Obra y biografía de Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky, figura destacada del arte abstracto, nació en Moscú en 1866 y falleció en Francia en 1944. Compaginó sus estudios con el dibujo y la pintura. Con 30 años abandonó su carrera como docente para estudiar pintura en Múnich. Asistió a las clases de Franz von Stuck y allí conoció a Paul Klee. Realizó viajes por Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, entrando en contacto con el postimpresionismo, el Jugendstil alemán, el fauvismo y el cubismo.

La influencia del color fauvista se percibe en los paisajes alpinos que pinta en Murnau entre 1908 y 1909. La representación del objeto en sus pinturas era secundaria: la belleza reside en la riqueza cromática y en la simplificación formal. Casas de Murnau, Calle de Murnau y La montaña azul son pinturas realizadas con grandes manchas de color intenso, en las que los elementos van desapareciendo progresivamente. Este descubrimiento culmina con la conquista de la abstracción en una acuarela de 1910.

Composición IV (1910) muestra figuras simplificadas, color arbitrario y un espacio confuso; es imposible distinguir el tema sin referencia. Kandinsky fundó la Asociación de Artistas de Múnich (Neue Künstlervereinigung München, N.K.V.M.). El despojamiento progresivo de la representación no fue bien aceptado en la N.K.V.M., por lo que Kandinsky y Franz Marc se retiraron de la asociación y sentaron las bases del grupo Der Blaue Reiter. Organizaron diversas exposiciones en Berlín y Múnich, y Kandinsky escribió De lo espiritual en el arte y el almanaque de Der Blaue Reiter.

En De lo espiritual en el arte habla de una nueva época de gran espiritualidad y establece pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y color. Pinta numerosas obras que pueden agruparse en tres categorías diferentes:

• Impresiones: Inspiradas en la naturaleza y dirigidas hacia la realidad exterior. Los subtítulos que llevan son la clave para interpretarlas. En Impresión VI las formas y los colores tienden a desvincularse.
• Improvisaciones: Expresión de emociones interiores. Son espontáneas, de carácter espiritual, y no reproducen nada material; suponen una ruptura con las formas. Constituyen un antecedente del expresionismo abstracto o de la pintura informal; se desarrollaron en 1945. En Improvisación soñada no existe un soporte estructural claro: concibe la realidad con imágenes parciales y débiles y no con objetos definidos.
• Composiciones: Aúnan lo intuitivo con el rigor compositivo. Son construcciones calculadas, con líneas y colores trazados instintivamente. Composición VII —la tela más famosa y más grande— es un armónico conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas simples. Tienen la finalidad de establecer un idioma simbólico entre formas y colores.

Al primer grupo pertenecen sus realizaciones datadas hasta 1910; al segundo, las abstracciones expresionistas de 1910–1921; y al tercero, las abstracciones constructivas posteriores a 1921.

Tras el estallido de la Primera Guerra Mundial, vuelve a Moscú y ocupa un cargo en la administración artística y cultural, participando en la creación de museos y en programas de enseñanza por toda Rusia. Surge su segundo tratado importante, Punto y línea en el plano (1925). Durante estos años su obra se disciplina: al color se añade la geometría y la interacción de la forma. Su pintura se beneficia de múltiples tendencias y experimenta una transición hacia una mayor estructuración; este periodo se denominó el período arquitectural de su pintura, con trazos circulares y concéntricos.

En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, se instala en París. Continúa la búsqueda de formas inventadas, que plasma mediante combinaciones cromáticas complejas, inspirándose en signos geométricos y motivos eslavos. Más tarde se aleja de la geometría y opta por formas orgánicas y biomórficas; Círculo y cuadrado resulta más elegante y complejo. Podemos considerarle un precedente del expresionismo abstracto.

Futurismo

El futurismo es un movimiento artístico que apareció en Italia hacia 1909 y que proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, orientado al futuro. Presenta el movimiento y las formas desde diferentes puntos de vista: no quieren nada estático. Sus temas preferidos proceden de la vida urbana, la máquina y la velocidad.

Surgió en Milán por iniciativa de Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifiesto del Futurismo en 1909. Rompía con la tradición, el pasado, el academicismo y los signos de la historia del arte. Se basó principalmente en dos temas: la máquina y el movimiento. Tras la publicación del manifiesto, artistas como Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà y otros se adhirieron a sus premisas.

Exaltación de lo sensual, lo nacional y lo guerrero; retrato de la realidad en movimiento. La vanguardia buscó reflejar dinamismo, velocidad y fuerza. En 1914 Antonio Sant’Elia presentó los primeros dibujos sobre una ciudad moderna en el Manifiesto de la arquitectura futurista, proyecto utópico que apostaba por nuevas tipologías: un mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal.

