Vanguardias y movimientos artísticos de la primera mitad del siglo XX
Vanguardias: estilos artísticos de la primera mitad del siglo XX, que supusieron una auténtica revolución en el mundo del arte. A continuación se describen las principales corrientes, sus rasgos y ejemplos destacados.
Fauvismo
Fauvismo: libertad en el uso del color; los colores no se corresponden necesariamente con la realidad. Ejemplo: Matisse.
Expresionismo
Expresionismo: los artistas emplean el color y las formas al servicio de la expresión subjetiva y emocional. Ejemplo: Edvard Munch.
Cubismo
Cubismo: pretende representar el mayor número posible de puntos de vista simultáneos. Se distingue entre:
- Cubismo analítico (descomposición): ejemplo Retrato de Ambroise Vollard de Picasso.
- Cubismo sintético (mostrar las formas): ejemplo Naturaleza muerta con silla de rejilla de Picasso.
Futurismo
Futurismo: admiración por los avances tecnológicos y representación del movimiento. Ejemplo: la obra de Umberto Boccioni La ciudad que emerge (originalmente La città che sale).
Dadaísmo
Dadaísmo: arte del absurdo y lo provocador; se considera una negación del arte tradicional. Ejemplo: Marcel Duchamp.
Surrealismo
Surrealismo: representación de otra realidad, el inconsciente y los sueños. Hay variantes:
- Surrealismo abstracto: ejemplos como Miró.
- Surrealismo figurativo: ejemplos como Dalí y René Magritte.
Abstracción
Abstracción: representación no figurativa mediante manchas, colores y líneas. Tiene su origen en artistas como Kandinsky (que pintó la música).
Suprematismo
Suprematismo: búsqueda de la expresión mínima. Ejemplo: Malevich y su obra conocida como Cuadrado negro (a veces referida como «Cuadro negro»).
Neoplasticismo
Neoplasticismo: arte de formas simples y colores puros. Su máximo representante: Piet Mondrian, con obras como Composición II en rojo, amarillo y azul.
Constructivismo
Constructivismo: integración de todas las disciplinas artísticas; origen del diseño gráfico y de la publicidad moderna.
Arte paleocristiano y bizantino
Arte paleocristiano
Arte paleocristiano: primer arte cristiano, inspirado en el arte romano. En sus inicios fue un arte clandestino en el que la simbología primaba sobre la belleza y la técnica, porque los cristianos no podían manifestar su fe en público. Tras el Edicto de Milán (313 d. C.), pasaron de reunirse en catacumbas a poder hacerlo en basílicas inspiradas en la arquitectura romana.
Arte bizantino
Arte bizantino: arte del Imperio romano de Oriente (siglos IV–XV), en el que confluyen valores artísticos romanos, griegos y orientales. Su principal aportación técnica es la cúpula sobre pechinas. Manifestaciones destacadas: la basílica de Santa Sofía en Constantinopla y los grandes mosaicos, como los grupos del emperador Justiniano y su esposa Teodora.
Arte en la Península Ibérica: prerrománico y mozárabe
Arte visigodo
Arte visigodo: arte prerrománico creado por los visigodos en la Península Ibérica (siglos VI–VIII). Continúa la tradición romana y paleocristiana. La iglesia es su representación principal: muros anchos, pocas y pequeñas ventanas y uso del arco de herradura. Ejemplo: iglesia de San Pedro de la Nave (Zamora). También destacan la orfebrería, con piezas como las coronas votivas.
Arte mozárabe
Arte mozárabe: desarrollado por cristianos que convivieron con la cultura musulmana; conjuga elementos musulmanes con la tradición visigoda. La piedra está muy bien labrada (influencia visigoda), emplean el arco de herradura de tipo califal (más cerrado que el visigodo) enmarcado por alfices, capiteles con motivos vegetales abstractos y modillones de rollo en aleros y cornisas (influencia hispanomusulmana). Obra destacada: iglesia de San Miguel de la Escalada (León).
Arte asturiano
Arte asturiano: prerrománico desarrollado en el reino de Asturias (siglos VIII–X), donde se refugiaron nobles cristianos tras la expansión musulmana. Se concentra en Oviedo. Sintetiza el arte romano y visigodo y añade rasgos propios: verticalidad, uso del arco peraltado y decoración mediante sogueados en columnas y ventanas. Obra destacada: Santa María del Naranco.
Arte clásico y etrusco
Arte helenístico
Arte helenístico: conjunto de características de la cultura y el arte de la Grecia antigua adoptadas por otros territorios. Abarca desde la muerte de Alejandro Magno (s. IV a. C.) hasta la conquista romana (s. II a. C.). Surgen escuelas como las de Alejandría, Pérgamo y Rodas. Los artistas rompen con la armonía clásica para añadir tensión dramática, realismo y nuevos temas. Obras representativas: Laocoonte, Venus de Milo, Victoria de Samotracia.
