paisaje. El rayo, la tormenta, las nubes, el reflejo del agua bajo el puente, esto es escuela veneciana. Hay claroscuro, hay luz, sombra, los colores, simetría, composición, función (decorativa), tema pagano.

Tiziano. 1488-1576

Natural de la región del Véneto y de familia muy acomodada, comenzó su formación pictórica a los 10 años en el taller de Giovanni Bellini, el pintor más famoso de entonces en Venecia. Prontamente se alzó como el indiscutible mejor pintor veneciano. Pintor versátil, capacitado para paisajes, retratos, escenas mitológicas, escenas religiosas… Atravesó numerosas etapas y evoluciones pictóricas a causa de su longevidad. Su obra se caracteriza por el color, luminoso, vivaz, con una pincelada suelta (expresividad, inmediatez) y un dominio maestro de las modulaciones cromáticas.

Venus de Urbino

Es un óleo sobre lienzo.

Representa una figura femenina desnuda sobre una cama, con un perro a sus pies. En el fondo de la escena hay dos sirvientas, una de pie y otra metida en un baúl. El muro que se observa tras la Venus sirve de separación entre escenas. Las líneas pretenden transmitir sensualidad. La luz viene de detrás del que observa el cuadro, y el otro proviene del atardecer.

Carlos V a Caballo en Mühlberg. Museo del Prado

Óleo sobre lienzo. En esta batalla Carlos V derrota a los príncipes de Flandes, por cuestiones religiosas entre otras cosas. De función propagandística, está a punto de cruzar el río Elba, haciendo referencia a la historia de Julio César. Nos recuerda a la escultura ecuestre de Marco Aurelio. Aparece Carlos V a caballo, sereno, tranquilo, como un emperador, sobre un caballo. Es un momento estático, teniendo un ritmo estático y una composición dinámica (colores, tipos de línea…). Este retrato es novedoso porque normalmente la representación de los reyes victoriosos suele pintar al rey con los enemigos derrotados y riquezas. Aquí se ve la victoria sin necesidad de ver a los enemigos o a las riquezas. Se ve lujo en la armadura. Hay gran cuidado de los detalles, paisaje en un prado, incide la luz en la armadura. Colores cálidos, rojos, ocres… El volumen se consigue con degradaciones del color (claroscuro), creando volumen.

Tintoretto

Originario de Venecia, entró muy tempranamente en el taller del ya incontestable Tiziano, aunque no por mucho tiempo. Más tarde sería autodidacta, siempre teniendo como referente a Tiziano y a Miguel Ángel. Artista apasionado y atrevido, sus mayores logros artísticos se cifran en el uso dramático de la luz y de las perspectivas. El color, el paisaje y la luz fueron su guía pictórica.

El Lavatorio. Museo del Prado

Se pensó para colocar en el lateral de un ábside, por lo que tiene cierta perspectiva. Es la escena del lavatorio de los pies, la escena previa a la Última Cena. Jesús se pone como si fuera un sirviente a lavar los pies de los apóstoles. Composición geométrica, con un punto de fuga. Composición abierta, tampoco es simétrica ya que hay que verla en diagonal. Hay escorzos increíblemente elaborados, hay escenas anecdóticas. El lugar es Venecia. Por la arquitectura, el agua… Fuera hay luz poco realista por la perspectiva aérea (como el sfumato de da Vinci). Paleta de colores venecianos. Función religiosa.

Paolo Veronese

Nacido y formado como pintor en Verona, en su temprana juventud se trasladó a Venecia, siendo una de las figuras más destacadas de la escuela veneciana. Sus obras más reconocibles son aquellas de estilo dramático y colorista, mostrando la suntuosidad arquitectónica veneciana. Son particularmente señeros sus pinturas de fiestas bíblicas repletas de figuras. Su estilo destaca por su gran paleta cromática, el esplendor de sus escenas y el aristocratismo de las figuras.

Las Bodas de Caná

Óleo sobre lienzo, mide 10 m de largo x 7 m de ancho. Está representada como una fiesta veneciana perteneciente a su época. Se ve lujo, colores, luz… (Venecia). Hay una gran paleta de colores (diferentes tonalidades de amarillo por el reflejo del sol, por ejemplo). Uno de los focos viene de la derecha y por atrás. Dividimos el cuadro en dos: el de la balaustrada para arriba y para abajo. Hay una gran cantidad de músicos renacentistas, típico de las cortes renacentistas o incluso medievales. Hay dinamismo, hay esplendor en las escenas (lujo). Hay arquitectura típica de Venecia, hay componente anecdótico (enano, perros, gente haciendo cosas raras…). Hay claroscuro (que crea el volumen), con perspectiva aérea.

Renacimiento en España

Contexto Histórico

El pensamiento humanista en Europa surgió en Italia y los Países Bajos, influenciando la España de los Reyes Católicos (1474-1516), donde la Iglesia y la nobleza fueron los principales promotores. Bajo el reinado de Carlos I (1516-1556), la influencia de Erasmo de Róterdam fue importante, pero con la Reforma protestante se adoptó una postura más ortodoxa católica, culminando en el Concilio de Trento (1545-1563) y la Contrarreforma de Felipe II.

El Renacimiento español comenzó a finales del siglo XV, con una introducción lenta de elementos renacentistas en el arte gótico, evolucionando hacia un estilo más clasicista e influenciado por el manierismo italiano a mediados del siglo XVI. El arte estuvo marcado por el poder de la Iglesia y el mecenazgo real, especialmente de Felipe II, quien patrocinó el proyecto de El Escorial. A lo largo del siglo, los artistas ganaron prestigio, pero su trabajo aún era visto como manual, lo que dificultó su ascenso social.