En fotografía destacan los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, como Carpintero serrando o Joven meciéndose. El llamado teatro sintético del futurismo es un espacio en el cual las acciones ocurren a una velocidad vertiginosa, donde a menudo se ocultan presencias humanas y solo se ven fragmentos, como los pies. Hasta 1944 su influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y en el Constructivismo ruso.

Características del futurismo

• Exaltación de la originalidad.
• Temática relacionada con el mundo moderno: ciudades, automóviles, bullicio y dinamismo, máquinas, deportes y guerras.
• Énfasis en el movimiento, el tiempo, la velocidad, la energía y la fuerza.
• Utilización de formas y colores para generar ritmos, transparencias y colores resplandecientes.
• Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o de una película.

Carlo Carrà

Pintor italiano del movimiento futurista. En 1916 se adhirió a las premisas de la pintura metafísica hasta 1921. Se interesó por la búsqueda de una imagen clásico-arcaica que lo condujo a la simplificación formal. En 1921 inició una nueva etapa artística llamada realismo lírico. Sus temas preferidos conjugan la idea y la naturaleza, así como los paisajes: Los funerales del anarquista Galli, La habitación encantada, Óvalo de las apariciones, entre otros.

Giacomo Balla

Adoptó las premisas futuristas de Marinetti e indagó en sus lienzos la representación de la velocidad y el desplazamiento. En obras como Actividad de un perro con correa el efecto de desplazamiento de los cuerpos se conseguía mediante la representación simultánea, como en el vaivén de la correa del animal. Su técnica recuerda a los dibujos animados y los cómics. Sus estudios sobre la dinámica de la composición y sus experimentos pictóricos influyeron en los avances artísticos de principios del siglo XX. En sus últimos años regresó a la figuración. Obras destacadas: La mano del violinista, China corriendo en el balcón, Vuelo de golondrinas.

Umberto Boccioni

Pintor y escultor italiano, figura central del futurismo. Se inició en el divisionismo de la mano de Giacomo Balla. Se instaló en Milán y se interesó por la sociedad industrial moderna. Desarrolló conceptos clave como las líneas-fuerza, la simultaneidad, la compenetración de planos y la expansión de los cuerpos. Su idea fundamental fue la reciprocidad de relaciones entre los objetos y el ambiente que los circunda.

En escultura, a pesar de su escasa producción, se le considera uno de los grandes. Obras destacadas: La ciudad que surge, La calle ante la casa, que aluden a la ciudad como símbolo de modernidad, movimiento y velocidad. Para lograr la interrelación de formas entre el objeto y su entorno fundó la representación dinámica: materializar la atmósfera. Obras como Desarrollo de una botella en el espacio y Formas únicas de la continuidad del espacio no pretenden representar un cuerpo, sino transmitir la acción a partir de la musculatura y el movimiento humano. En 1910 escribió el Manifiesto de la escultura futurista, proponiendo materiales no convencionales, como crin, cuero o espejos, además de madera, cartón o vidrio.

Pintura metafísica

Giorgio de Chirico

Fundador de la escuela metafísica, De Chirico fue uno de los pintores que plasmó el mundo de lo irracional con objetos cotidianos, consiguiendo una realidad ilógica pero verosímil. Muestra sueños en plazas típicas de ciudades italianas y fue precursor del movimiento surrealista. Su familia emigró a Alemania, donde se empapó de Freud, del expresionismo y de filósofos como Nietzsche y Schopenhauer, que influyeron en su obra. Entre 1909 y 1914 pintó ambientes sombríos y abrumadores, con perspectivas hacia el infinito, maniquíes y estatuas. Crea un mundo enigmático que refleja la desolación provocada por la guerra: inquietante y desolador. La obra Héctor y Andrómaca representa la despedida de Héctor y su esposa en la Ilíada de Homero y simboliza el amor roto por la guerra.

Características de sus obras

• Predominan paisajes urbanos con elementos de la Revolución Industrial, maniquíes y artilugios diversos.
• Profundas perspectivas lineales y representación de espacios urbanos con elementos arquitectónicos y proyección de sombras.
• Presencia humana casi ausente; uso frecuente de maniquíes y objetos inanimados en interiores con aberturas hacia el exterior.
• Las imágenes se sacan de contexto y se representan con tamaños antinaturales y desproporcionados.
• Detallismo creciente y perfecto dibujo; la representación de obras dentro de otras anticipa recursos del surrealismo.
• Creación de espacios pictóricos sugerentes que invitan al receptor a completar el sentido de lo representado, generando atmósferas de silencio y misterio.