Arte etrusco
Arte etrusco: desarrollado en Italia entre los siglos IX–II a. C. Sus características incluyen el uso del arco y la bóveda y el orden toscano (capitel similar al dórico y fuste liso). Sus templos son similares a los griegos pero con podio. Destacan los sarcófagos escultóricos y las pinturas al fresco funerarias, así como esculturas en bronce de animales reales y fantásticos. Ejemplo emblemático: la Loba Capitolina.
Renacimiento en Italia: Quattrocento y Cinquecento
Quattrocento
Quattrocento: primera etapa del Renacimiento, siglo XV en Florencia, con la familia Médici como mecenas. Los artistas trabajan por dominar la técnica y la creación de la forma artística. Figuras destacadas: Brunelleschi, Alberti, Donatello y Botticelli.
Cinquecento
Cinquecento: período del Renacimiento en el siglo XVI en Italia. La forma artística alcanza equilibrio y perfección. Roma, gracias al mecenazgo del papa Julio II, y Venecia desplazan a Florencia como centros artísticos. Grandes maestros: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Rafael.
Artistas del siglo XX y contemporáneos
Andy Warhol
Andy Warhol: artista plástico y cineasta estadounidense, figura clave en el nacimiento y desarrollo del pop art. Influido por el dadaísmo y el surrealismo, el pop art convirtió al objeto de consumo de la sociedad industrial en protagonista de la obra, exaltando el objeto vulgar y la imagen publicitaria como símbolos de la sociedad capitalista, con planteamientos críticos en ocasiones. Sus fuentes: fotografía, cómic, cine, carteles luminosos, anuncios y productos cotidianos. Utilizó dibujo a mano, pintura, grabado, fotografía, serigrafía, escultura, cine y música. Su pintura es deliberadamente superficial, despersonalizada y repetitiva, representando por procedimientos mecánicos objetos de consumo y ídolos de su época. Ejemplo: Díptico de Marilyn.
Jackson Pollock
Pollock: influyente pintor estadounidense y figura del expresionismo abstracto. En sus primeras obras estuvo influenciado por Picasso y Miró; más tarde, el contacto con la expresión de los indios norteamericanos le condujo a desarrollar la pintura gestual y automática basada en el dripping y el action painting. Colocaba el lienzo en el suelo y, tras consumir a veces alcohol u otras sustancias para anular la conciencia, danzaba alrededor del mismo dejando líneas espontáneas y gotas de pintura en capas múltiples para que aflorara su subconsciente. No usaba habitualmente pinceles, sino palos, cuchillos, botes o tubos de pintura, y experimentó con barnices, acrílicos, esmaltes, aluminio, cristales y arena. El resultado son trazos enérgicos y manchas o chorretones (dripping). EJEMPLO: One
Antonio López
Antonio López: pintor y escultor español, uno de los principales representantes del hiperrealismo en España. Durante la posguerra se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes y, junto a otros, creó la llamada Escuela madrileña. Sus frecuentes visitas al Museo del Prado le llevaron a idolatrar, sobre todo, a Velázquez. En sus obras aparece el interés por la solidez plástica y por composiciones precisas con un objetivo claro: la fidelidad en la representación. La vida cotidiana es protagonista de su obra, tratada con un detallismo casi fotográfico, aunque, a diferencia de muchos hiperrealistas, no utiliza fotografías. Su proceso creativo es lento: para buscar la esencia de lo representado tarda a veces varios años —y en ocasiones no concluye nunca—. Su hiperrealismo es ortodoxo: minuciosidad y exactitud sustentadas en el virtuosismo técnico, que supera la mera visión fotográfica. EJEMPLO: Gran Vía de Madrid.
Rubens: el Barroco flamenco
Pedro Pablo Rubens
Rubens: figura central del Barroco en Flandes y uno de los artistas más prolíficos de la historia. Gran admirador del Renacimiento italiano, especialmente de la escuela veneciana —consideró a Tiziano su «maestro espiritual»—, también apreció a Tintoretto y Veronés. Se caracteriza por el predominio del color sobre la línea (influencia veneciana), por dotar a sus figuras de sensualidad y curvas, por su dinamismo y por composiciones complejas pero ordenadas. Abordó temas religiosos, históricos, mitológicos, escenas de caza, paisajes y retratos. Fue pintor favorito del rey Felipe IV de España; por ello, la mayor colección de sus obras se conserva en el Museo del Prado. Entre las obras destacadas: La adoración de los Reyes Magos, Las tres Gracias y El jardín del amor.