Arquitectura

Características Generales

1. En España, la arquitectura renacentista pasó por tres fases: primer tercio del siglo, segundo tercio del siglo y último tercio del siglo.
2. En el PRIMER TERCIO DEL SIGLO (plateresco) se dio una continuidad entre el gótico y el renacimiento, sin ruptura ni oposición.

• Así, se erigieron edificios estructuralmente góticos cuya decoración fue renacentista (grutescos, medallones, columnas).
• Esos elementos decorativos se encontrarán, sobre todo, en las fachadas, con una gran profusión y minuciosidad (plateresco).

3. En el SEGUNDO TERCIO DEL SIGLO se produjo un paulatino abandono de los códigos góticos y se pasó a un estilo purista, de plena adaptación al renacimiento. Ello llevó a:

• Una mayor sobriedad ornamental. Menos decorados y de mayor tamaño.
• Un creciente interés por las proporciones y la estructura arquitectónica, sustituyendo definitivamente el gótico por ya rasgos manieristas.

4. El ÚLTIMO TERCIO DEL SIGLO (herreriano) corresponde al reinado de Felipe II y es coincidente con el ambiente religioso desgajado del Concilio de Trento. Así pues, se alcanzó una gran austeridad ornamental, en consonancia con los gustos personales del rey. Los dos rasgos característicos son:

• Desaparición del elemento decorativo.
• Primacía absoluta de los elementos estructurales desnudos y las proporciones geométricas, coincidiendo con los planteamientos teóricos más clasicistas, como los de Vignola o Palladio.

Plateresco

Fachada de la Universidad de Salamanca

La decoración de la fachada se ubica entre dos grandes pilastras. Es una distribución similar a los retablos.

En el primer piso hay un medallón de los Reyes Católicos, en el segundo piso está el escudo imperial de Carlos V y a su lado el águila bicéfala imperial del Sacro Imperio y el águila de San Juan. También hay medallones. En el tercer piso hay un medio relieve de una figura religiosa. Todo esto está rematado con una crestería. La decoración se compone de medallones, grutescos, guirnaldas y decoración vegetal. Está construido en piedra tallada.

Purista

Machuca

Toledano, pero de formación italiana, quizá pudo ser discípulo de Miguel Ángel. Es uno de los máximos responsables del Renacimiento a la manera italiana en España.

Palacio de Carlos V, Granada

El Palacio de Carlos V en la Alhambra fue encargado por el emperador Carlos V y diseñado por Pedro Machuca. Se caracteriza por su planta cuadrada y centralizada, con un círculo inscrito en el patio. El edificio tiene dos partes diferenciadas en cuanto a estilo y decoración. En el exterior, la parte inferior presenta almohadillado y una sucesión de vanos, mientras que la parte superior muestra columnas jónicas y medallones, evocando un templo griego clásico. La fachada principal cuenta con columnas toscanas y un frontón triangular. En el interior, el diseño refleja la misma jerarquía de órdenes que en el exterior: columnas toscanas en la planta baja y jónicas en la superior. El techo del piso superior está decorado con un artesonado de casetones, mientras que el inferior tiene una bóveda. Además, la cubierta está rematada por una cornisa que sobresale, añadiendo un toque monumental al edificio.

Herreriano

Juan de Herrera

Arquitecto, matemático, geómetra, militar. Discípulo de Juan Bautista de Toledo. Es uno de los máximos exponentes del Renacimiento en España. Su estilo es sobrio, severo, austero, tremendamente representativo del reinado de Felipe II.

Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

Es un edificio que se ubica en San Lorenzo de El Escorial. Se usa de palacio, panteón, escuela, basílica y monasterio. Es de planta rectangular que respeta las características de un triángulo isósceles, es el edificio más geométricamente perfecto. En su eje central se encuentra la fachada principal que da entrada al patio de los reyes, y se pasa a la basílica. La basílica es de planta centralizada de cruz griega donde el transepto no sobresale, en el crucero hay una cúpula. La decoración es sobria sin casi decoración dando protagonismo a la geometría. La estructura recuerda a una parrilla invertida recordando al martirio de San Lorenzo. La repetición sobria se rompe en la fachada, que recuerda a un templo griego, con columnas toscanas con fuste liso, con triglifos. En la parte superior recuerda a un templo griego con columnas de orden jónico. En la transición entre los dos pisos hay alerones. La única decoración son pirámides con bolas de granito. En las cuatro esquinas hay cuatro torres rematadas en chapiteles.

Escultura

Características Generales

1. Predominio del realismo expresivo: la preocupación por la expresividad es mayor que por la belleza formal y las proporciones correctas.
2. Predominio de temas religiosos con temas dramáticos y trágicos (Contrarreforma). Escultura procesional.
3. El material principal fue la madera policromada. La piedra se utiliza para retablos y sepulcros.

Alonso Berruguete

Hijo del pintor Pedro Berruguete, realizó su formación pictórica y escultórica en Italia, junto a los grandes (Bramante, Rafael, Miguel Ángel…). El descubrimiento del Laocoonte lo influyó mucho. Su obra manifiesta su fuerte carácter, con imágenes alargadas de gran dramatismo y espiritualidad.