Algunas obras en las que la realidad se transforma en una composición distanciada: El enigma de una tarde de otoño, El encuentro de dos sombras en una plaza, El enigma de la llegada de la tarde, El enigma de la hora, Plaza, La gran torre. En 1925 su obra viró hacia un carácter más convencional y realista en un contexto posbélico. Ese detallismo gradual lo alejó de la metafísica. En 1925 publicó la novela Hebdomeros, considerada una obra literaria afín al surrealismo. En 1958 realizó la obra Caballos de carrera, momento en el que abandonó el estilo metafísico. Artistas como Max Ernst, Salvador Dalí y René Magritte reconocieron la influencia de De Chirico en su trabajo.

Dadaísmo

Movimiento cultural surgido en Europa y posteriormente en Estados Unidos. Se creó en el Cabaret Voltaire de Zúrich entre 1916 y 1922 con Hugo Ball como uno de sus fundadores, cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron en esa ciudad como refugiados durante la Primera Guerra Mundial. Fue adoptado por Tristán Tzara, figura representativa del dadaísmo.

El dadaísmo surge del desencanto de estos artistas ante la Europa de la Primera Guerra Mundial. Se distingue por la inclinación hacia lo absurdo, lo provocador y la negación de las convenciones. Busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales y de manifestaciones de rebeldía o destrucción, proponiendo un antiarte.

Características y postulados del dadaísmo

• Se manifiesta contra la belleza eterna, las leyes inmutables, la pureza de conceptos abstractos y lo universal.
• Propugna la libertad individual, la espontaneidad, lo inmediato y lo aleatorio; valora la contradicción frente a la coherencia.
• Defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección; se opone al modernismo y a otras vanguardias.
• La estética dadaísta niega la razón y recurre al gesto, al escándalo y a la provocación.
• Utilizan métodos deliberadamente incomprensibles apoyados en lo absurdo e irracional, y emplean materiales nuevos.

Marcel Duchamp expuso objetos de uso corriente como obras de arte (ready-made), por ejemplo un secador de botellas o un urinario, a los que denominó La fuente (firmado con un seudónimo), convirtiéndose en uno de los iconos más significativos del arte del siglo XX.

Marcel Duchamp (1887–1968)

Compaginó la pintura con la caricatura y pasó por numerosas tendencias: su afán experimentador fue una constante. Ejerció una fuerte influencia en la evolución del Pop Art en el siglo XX. Sus primeras obras muestran influencias cubistas, como Retrato de jugadores de ajedrez. En 1912 presentó Desnudo bajando una escalera, obra que aunó elementos cubistas y futuristas; la pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes y tuvo que esperar para ser expuesta en Nueva York.

Tras abandonar la pintura desarrolló proyectos como La novia desnudada por sus pretendientes (El gran vidrio), en los que trabajó entre 1913 y 1923, una síntesis entre pintura y escultura de gran originalidad. Fue pionero en el arte cinético y en el ready-made. Entre sus ready-mades más conocidos están el urinario firmado con el título La fuente, Portabotellas y la Rueda de bicicleta. En 1917 colaboró con Francis Picabia en Nueva York y participó en la difusión del dadaísmo en Estados Unidos. En 1934 entabló lazos con el movimiento surrealista. Su periodo creativo, aunque relativamente corto, fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el Pop Art y la comprensión de la posmodernidad.

Jean Arp

Artista francoalemán fundamental para la historia del dadaísmo; su obra evolucionó hacia el surrealismo y sus esculturas biomórficas anunciaron la abstracción. Uno de los mejores representantes de la escultura surrealista. Estudió Bellas Artes en París y se relacionó con ambientes vanguardistas y artistas como Picasso y Kandinsky. Gran parte de su obra son relieves y esculturas; en Zúrich se exilió durante la Primera Guerra Mundial y participó en actos de protesta contra la guerra.

Su obra contiene dos temas fundamentales: el mundo vegetal y orgánico, y la figura humana; su evolución va desde una figuración surrealista hacia formas antropomórficas simplificadas.

Características de sus obras

• Actitud de rebeldía, negación, irracionalidad e inconformismo frente al orden establecido.
• Uso de colores limitados: blanco, gris y negro.
• Materiales: escayola, granito, bronce y aluminio en esculturas (muchas de pequeño formato); relieves en madera y obras con recortes de papel.
• Es buen dibujante, grabador y litógrafo; frecuentemente realiza la obra y la titula después.
• Predominan composiciones arbitrarias ejecutadas al azar, collages tridimensionales con líneas curvas, sin aristas, y formas abstractas.
• Establece equilibrios entre vacíos y volúmenes; denomina sus piezas esculturas biomórficas.

