El David es probablemente la escultura más famosa de Miguel Ángel. La ejecutó entre 1501 y 1504, trabajando directamente sobre un bloque de mármol enorme. Mide más de 5 metros y es la joya del Renacimiento en Florencia. Aunque la idea original era colocarla en el tejado de la catedral, al final se dispuso en la Plaza de la Señoría (ayuntamiento) porque se convirtió en un símbolo de libertad. Actualmente se conserva en la Galería de la Academia de Florencia.

La Representación del Héroe Bíblico

Lo que vemos es al David de la Biblia justo antes de enfrentarse a Goliat. Miguel Ángel se desmarcó de la tradición; en lugar de representarlo celebrando con la cabeza cortada del gigante, eligió el momento de máxima tensión, cuando está concentradísimo antes de la acción.

Aunque la historia es religiosa, en esa época se utilizó para lanzar un mensaje político: Florencia era un estado pequeño, pero con inteligencia y valor podía vencer a cualquiera, por muy grande que fuera el enemigo.

Anatomía y Técnica Escultórica

La estatua está concebida para ser rodeada y admirada desde cualquier ángulo. El David no está estático; presenta una postura llamada contrapposto, que consiste en apoyar el peso en una pierna para que el cuerpo adquiera una curva natural y parezca que está en movimiento. Todo es súper equilibrado y armónico, muy al estilo de lo que buscaban los artistas de aquel entonces.

• Detalle Anatómico: El cuerpo es el de un hombre perfecto, siguiendo los cánones griegos, pero con un nivel de detalle asombroso: se aprecian las venas, los tendones tensos y los músculos marcados.
• Proporciones Expresivas: Las manos y la cabeza son ligeramente más grandes de lo normal. Miguel Ángel lo hizo a propósito para que la figura se percibiera más poderosa y expresiva.
• La Mirada: Lo más impactante es el rostro: tiene una mirada fija y tensa que comunica determinación.

Legado Renacentista

En cuanto al estilo, esta obra encapsula los ideales del Renacimiento: el cuerpo desnudo, la importancia del ser humano y la razón por encima de todo. Mientras que estilos posteriores prefieren el drama y los aspavientos, aquí todo es una tensión contenida. Fue revolucionario para su época por cómo transformó una historia bíblica en un símbolo de orgullo cívico.

En resumen, el David nos enseña que la mente vence a la fuerza bruta. Está desnudo porque representa la pureza y la perfección humana, y la honda que lleva al hombro recuerda que su mejor arma es su astucia. Es el mejor ejemplo de los ideales humanistas y del orgullo florentino.

El Arte Gótico: Luz, Altura y Estructura Urbana

El Gótico se originó en Francia hacia el siglo XII y fue el estilo dominante hasta el siglo XV. Este cambio se debió al crecimiento de las ciudades y al ascenso de la burguesía. Por ello, en lugar de iglesias aisladas en el campo, triunfaron las catedrales urbanas.

Surgieron órdenes religiosas como los franciscanos y dominicos, y aunque la alfabetización era limitada, la cultura se expandió fuera de los monasterios. Se establecieron escuelas en las catedrales y nacieron las Universidades. La filosofía de la época, la escolástica, buscaba conciliar la fe con la lógica, y en general, había un tono más optimista: la gente comenzó a valorar más la vida, la naturaleza y el ser humano. Ni siquiera la crisis del siglo XIV logró detener su desarrollo.

Innovaciones Arquitectónicas Clave

La obra cumbre de este estilo es la catedral urbana, una evolución del Románico que incorporó dos “inventos” fundamentales:

1. El arco apuntado (u ojival).
2. La bóveda de crucería.

Dado que los constructores buscaban iglesias altísimas y llenas de luz, tuvieron que idear soluciones técnicas para asegurar la estabilidad. El arco apuntado permitió ganar altura, y la bóveda de crucería (techos con “nervios” entrecruzados) facilitó cubrir espacios de diversas formas.