Retablo de San Benito. Valladolid

La obra, hecha de madera policromada mediante talla, representa el sacrificio de Isaac y el martirio de San Sebastián, con un fuerte enfoque en el dramatismo. El canon utilizado es el de 10 cabezas, lo que resulta en figuras alargadas y una musculatura exagerada para enfatizar la expresividad y el impacto visual. Se observa la serpentinata, que otorga dinamismo y dramatismo a las figuras. La luz proviene del dorado, y el desnudo se inspira en el estilo de Miguel Ángel, buscando resaltar la definición muscular y la tensión emocional. San Sebastián se muestra retorciéndose, aumentando la intensidad de la escena. Esta obra se puede considerar prebarroca, destacando por su dramatismo y expresividad.

Juan de Juni

Originario de Borgoña, sus más de treinta años en Valladolid le llevaron a ser uno de los máximos exponentes de la escultura castellana. Su obra, tallada en madera y pintada con excelente policromía, representa figuras musculosas y monumentales, en posturas manieristas, con gestos forzados, y expresión apasionada y angustiosa, incluso exagerada.

El Entierro de Cristo, Valladolid

Aparecen varias figuras. Nicodemo, con gesto de dolor, sostiene en su mano derecha el paño con la sangre de Cristo. A su lado se encuentra María Magdalena con su mano derecha tocando el pie de Cristo y su mano izquierda con bálsamos. La Virgen María se encuentra en el centro con mucho dramatismo, siendo consolada por San Juan. Al otro lado se encuentra otra figura femenina con la corona de espinas en su brazo. José de Arimatea mira al espectador mientras sostiene una espina de la corona de espinas. La acción de mirar al espectador dota de otro personaje a la obra: el propio espectador. Cristo se encuentra yacente con las heridas, tiene inspiración en las figuras de Miguel Ángel. La sangre de su costado dota a la escena de dramatismo. El color que más destaca es el dorado que se emplea para destacar la luz, o el azul de la virgen. La función es religiosa.

Pintura

Características Generales

1. Como en la escultura, predomina el realismo expresivo: la preocupación por la expresividad es mayor que por la belleza formal y las proporciones correctas. El fin principal era la devoción piadosa.
2. Hay dos grandes etapas:

• Primera mitad del s. XVI: clara influencia renacentista italiana.
• Segunda mitad del s. XVI: influencia manierista italiana.

Pedro Berruguete

Castellano, probablemente viajó a Italia de muy joven, lo que le permitió estar en contacto con los principales artistas del Quattrocento.

Es el pintor que mejor representa la transición del gótico al Renacimiento italiano en España, pues a pesar de su formación, retiene elementos flamencos.

La Prueba de Fuego (Santo Domingo y los Albigenses). Museo del Prado

Es un óleo sobre tabla. Fue pintada a principios del s. XVI. La escena muestra que el libro de un santo supera la prueba de quemarlo mientras que el de los herejes no sobrevive. El volumen de los cuerpos está muy conseguido. Los colores son de un marcado carácter gótico. Es un cuadro que mezcla el Renacimiento (el empleo del claroscuro o en el gusto por la arquitectura) con el gótico.

Juan de Juanes

Hijo de Vicente Masip, pintor valenciano de corte rafaelista. De formación española, Juan de Juanes es fundamental para la absorción del rafaelismo y destaca como creador de devotos tipos iconográficos: Sagradas Familias, Virgen con el Niño, Inmaculadas…

La Última Cena. Museo del Prado

Es un óleo sobre lienzo que representa el momento de la Eucaristía, inspirado en La Última Cena de Da Vinci. La obra es menos dramática, con escorzo y una composición simétrica en forma de triángulos. El eje de simetría está en Jesús, y el punto de fuga converge en él. Los colores son equilibrados y la luz proviene de frente, creando un efecto irreal. El fondo tiene perspectiva aérea, aportando profundidad a la escena.

Luis de Morales

Extremeño que desarrolló su pintura con cierto aislamiento. Su dedicación a los temas sacros y a la magnífica calidad y refinamiento de sus obras le llevó a ser apodado el Divino. Sus figuras son alargadas y utiliza el sfumato leonardesco.

Virgen con el Niño. Museo del Prado

La obra destaca por un cariño mutuo en la interacción de las figuras, siendo una excepción al óleo sobre tabla. Esta representación, aunque moderna en su contexto, es un tema recurrente a lo largo de la historia del arte. Además, la obra hace uso del claroscuro y del sfumato, una técnica de difuminado característica de Leonardo da Vinci, que se aprecia especialmente en el velo, similar al tratamiento en la Mona Lisa. La obra también presenta escorzo y una ligera elongación de las figuras, un rasgo distintivo del Manierismo. El fondo es mínimo, y se juega con las luces de manera muy innovadora y original para su época en España.

Doménikos Theotokopoulos

Comúnmente llamado El Greco. Nació en Grecia, más exactamente en Creta, que pertenece a Venecia. El estilo de Creta es similar al bizantino. El Greco recibe esa influencia sobre todo en lo simbólico del arte bizantino y la espiritualidad. Las figuras son un tanto irreales porque está más preocupado de lo simbólico. A finales de la década de los 60 del s. XVI se va a estudiar a Venecia, aprenderá de Tintoretto y Tiziano. De Tiziano se quedará con los juegos de luces y con la paleta de colores, y de Tintoretto se queda con los contrastes de colores. En la década siguiente se va a Roma donde estudiará a Miguel Ángel y al Manierismo, de los que recibirá la corporeidad de Miguel Ángel y las proporciones alargadas del Manierismo. Hacia finales de la década se va a España como otros muchos artistas. Llega a Toledo donde hará dos cuadros: una Trinidad y un cuadro conocido como El Expolio, obras que le servirán para abrirse paso en España. Felipe II le probará, pintará la Adoración del Nombre de Jesús y el Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana. A Felipe II no le gustaron porque tras el Concilio de Trento los cuadros tenían que tener función didáctica, y sus cuadros no la tienen. A El Greco en España le define la falta de profundidad, le interesan los detalles técnicos como los escorzos, las posturas forzadas, las líneas serpentinatas, las figuras alargadas o distorsionadas, los fuertes contrastes cromáticos. Emplea dos pinceladas distintas: para los detalles emplea pinceladas minuciosas para lo terrenal y sueltas para lo celestial, el tratamiento arbitrario de la luz. En su vejez, El Greco desarrolla un estilo muy personal, importando más lo que transmite que lo que muestra.

