Relación de la obra de Berthe Morissot y Mary Cassat:
Respecto a técnica o composición la obra de Berthe Morissot y Mary Cassat no se diferencia de la de sus compañeros varones. Hay incluso algunas semejanzas claras. Morissot, por haber aprendido con Manet, recuerda más a la obra de este, es más velazqueña. La de Cassat, por su mayor influencia del arte japonés en las composiciones, puede recordar más a Degas. Las diferencias aparecen no obstante respecto a los temas. Los pintores impresionistas son más expansivos: hacen vida social, se mueven más… y por ello tienden a representar más un mundo bullicioso. Pintan más paisajes, escenas callejeras, actividades populares… Pero el mundo de Morissot y Cassat es muy distinto. Ambas son mujeres de origen burgués, hacen poca vida en el exterior. Por eso pintan más interiores o escenas ambientadas en jardines. En ellas se aprecia mejor la “mirada femenina”: pintan un mundo silencioso, femenino e intimista, que conocen bien y les resulta propio. Aparecen en sus obras mujeres (ensimismadas, concentradas en la lectura o la costura, vistiéndose, aseándose…), madres con hijos y, muy especialmente, niños.
Identificación
Título: Los jugadores de cartas
Autor: Paul Cezanne
Tipología: Pintura
Época: Finales del S XIX (1893)
Técnica: óleo sobre lienzo
Medidas: 57 x 47
Estilo: postimpresionista
Tema: escena costumbrista o de género
Localización: Museo de Orsay (París)
Contexto: Explica brevemente el contexto histórico-cultural de la época en que se sitúa la obra, características del movimiento al que pertenece y características del autor. La obra se inscribe en las diversas corrientes que a finales del S XIX renovaron la pintura, como se aprecia en el uso del color y la soltura de la pincelada. La renovación vino por parte de los pintores impresionistas entre los que en un principio figuraba Cezanne. Pero frente a la pintura impresionista algunos artistas (los postimpresionistas) buscarán superarla dándole cosas que le faltaban. Van Gogh, por ejemplo, le dará la capacidad de expresión.
Cezanne en cambio supondrá un camino diferente. Su fin era otorgar solidez a una pintura como la impresionista en la que dominaban los efectos de inmediatez y de atmósfera. Para conseguir esto Cezanne procederá a simplificar y geometrizar las formas y a disponer las pinceladas para que su disposición, junto con el color, configuren la forma.
Análisis Formal
-Descripción y Composición: El cuadro muestra a dos hombres de perfil sentados frente a frente mientras juegan a las cartas. La composición es simétrica: La botella que hay sobre la mesa marca el eje compositivo, ligeramente desplazado hacia la derecha, por lo que la figura de la izquierda queda totalmente dentro del cuadro, mientras que el otro personaje queda cortado. A pesar de ello, su robusta figura y el color claro compensan la parte perdida por el hecho de que, con el cuerpo un poco echado hacia delante, ocupa un mayor espacio en la mesa. El torso erguido del jugador de la izquierda forma una columna vertical que contrasta con la línea horizontal de detrás de su cabeza. Una línea vertical, próxima a la cabeza del segundo jugador, divide el lado mayor en dos partes por proporción áurea. Cabe señalar también el triángulo imaginario inverso formado a partir de las miradas fijas de ambos jugadores en las cartas. El uso de las figuras geométricas no sólo se ciñe a la composición, sino que las figuras, en algunas de sus partes se relacionan mediante formas geométricas.
-Color: Los colores pertenecen a la gama de los cálidos, pardos, ocres… que el pintor utiliza para reforzar la contraposición formal de ambos jugadores, invirtiendo los colores de las chaquetas y pantalones de uno y otro.
-Luz: La luz también se utiliza como un elemento de configuración del espacio, y no solo como un efecto realista. La luz viene de la izquierda e ilumina especialmente la figura de la derecha.
-Perspectiva: Cézanne decía: “no hay que pintar lo que nosotros creemos que vemos, sino lo que vemos”. En este sentido hay una cierta superposición de planos y puntos de fuga diferentes que se corresponden más al movimiento del ojo sobre una imagen que a una estructura de perspectiva matemática. Lo vemos por ejemplo en la mesa.
-Tratamiento de la figura, forma: Las figuras han sido sometidas a un proceso de simplificación: han sido eliminados elementos accesorios y, sobre todo, han sido geometrizadas, convirtiendo los cuerpos en volúmenes derivados del cilindro y la esfera.
-Tratamiento de la línea: Al geometrizar las formas Cezanne retoma el uso de la línea, que los impresionistas habían abandonado. Cezanne dibuja la forma usando líneas en paralelo creando una cierta indefinición en la forma. Este efecto, que se ve en sus dibujos, se aprecia en los brazos de los jugadores o en la pata de la mesa.
-Pincelada, textura: La pincelada, breve y dispuesta en superposición mediante el uso de diferentes tonalidades, ayuda a modelar los cuerpos de los objetos y las personas de la escena.