El Sistema de Contención de Empujes

En estas catedrales, el peso se descarga sobre pilares altos con columnas adosadas. Sin embargo, el peso del techo se transmite a través de los nervios de la bóveda hacia el exterior, donde unos “brazos” de piedra llamados arbotantes lo transfieren a los contrafuertes exteriores, rematados por pináculos.

Gracias a este sistema, los muros dejaron de soportar toda la carga, permitiendo la instalación de ventanales enormes con vidrieras de colores. Otro rasgo distintivo es la planta con forma de H que presentan algunas catedrales.

Estructura Interior

Al observar el interior, se distinguen generalmente tres niveles:

1. Los arcos fajones que separan las naves.
2. El triforio, un pasillo estrecho con pequeñas ventanas.
3. El claristorio, la parte superior con los grandes ventanales que aportan la luz principal.

Ornamentación Gótica

En el Gótico abundan los elementos decorativos:

• Tracerías: Dibujos geométricos de piedra en las ventanas.
• Rosetones: Ventanas circulares de gran tamaño.
• Gárgolas: Elementos escultóricos que sirven para evacuar el agua de lluvia lejos del muro.
• Portadas: Monumentales, repletas de estatuas y rematadas por gabletes (remates triangulares).

También se emplearon diversos tipos de arcos, como el carpanel o el conopial. El objetivo final del Gótico era lograr una sensación de altura, luminosidad y movimiento. La evolución del estilo tendió hacia una complicación progresiva de los elementos decorativos.

Figuras Clave del Barroco y el Clasicismo Griego

Maestros del Barroco Italiano y Flamenco

Italia: Dinamismo y Tenebrismo

1. Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 1598–Roma, 1680): Máximo exponente del Barroco italiano y creador de la Roma papal. Escultor, arquitecto y pintor, su estilo se caracteriza por el virtuosismo técnico en el mármol, el dinamismo desbordante, la teatralidad y la fusión de las artes. Buscaba captar el “instante” de máxima tensión psicológica (pathos). Obras clave: «Apolo y Dafne», «David», «El Éxtasis de Santa Teresa» y el diseño del Baldaquino y la columnata de la Plaza de San Pedro del Vaticano (Roma).

Caravaggio (Michelangelo Merisi da Caravaggio, 1571–1610): Pintor italiano decisivo para el Barroco por su realismo radical y su uso dramático de la luz (tenebrismo). Sus características incluyen:

• Contrastes muy fuertes de luz y sombra para concentrar la atención y aumentar la tensión dramática.
• Realismo y “humanización” de lo sagrado: personajes con apariencia cotidiana y emociones directas, acercando los temas religiosos al espectador.

Artemisia Gentileschi (1593–1654): Una de las grandes pintoras del Barroco italiano y figura destacada del caravaggismo por su claroscuro dramático y su realismo. Fue la primera mujer admitida en la Academia de Bellas Artes de Florencia. Es conocida por sus escenas bíblicas e históricas protagonizadas por mujeres (como *Judit y Holofernes*), a las que dotó de una fuerza y protagonismo poco habituales en su época.

Flandes: Color y Género

Pedro Pablo Rubens (1577–1640): Principal pintor del Barroco flamenco. Trabajó en Amberes y para las grandes cortes europeas. Su pintura se caracteriza por el dinamismo, el color intenso y las figuras voluminosas. Cultivó temas religiosos, mitológicos y retratos. Entre sus obras más importantes destacan *El descendimiento de la cruz* y *Las tres Gracias*. Influyó decisivamente en la pintura europea del siglo XVII.

Clara Peeters: Pintora flamenca del Barroco (s. XVII), pionera en el género del bodegón. Su obra destaca por un realismo minucioso centrado en la representación de texturas (‘desayunos’, flores, pescados), influenciada por la iluminación tenebrista. Es famosa por incluir diminutos autorretratos reflejados en las piezas de orfebrería de sus cuadros para reivindicar su estatus de artista mujer. Entre sus obras principales destacan *Mesa con quesos, almendras y panecillos* y *Bodegón con pescado*, ambas en el Museo del Prado.