Adoración del Nombre de Jesús o Alegoría de la Liga Santa o Sueño de Felipe II. Galería de Colecciones Reales

La obra es un óleo sobre lienzo que se caracteriza por su estructura dividida en dos partes: la celestial y la terrenal. En la parte terrenal, se representan figuras contemporáneas a El Greco, como Felipe II, el Papa y el Dux de Venecia. Estas tres figuras tienen en común su pertenencia a la Liga Santa, una alianza cristiana que luchó contra los otomanos en la Batalla de Lepanto. Las figuras aparecen en la escena después de la victoria, en una posición de adoración hacia Dios. A su lado, se representa un monstruo que devora a las personas condenadas al infierno, lo que refuerza la visión del castigo eterno. En la parte celestial, los ángeles adoran a Dios, quien está representado como una fuente de luz divina. La composición de la obra enfatiza la distinción entre el mundo terrenal y el celestial, reflejando la intervención divina en la historia.

El Entierro del Conde de Orgaz. Toledo

Estamos ante un óleo sobre lienzo de gran tamaño, ubicado en la iglesia de Santo Tomé de Toledo. Pertenece a la segunda etapa española de El Greco, cuando se instala en Toledo y realiza varias obras religiosas, entre ellas El Entierro del Conde de Orgaz. El cuadro se divide claramente en dos partes: el mundo terrenal (inferior) y el mundo celestial (superior). El nexo de unión entre ambos planos es el alma del Conde de Orgaz, que un ángel sostiene en brazos para llevarla al cielo. En el nivel celestial, la figura central es Jesucristo, rodeado de una mandorla en forma de rombo que simboliza la gloria del cielo e irradia luz sobre el resto de personajes. A su derecha está la Virgen María y a su izquierda San Juan Bautista. También aparecen otros santos, ángeles, profetas y miembros de la Iglesia Triunfante. En el mundo terrenal, en la parte inferior, se representa el entierro del Conde de Orgaz, presidido por San Agustín y San Esteban. A su alrededor, aparecen numerosos personajes contemporáneos de El Greco, reconocibles por su vestimenta de la época. A la izquierda, fuera de la acción principal, se encuentra un niño que es el hijo del propio El Greco, señalándolo de forma sutil. La composición es simétrica, articulada por un eje que une la figura de Cristo, el alma y el cuerpo del Conde. Los colores en la zona celestial son vivos y brillantes, de influencia veneciana, mientras que en la parte terrenal predominan tonos más cálidos y sobrios. La luz es irreal, creando efectos de claroscuro, y destaca el gusto por la pincelada suelta y el detallismo, especialmente en la parte superior. Su función es religiosa y conmemorativa.

Vista de Toledo, El Greco

Sigue la línea abierta de Giorgione, innova haciendo paisajes, haciéndolo muy revolucionario. Está presente esa espiritualidad, en el cielo, en la ciudad… La luz es irreal. Hay claroscuros, y el espacio en general a El Greco en todas las obras lo descuida algo más, busca más la espiritualidad.

El Barroco en Europa

Contexto Histórico

El siglo XVII en Europa fue una época de crisis generalizada que se reflejó en diversos ámbitos. En la economía, la depresión causada por malas cosechas afectó a gran parte de Europa, aunque Inglaterra y Holanda lograron prosperar gracias a su comercio a larga distancia. La demografía sufrió un notable descenso debido a epidemias, guerras y la crisis económica. A nivel social, las dificultades generaron descontento y conflictos, mientras que la política estuvo marcada por la confrontación entre las monarquías absolutas y las aspiraciones imperiales de los Habsburgo, culminando en la Guerra de los Treinta Años (1618-1648), que dejó a Francia como la nueva potencia hegemónica. En el ámbito religioso, la escisión entre católicos y protestantes generó una guerra de propaganda religiosa tras el Concilio de Trento (1545-1563).

El arte barroco surgió como respuesta a esta crisis y se caracterizó por su dramatismo y teatralidad, empleándose como una herramienta de exaltación del poder de la Iglesia y las monarquías absolutas. Su objetivo era provocar admiración y asegurar la obediencia de la población, utilizando recursos emocionales para reforzar los valores establecidos. El término”barroc” fue inicialmente utilizado de forma peyorativa para describir lo deforme y extravagante, pero con el tiempo se asoció a un estilo artístico que perduró hasta el siglo XVIII.

Arquitectura

Características

Idea: romper con el equilibrio clásico para liberar el movimiento. Consecuencias:

1. Abandono de toda geometría clásica de líneas rectas por curvas con la introducción de elementos arquitectónicos que van a potenciar ese dinamismo: las columnas salomónicas, los frontones partidos, las cornisas curvas, etc.
2. Hiper abundancia de elementos decorativos.
3. Introducción de plantas elípticas y ovales, así como de fachadas cóncavas y convexas.
4. Abandono, por tanto, de las superficies planas por otras ondulantes, con el espíritu de propiciar numerosos puntos de vista.
5. Gran importancia de la luz y de sus juegos de luces y sombras.
6. Variedad de materiales (piedra, ladrillo…). En el interior: mármoles de colores (teatralidad, suntuosidad).
7. Cubiertas variadas: se multiplican las cúpulas y aparecen nuevas bóvedas (ovales).
8. Artes simbióticas y complementarias: la escultura y la pintura se complementan de tal modo que apenas se distingue.