En 1925 su obra apareció en la primera exposición del grupo surrealista. Arp combina automatismo y técnicas oníricas, desarrollando una iconografía de formas orgánicas; en la década de 1930 se centró en la escultura biomórfica.

Surrealismo

Movimiento literario y artístico surgido en París, representativo del siglo XX. Se consolidó en 1924 con la publicación del Manifiesto Surrealista de André Breton, quien sostenía que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en el ser humano para comprenderlo en profundidad. Los surrealistas representaron ideales distintos a los academicistas, quebrando las leyes de la pintura tradicional y captando la atención del espectador de manera directa.

El contexto sociopolítico de la época —un periodo de crisis causado por la guerra y por dificultades económicas y sociales— contribuyó al desarrollo de esta vanguardia, que se expandió por Europa bajo la consigna de una revolución del espíritu y la ausencia de pensamiento lógico y racional. Sus precedentes fueron pintores como Goya (Los caprichos), El Bosco, el dadaísmo y Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.

Vertientes del surrealismo

1. Automatismo: surrealismo abstracto representado por artistas como Joan Miró, André Masson y Paul Klee, que creaban universos figurativos propios mediante asociaciones rápidas y sin atender a la coherencia.
2. Figuración naturalista: surrealismo figurativo representado por artistas como Salvador Dalí, René Magritte, Max Ernst y Yves Tanguy, interesados por los sueños y el realismo «mágico», alejados de la pintura tradicional.

Premisas y características del surrealismo

• Defensa de la existencia de otra realidad y del pensamiento libre; plasmación de un mundo absurdo e ilógico donde la razón no domina al subconsciente.
• Adopción de elementos del dadaísmo (azar y rebeldía), pero rechazando su carácter únicamente negativo y destructivo.
• Inspiración en el inconsciente, la imaginación, la escritura automática y el psicoanálisis freudiano.
• Amplia presencia en las artes visuales: collage, ensamblaje de objetos incongruentes, frottage, decalcomanía y automatismo pictórico.
• Técnicas: dibujo meticuloso, colorido brillante y luminoso, composiciones limpias y ordenadas, uso de perspectivas clásicas y obsesión por la tridimensionalidad.

Al inicio de la Segunda Guerra Mundial, Salvador Dalí se trasladó a Estados Unidos con Gala y vivió allí hasta 1948; regresó a España y se instaló en Port Lligat. Su estilo evolucionó hacia formas más clásicas, pero siempre inquietantes. Pintó obras religiosas y de temas cristianos: Madonna de Port Lligat, Leda atómica, El Cristo de San Juan de la Cruz y La última cena. La explosión atómica en 1945 en Hiroshima le conmovió: el átomo se convirtió en una fuente de inspiración, como en Galatea en las esferas. A partir de los años sesenta inició un periodo final que restó validez a gran parte de su producción anterior. Su actividad fue incesante en pintura, ilustración de libros y diseño de joyas; también participó en el cine (Un perro andaluz, La edad de oro), realizó escenografías y vestuarios y escribió varios libros autobiográficos. Inauguró el Teatro-Museo Dalí en Figueres en 1974, donde fue posteriormente enterrado.

René Magritte

Fue el surrealista belga que más influyó en la pintura de su país en el siglo XX. Sus imágenes no proceden únicamente de los sueños, sino que destilan la realidad extrayendo su esencia, logrando imágenes sorprendentes e ingeniosas. Magritte fue un surrealista conceptual interesado en la ambigüedad de las imágenes y las palabras, investigando la extraña relación entre lo pintado y lo real.

Trabajó el realismo mágico: reprodujo objetos y personas convencionales y los agrupó de manera paradójica, usando la asociación libre e inesperada de elementos sin relación aparente. Estas imágenes muestran la influencia de la pintura de De Chirico y buscan cambiar la relación entre los elementos mediante variaciones de tamaño, perspectiva y combinaciones complejas. Obras como Movimiento perpetuo y Esto no es una pipa (La traición de las imágenes) o Filosofía en el gabinete son ejemplos de su reflexión metafísica. Su vida y rutinas diarias fueron una constante fuente de inspiración; su obra apela a la inteligencia del espectador y busca la contradicción intelectual o verbal.

Joan Miró

Su padre logró que se matriculara en una escuela de comercio, aunque simultáneamente frecuentó la Escuela de la Lonja, la famosa academia por la que había pasado Picasso. Cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque esa fue solo una fase dentro de su producción.

Características de sus obras

Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas y crea un mundo propio que abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos; rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos extraídos de lo irracional: siluetas amorfas junto a líneas muy acentuadas, puntos, estrellas, ojos, etc., con un tono humorístico y fantástico, mezclando lo orgánico con lo geométrico para representar la realidad.