Arquitectos y Escultores del Clasicismo Griego (Siglos V y IV a. C.)

Arquitectura del Partenón

1. Ictinos: Arquitecto del siglo V a. C., coautor junto a Calícrates del Partenón de Atenas, templo dedicado a Atenea. Se caracterizó por el dominio de las proporciones y la perfección técnica. El Partenón es un ejemplo de orden dórico con elementos jónicos, símbolo del clasicismo. También se le atribuye el templo de Apolo Epicurio en Bassae. Su obra refleja el ideal de belleza, armonía y medida.

1. Calícrates: Arquitecto del siglo V a. C., colaborador de Ictinos en el Partenón. También fue autor del templo de Atenea Niké en la Acrópolis de Atenas, de orden jónico y pequeñas dimensiones. Su estilo destaca por la elegancia, sencillez y refinamiento de las proporciones. Junto a Ictinos, es clave en el esplendor arquitectónico del clasicismo ateniense. Su obra refleja el equilibrio entre funcionalidad y estética.

Escultura Clásica y Postclásica

Mirón: Escultor del siglo V a. C., famoso por su interés en captar el movimiento y la tensión contenida en el instante. Su obra más conocida es el Discóbolo, que representa a un atleta en el momento previo al lanzamiento. Aunque introduce dinamismo, sus rostros siguen siendo inexpresivos, propios del arcaísmo. Buscó representar la anatomía con naturalismo, pero todavía con cierta rigidez. Fue puente entre el arcaísmo y el pleno clasicismo.

Policleto: Escultor clásico del siglo V a. C., conocido por su tratado El Canon, donde expone las proporciones ideales del cuerpo humano. Introdujo el contrapposto, con el peso del cuerpo apoyado en una pierna, logrando mayor naturalismo. Su obra más representativa es el Doríforo o “portador de lanza”. Sus esculturas muestran armonía, equilibrio y perfección matemática. Fue uno de los referentes en la búsqueda de la belleza ideal.

Fidias: Fue el gran escultor de la Grecia clásica en el siglo V a. C., contemporáneo de Pericles. Dirigió la decoración escultórica del Partenón, con obras como las metopas, frisos y frontones. Fue maestro en la representación del ideal clásico de belleza, equilibrio y serenidad. Destacó también en esculturas crisoelefantinas, como la *Atenea Partenos* y el *Zeus de Olimpia* (una de las Siete Maravillas). Su obra simboliza la perfección del clasicismo griego.

Praxíteles: Escultor del siglo IV a. C., destacado por la elegancia y delicadeza de sus figuras. Introdujo la llamada curva praxiteliana, una postura sinuosa y suave en forma de “S”. Su obra más famosa es la *Afrodita de Cnido*, considerada el primer desnudo femenino en la escultura griega. Destaca también el *Hermes con Dionisos niño*. Sus esculturas transmiten gracia, naturalidad y un ideal de belleza más humano y sensible.

Escopas: Escultor del siglo IV a. C., representante del estilo postclásico. Sus figuras muestran gran expresividad y dramatismo, alejándose de la serenidad clásica. Participó en la decoración del Mausoleo de Halicarnaso, una de las Siete Maravillas. Destacan sus rostros de cejas fruncidas y bocas entreabiertas, transmitiendo intensidad emocional. Fue clave en la transición hacia el helenismo. La *Ménade danzante* es una de sus obras más conocidas.

Lisipo (Apoxiómeno): Escultor del siglo IV a. C., escultor oficial de Alejandro Magno. Reformuló el canon de Policleto, alargando las proporciones y dotando de mayor esbeltez al cuerpo. Su obra más famosa es el *Apoxiómenos*, atleta limpiándose con el estrígilo. Introdujo mayor dinamismo, con posturas abiertas que rompen la frontalidad. Representa la búsqueda de un ideal más realista y variado.