Italia

La Iglesia de Il Gesù en Roma se convirtió en un modelo para muchas iglesias barrocas del siglo XVII debido a su capacidad para resolver de manera innovadora dos objetivos fundamentales del diseño religioso de la época. Primero, combinaba el esquema longitudinal de la nave (necesario para la función litúrgica y simbólica del templo) con el esquema centralizado de la cúpula, creando un espacio que a la vez servía para el culto y favorecía la sensación de centralidad y grandiosidad. Segundo, anticipaba el ideal barroco de fachada, caracterizada por dos cuerpos, aletones y un frontón, que no solo reflejaba la disposición interior, sino que estaba concebida como un organismo autónomo cuyo propósito era proyectar una imagen atrayente de la iglesia hacia la ciudad, elevando la presencia del templo en el entorno urbano.

Este enfoque arquitectónico representaba una fusión entre las necesidades funcionales del espacio litúrgico y el nuevo lenguaje visual barroco que buscaba impactar y cautivar a los fieles y la sociedad en general.

Carlo Maderno

De familia de canteros y arquitectos, fue el arquitecto más importante de los inicios del barroco romano. Bajo el pontificado de Paulo V, ganó el concurso para la conclusión de San Pedro del Vaticano.

Fachada de San Pedro del Vaticano, Roma

La construcción de la fachada de San Pedro se realizó mediante un concurso que ganó Carlo Maderno, quien modificó el proyecto original de planta centralizada de Miguel Ángel, añadiendo una nave longitudinal y derribando la fachada anterior. El resultado es una fachada de forma rectangular, con una marcada horizontalidad, dividida en dos pisos por un friso con inscripción romana. En el nivel inferior se encuentran ocho columnas adosadas y cuatro pilastras, todas de orden corintio, acompañadas de tres puertas principales adinteladas, encima de las cuales hay una sucesión de vanos coronados por frontones triangulares y semicirculares. Todo el conjunto está rematado por un gran frontón triangular. En el piso superior, de diferente material, se sitúan dos campanarios rematados cada uno con un reloj y una nueva sucesión de vanos. Sobre este nivel se disponen esculturas exentas de bulto redondo, que rompen con la sobria armonía clásica. En conjunto, la fachada de Maderno rompe con la visión de la cúpula de Miguel Ángel, ocultándola parcialmente y alterando el efecto previsto originalmente.

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

Nacido en Nápoles y de familia de artistas, pronto se trasladó a Roma, recibiendo encargos de Paulo V y de la familia Borghese. Pintor, escultor y arquitecto, quedó consagrado como uno de los grandes artistas ya desde su juventud. Su fama se extendió por toda Europa y fue considerado digno sucesor de Miguel Ángel. Es el máximo representante de la escultura barroca, cuya influencia es omnipresente en Europa; pero también fue un arquitecto de enorme relevancia.

Plaza de San Pedro del Vaticano, Roma

La plaza tiene planta elíptica, con un trapecio en uno de sus lados, y sus brazos simbolizan a la Iglesia abrazando a sus fieles. Estos brazos están formados por una sucesión de columnas toscanas (columnatas) que sostienen un entablamento de orden jónico, sobre el cual se apoya una balaustrada decorada con estatuas de santos realizadas por el propio Bernini. La composición, de grandes dimensiones, refleja una marcada influencia teatral por su efecto escénico y envolvente. En el centro de la plaza se sitúa un obelisco, flanqueado por dos fuentes, que refuerzan la simetría y el equilibrio del conjunto.

Borromini

Considerado uno de los máximos exponentes de la arquitectura barroca, Borromini fue un original renovador de las formas y del espacio (que para él era algo concreto, unitario, que se puede modelar como se modela una escultura). Su difícil carácter y la gran sombra de Bernini, con quien rivalizaba, le granjearon pocos encargos de gran envergadura.

San Carlos de las Cuatro Fuentes, Roma

La iglesia es de planta elíptica y su elemento más importante es la fachada, que se divide en dos niveles. En el nivel inferior se encuentran tres calles, con una puerta adintelada en el centro y hornacinas a los lados. La fachada es curvilínea, con una sucesión de formas cóncavas y convexas que le otorgan un marcado carácter barroco. Las columnas, de gran tamaño, son de orden compuesto. En el nivel superior también aparecen hornacinas y grutescos, decoraciones que combinan figuras humanas y animales. El escudo que corona la fachada quedó inacabado debido a la falta de financiación durante la construcción. La incidencia de la luz es un elemento esencial, ya que, gracias al relieve curvilíneo de la fachada, crea efectos de luces y sombras que enriquecen su dinamismo visual.

Francia

Un rasgo de la arquitectura barroca francesa fue su carácter cortesano, pues sus principales realizaciones fueron sobre todo construcciones civiles de tipo residencial, encargadas por los reyes o nobles afines. El palacio se convirtió en el símbolo del poder absoluto de la monarquía francesa, si bien habían proliferado anteriormente la mansión campestre (château) y la casa de la ciudad (hôtel). El barroco francés se diferenció del italiano en que rehuyó las formas audaces y los excesos de este, en aras de un estilo más contenido y equilibrado, al que se tiende a denominar clasicismo, en especial a partir del reinado de Luis XIV. En gran medida, a ello contribuyeron las Academias Reales de reciente creación, que además de ser centros de formación de artistas, determinaban lo que era el buen gusto y el arte correcto.