Función y significado: Cezanne será el artista que busque la forma de hacer que el mundo del impresionismo, dominado por lo inconcreto y lo atmosférico, adquiera solidez y densidad. Para eso buscará su inspiración en la tradición (las estructuras de Poussin, el realismo de Courbet…) y geometrizará las formas, adaptándolas al cubo, el cilindro y la esfera. Será el que, en el arte moderno, abra la vía a las corrientes de carácter geométrico y racionalista. Su manera de representar la realidad geometrizada llevó a Cézanne a ser considerado un precursor del movimiento cubista liderado por Picasso y Braque, y de estos a las corrientes de abstracción geométrica. El tema procede de la tradición del barroco (Caravaggio, La Tour…) donde se mostraban escenas de jugadores de cartas donde alguien hace trampas.
George de La Tour, “El tramposo del as de diamantes”. Caravaggio, “Los jugadores de cartas”.
Identificación
Título: Las señoritas de Avignón (Avinyó)
Autor: Pablo Ruiz Picasso
Tipología: Pintura.
Época: junio-julio 1907
Técnica: óleo sobre lienzo
Medidas: 233,7 x 243,8cm
Estilo: cubista
Tema: retrato en grupo, desnudo femenino.
Localización: MOMA (New York)
Contexto: Explica brevemente el contexto histórico-cultural de la época en que se sitúa la obra, características del movimiento al que pertenece y características del autor. Este cuadro es un ejemplo de la investigación pictórica que tuvo lugar en París a principios del S XX, donde nacieron los movimientos de vanguardia. En ese momento, distintos artistas revolucionaron el arte rompiendo con la tradición y buscando nuevos caminos. Lo pintó Pablo Picasso como experimento de representación, buscando entroncar los hallazgos de Cezanne, Seurat y Matisse con artes de carácter primitivo como el ibérico, el románico o el africano y ensayando el punto de vista múltiple. Como resultado de ello surgirá el cubismo: un movimiento pictórico que, aplicando la geometrización, buscará representar un mismo objeto bajo diferentes puntos de vista. Picasso, creador del cubismo, no se encasilló en ese movimiento. Desarrolló a lo largo de su vida numerosos estilos, desde los periodos azul y rosa de sus inicios hasta otros muchos a partir de la 1ª Guerra Mundial; y en muchas ocasiones mantiene rasgos del cubismo.
Análisis formal
-Descripción: La pintura representa cinco figuras femeninas desnudas que se muestran al espectador en un contexto no muy bien definido (un espacio interior) en un lienzo de grandes dimensiones. Las mujeres representadas muestran un aspecto facetado, descompuesto en planos. Las dos figuras centrales se presentan en posición frontal, con los brazos provocativamente cruzados tras la cabeza como las majas de Goya. La de la izquierda aparece de perfil. Dos figuras más aparecen a la derecha: una sentada en el suelo junto a un mantel y un bodegón de frutas, otra sobre ella parece asomarse tras unas cortinas.
-Tratamiento de la figura, forma: La representación de la figura humana está muy lejos del academicismo. Picasso distorsiona los cuerpos, geometrizándolos. En los rostros manifiesta también su voluntad de ruptura, recurriendo a influencias no europeas y primitivas. Las dos figuras centrales han sido resueltas de modo similar al románico, con tonos planos y gruesos contornos. Otras dos, a ambos lados, tienen volúmenes geometrizados al estilo del arte africano. Es en la figura sentada donde además se aprecia cómo se ensaya un punto de vista múltiple, que caracterizará el cubismo. Estas distorsiones las podemos ver en numerosas obras donde extrae de la historia del arte referentes distintos a los renacentistas.
-Composición: La composición tiende a un cierto efecto de simetría. Las dos figuras centrales aparecen más claras que las otras, formando un triángulo; las dos figuras de la derecha se solapan tendiendo a generar un único volumen oscuro que es simétrico respecto a la figura de la izquierda. Las posiciones de las dos figuras centrales forman una equis en el centro del cuadro.
-Luz: La luz no funciona como generador de claroscuro (y por tanto de volumen). Se usa para generar contraste entre zonas de color claro respecto a otras oscuras.
-Color: Utiliza una gama de colores de baja saturación, en pardos, ocres, grises y azules. Para dar vida a una paleta en la que abundan ocres anaranjados ha combinado estos con toques de azul. Los colores tienden a ser planos.
-Perspectiva: La representación del espacio rompe con las normas de la perspectiva que Alberti teorizó en el Renacimiento. Picasso elimina también la “caja perspectiva”: las líneas de fuga que permitían evocar la profundidad del espacio. En su lugar, comprime el espacio, desplazándolo a un primer plano. Le da el mismo tratamiento geométrico que el de las figuras. Sólo el solapamiento de las figuras sugiere el espacio.
-Tratamiento de la línea: Picasso geometriza las figuras y para ello recurre a perfilarlas con líneas de contorno. Estas son gruesas, a menudo trazadas con tonos oscuros. Es un recurso del cloisonismo de Gauguin, pero también de la pintura románica. La semejanza con el románico se aprecia en los rostros de las figuras centrales.
-Pincelada, textura: A veces Picasso extiende la pintura en tonos planos, formando capas gruesas donde la pincelada se funde a medias. En otras zonas los trazos se dejan naturales aplicados en húmedo sobre húmedo.
Función y significado: Intención expresiva del autor. Modelos e influencias de la obra.
En este cuadro Picasso rompe con el sistema artístico que había imperado en el arte desde el Renacimiento: la mímesis o imitación de la realidad. Esta voluntad de ruptura con la mímesis se manifiesta en el trabajo que da a dos aspectos fundamentales: la figura humana y el espacio.