Palacio de Versalles

El Palacio de Versalles sufrió varias modificaciones a lo largo de su construcción. En la primera, Le Vau diseñó la forma de U del edificio, donde destaca una sucesión de ventanas, muros exteriores decorados con almohadillado, ligeras ondulaciones y columnas de orden jónico, siguiendo un estilo renacentista que recuerda al Monasterio de El Escorial. En la segunda modificación, Le Nôtre fue el encargado de diseñar los jardines, creando el modelo de jardín francés basado en el dominio racional y geométrico de la naturaleza. La tercera modificación la llevó a cabo Mansart, quien añadió las alas laterales, reforzando la horizontalidad del conjunto y construyendo la famosa Galería de los Espejos, decorada con numerosos espejos que reflejan la luz y realzan el dorado de las lujosas ornamentaciones. El Palacio de Versalles, símbolo del poder absoluto francés, albergaba a miles de sirvientes y consumía enormes recursos, siendo también en su corte donde surgió la literatura erótica ligada al ambiente libertino de la nobleza.

Escultura

Características Generales

La escultura experimentó en el Barroco transformaciones importantes respecto al Renacimiento, aunque algunas de ellas tenían claros antecedentes en el Manierismo. Pero frente a la artificiosidad y el carácter intelectual de este último, la escultura barroca proponía en general un mensaje más claro y directo. Como rasgos esenciales, se pueden señalar los siguientes:

• La obra se concebía en función del marco arquitectónico o urbano al que iba destinada.
• Predominan las escenas en movimiento, detenidas en el momento de máxima acción.
• Los gestos y las actitudes son teatrales y de gran expresividad.
• Las superficies presentan acusados entrantes y salientes, que producen fuertes contrastes de luces y sombras, con lo que se acentúa el dramatismo.
• Su objetivo era conmover emocionalmente al espectador.

Bernini

David, Roma

Escultura de bulto redondo, hecha en mármol mediante la talla. Representa a David derrotando a Goliat… Representa el modelo de David atlético, juvenil, está menos idealizado. Composición con líneas diagonales, de bulto redondo, con contrapposto. La escultura te llama a dar la vuelta, serpentinata. Llama la atención el retorcimiento, el kairós (movimiento pleno justo antes de lo trascendental). También está haciendo un esfuerzo por la boca, con el ceño fruncido. La luz es importante, la colocación del cuerpo le hace crear claroscuros. Tiene la pierna izquierda rebasada y se apoya sobre la derecha. La expresión corporal nos recuerda al Discóbolo de Mirón, tiene mucho realismo. Función religiosa.

Apolo y Dafne, Roma

Dinamismo, teatralidad y dramatismo, diagonales, diferentes texturas. Es un ritmo dinámico con las diagonales haciendo mucho movimiento. Bernini ha escogido el momento justo en el que se está convirtiendo en laurel. Dafne se retuerce. Bernini utilizará la técnica del trepanado (para crear rugosidad). La luz es importante ya que favorece la aparición de claroscuros. Hay gran expresividad. Es necesario dar la vuelta y verla en su totalidad. Tiene contrapposto, bulto redondo, serpentinata…

Éxtasis de Santa Teresa, Roma

Bernini se basa en la autobiografía de Santa Teresa de Jesús, que su confesor le pidió por favor que lo escribiera. Es el momento del éxtasis, cuando está en el cielo y un ángel le clava una flecha solo para que se haga a la idea de lo que se siente al estar con Dios en el cielo. A diferencia de las anteriores, Bernini diseña toda la capilla, todo el espacio donde va a ser representada la escultura. Es una de las máximas escenografías barrocas (mezcla escultórica y arquitectónica). Se utiliza el mármol y el bronce para hacerlo, contiene diferentes texturas el mármol (pulido, rugoso), predominan las superficies rugosas, recovecos, generando más claroscuros y por lo tanto haciéndolo más teatral. La composición es mediante diagonales, los rayos no son verticales tampoco. La santa parece que está levitando sobre una nube, creando dramatismo e inestabilidad, movimiento dinámico. La expresión: la mujer está en éxtasis… Función religiosa.

Pintura

Características Generales de la Pintura

La pintura barroca tuvo su origen también en Italia, ya a finales del siglo XVI, y aunque dentro de ella surgieron diversas tendencias, todas compartieron algunas características generales:

• El realismo: el Barroco volvió su mirada hacia la realidad y la naturaleza.
• El predominio del color sobre el dibujo. Lo sensible vs. lo inteligible.
• El papel fundamental de la luz. Efecto teatral, sobreiluminando unas partes y sumiendo otras en la oscuridad, aumentando la tensión dramática.
• La visión en profundidad: en la pintura barroca se prefirió disponer las figuras no en planos, sino en zonas que se extienden de forma continua hacia el fondo.
• Escenas dotadas de gran movimiento, como en la escultura.
• Figuras con gestos y actitudes teatrales de gran expresividad.
• Composiciones muy variadas y abiertas. Se prefieren las composiciones en diagonal o en aspa, que tienden a desbordar el marco y a prolongarse fuera de este, rompiendo así con la tradicional separación entre el espacio ficticio de la pintura y el espacio real.

Pintura Italiana

Naturalismo/Clasicismo

Naturalismo: el principal representante será Caravaggio. Busca el naturalismo porque no idealiza, las muestra tal y como eran…

Clasicismo: incorpora elementos del barroco, manierismo… Continuará la línea de la pintura renacentista. Es un arte más agradable, menos arriesgado, de forma más clásica.

Michelangelo Merisi da Caravaggio

Pintor revolucionario considerado el padre de la pintura moderna. Genio incomprendido, aclamado, denostado, reclamado, perseguido, violento, pendenciero, sanguinario… El estilo de Caravaggio, que principalmente pintó pinturas religiosas, es naturalista, pues además de una detallada representación anatómica, se valía de un uso dramático del claroscuro (tenebrismo). Su pintura causaba escándalo porque no idealiza los personajes retratados, utilizando como modelos tipos vulgares de los bajos fondos (prostitutas, mendigos…).

La Vocación de San Mateo, Roma

Es un óleo sobre lienzo. Es del periodo barroco, de la escuela o corriente realista. Es el momento en el que Jesús escoge a Mateo como apóstol. La luz viene de encima de Jesús, señala a Mateo, pero no de forma directa, simulando la mano de la Capilla Sixtina. La luz efectista o dramática, haciéndolo teatral. Jesús está acompañado por San Pedro, ambos visten de forma contemporánea, a diferencia de la gente sentada en la mesa que llevan vestimenta acorde al año de Caravaggio. Representa la actualidad de ese milagro. Los gestos de las personas dotan a la obra de dramatismo. El tenebrismo se obtiene mediante los claroscuros. Las diagonales dotan a la obra de dinamismo. La profundidad del cuadro es una de las cualidades del barroco.

La Muerte de la Virgen, Louvre

La escena que representa pertenece a un evangelio apócrifo, fue rechazada y generó una animadversión hacia Caravaggio. Es un óleo sobre lienzo. Caravaggio la representa sin idealización, representándola yacente en un estado de descomposición, siendo esto la raíz de la polémica. Se diferencian dos partes: la superior es de donde procede un rayo de luz que ilumina la escena, pero también hay una cortina roja que hace centrar la atención en la escena alrededor del cuerpo de la virgen que se encuentra en la parte inferior del cuadro. La expresividad de María Magdalena, que se encuentra en escorzo, o la de las figuras masculinas que están en el fondo dotan al cuadro de un dramatismo. Los colores son cálidos y apagados. La función es religiosa.

Carracci

Boloñés de familia de pintores, es el máximo exponente de la corriente clasicista. Carracci pretendía liderar una renovación de la pintura, que entendía que había degenerado durante el Manierismo, y amenazada por el estilo de Caravaggio. Su estilo bebe del dibujo lineal rafaelesco y de la riqueza cromática veneciana (Tiziano), aunque más matizada y con efectos atmosféricos.

Triunfo de Baco y Ariadna. Roma

Representa un tema mitológico muy colorido y alegre. Los colores son venecianos, tiene inspiración de Miguel Ángel. La obra tiene gran dinamismo, la composición es abierta, hay un eje de simetría en el centro. La luz presente en el cuadro es omnipresente y un poco falsa debido a que todas las figuras están iluminadas.

Gentileschi

Hija del aclamado pintor de estilo caravaggista, es considerada como una de las grandes pintoras del Barroco. Algunos historiadores del arte califican su estilo como de caravaggismo violento. Su pintura está poblada de figuras femeninas representadas de manera directa, naturalista, y en ocasiones protagonistas de gran violencia.

Judith Decapitando a Holofernes. Galería Uffizi

Representa la escena de la decapitación de Holofernes por Judith. Sigue las técnicas de Caravaggio como el tenebrismo o el dramatismo. Representa la figura de la mujer fuerte. Hay tres colores, colores venecianos.

Pintura Flamenca

Los Países Bajos quedaron divididos en dos entidades políticas separadas a causa de los enfrentamientos religiosos entre católicos y protestantes.

Las provincias del norte se sublevaron contra Felipe II, encabezadas por Holanda, y se independizaron de facto de España, aunque no oficialmente hasta 1648. La actual Bélgica (Flandes, especialmente) permaneció unida a la corona española y a la Iglesia, por lo que predominaron los ideales de la Contrarreforma, destacando la temática religiosa, pero también la pintura profana para la decoración de interiores privados.

Clara Peeters

Pintora flamenca especializada en la pintura de bodegones (naturaleza muerta). Popularizó el autorretrato escondido en objetos.

Bodegón con Pescado, Vela, Alcachofas, Cangrejos y Gambas, Museo del Prado

Óleo sobre lienzo. Es la primera vez que vemos una pintura solo de objetos. Te permite un mayor detallismo, al estar todo quieto. Será muy popular este género (bodegón) en España, lo utilizaban los artistas para practicar detallismo. Ella se autorretrata en un reflejo de algún objeto. Función decorativa.

Pedro Pablo Rubens (1577-1640)

Uno de los máximos exponentes de la pintura barroca. De escuela flamenca, en su pintura, de estilo personalísimo, se aprecian las influencias de la Antigüedad clásica, la pintura renacentista (Leonardo, Miguel Ángel) y, especialmente, de Tiziano. Pintor favorito de Felipe IV, Rubens tuvo una producción inmensa con variedad de temas: mitológicos, históricos, religiosos, de caza, paisajes… Su estilo se caracteriza por las composiciones abiertas, con predominio de esquemas en diagonal; escenas de gran vitalidad y dinamismo, figuras opulentas y vigorosas, primacía del color, con pincelada de factura suelta y luz ambiental que difumina las formas y envuelve las escenas.

La Adoración de los Reyes Magos, Museo del Prado

Es un óleo sobre lienzo. Hay varios focos, aunque el principal es el niño Jesús. En total hay tres. Hay mucho detalle, como por ejemplo las uvas que hay arriba a la derecha (Representa el vino/sangre de Cristo). Tiene característico de Venecia el lujo, reflejado en los ropajes. Influenciado por Miguel Ángel, por ejemplo, en la musculatura de los pajes. Hay escorzos, como por ejemplo en el caballo de la derecha. Hay diagonales, composición abierta…

Las Tres Gracias, Museo del Prado

Óleo sobre tabla, trata un tema mitológico (griego). Danzan circularmente, con un paisaje de fondo parecido a un prado. Predominan las líneas verticales, con contrapposto, serpentinata muy marcada. Se han desnudado, tienen ropajes entrelazados alrededor, muestra lujo por la cantidad de joyas en los recogidos (pelo). Las luces son vivas y brillantes, la luz es omnipresente, pero con claroscuros dándole mucho volumen. La pincelada es muy suelta, muy rápida, la hace simple. Es una obra recreativa (la ves por gusto) o decorativa.

El Jardín del Amor, Museo del Prado

A la izquierda aparece Rubens con su segunda mujer en lo que parece una fiesta (su casamiento). Esto será la antesala a un tipo de género (fiestas galantes). No es novedoso, pero se aprecia que es la previa. Predominan las líneas diagonales…

Pintura Holandesa

Holanda vivió en esta centuria un periodo de gran prosperidad económica, basada en un activo comercio de larga distancia. Fruto de lo cual, emerge una poderosa burguesía protestante que constituyó la principal clientela del mercado artístico. El rechazo protestante por las imágenes religiosas explica las, en general, pequeñas dimensiones de las obras y el predominio de los retratos, escenas costumbristas, paisajes, animales y bodegones.

Rembrandt

Es considerado el artista más importante de la pintura holandesa y uno de los maestros del Barroco. Sus temas predilectos fueron los retratos, el paisaje y la pintura narrativa. Su estilo se caracteriza por ofrecer una visión subjetiva y espiritual de la realidad (tratando de captar la interioridad del alma humana), el tratamiento tenebrista de la luz (suave transición), la pincelada suelta, las composiciones simples y las figuras hacia el fondo.

La Lección de Anatomía del Dr. Tulp, Mauritshuis

Es un retrato grupal, que representa a un cirujano con sus estudiantes. Es una escena sin trascendencia. El grupo respeta la jerarquía, todas las figuras son visibles. Es más importante la lección de anatomía que el retrato. Todas las figuras tienen su tratamiento psicológico. La composición es abierta con una disposición triangular. Hay una diagonal que parte desde el libro de la esquina inferior, hacia el fondo. La luz aparece desde la izquierda, pero en general es un poco artificial. Este cuadro bebe de Caravaggio por lo tenebrista, pero no es tenebrista. Existe una atmósfera dominada por el claroscuro. La función es decorativa o conmemorativa.

La Ronda de Noche, Rijksmuseum

Óleo sobre lienzo, es un retrato colectivo. Están patrullando de noche el de blanco y el de negro. Hay una composición aparentemente desordenada, hay como cuatro planos de profundidad (Creando volumen). Predominio de claroscuro e inspirado por el tenebrismo. Hay varios focos de luz, como el de la niña, siendo irreal. Hay un claro gusto por los detalles y teniendo numerosos escorzos.

Pintura Francesa

El siglo XVII es el siglo en que Francia se convierte en la potencia hegemónica en Europa (Paz de Westfalia) a manos del rey Luis XIV. La pintura francesa es ampliamente legataria de la italiana. Hay caravaggistas (Georges de La Tour), pero los grandes maestros son Nicolas Poussin y Claude Lorrain, ambos residentes en Roma.

Watteau

Pintor francés del último periodo barroco y comienzos del Rococó. Popularizó un género nuevo: las fêtes galantes (fiestas galantes), donde la vida cortesana busca artificialmente un contacto con la naturaleza. Su pintura se caracteriza por lo armónico de sus composiciones, la belleza del colorido, la captación de la naturaleza, los gestos anecdóticos, contemplativos, ausentes de los representados… Dotando a sus obras de cierta melancolía.

Peregrinación a la Isla de Citera, Museo del Louvre

Óleo sobre lienzo. Lo novedoso de este cuadro es su género, el de fiesta galante.

Vigée Lebrun

Fue la pintora más célebre del siglo XVIII. Prontamente prodigio, su pintura sobresale por la calidad de los retratos. La Revolución truncó su carrera artística en Francia, pero no en el resto de Europa. Fue una de las artistas femeninas más valoradas de su época, y de las más denostadas, sobre todo por ser autora de algunas de las más grandes obras pictóricas de propaganda política del siglo XVIII al servicio de una idealizada María Antonieta.

Retrato de María Antonieta con Vestido de Muselina Blanco

María Antonieta es la esposa de Luis XVI. Esta pintura solo podría haberla pintado una mujer. Porque requiere mucho atrevimiento, para la época es super revolucionario representar a la reina de Francia. Tiene un par de elementos el vestido que no tiene: el corsé (las mujeres se lo ponen siempre a excepción de cuando están con otras mujeres o cuando se van a la cama). También tiene un vestido blanco, que podría transparentar… Lo novedoso de todo esto es tener el coraje de pintarla así, con esa ropa y en ese momento (No es tanto el quién, como el cómo). Colores vivos, cálidos, falta fondo, con escorzo…