Pintura del Trecento y el Renacimiento Nórdico
Giotto (1270 – 1337): Precursor del Renacimiento
Pintor florentino, el más conocido del Trecento. Es considerado el precursor de las innovaciones pictóricas renacentistas, principalmente gracias a la labor de Vasari. Su pintura abandona las fuertes restricciones bizantinas existentes en la pintura italiana del momento y basa su estilo en las siguientes características:
- Gran importancia a la observación de la naturaleza (paisajes, animales, etc.).
- Intento de crear la ilusión de la profundidad espacial, por ejemplo, en sus Madonnas, donde se aprecia su capacidad de generar volumen en las figuras gracias al genial uso de la luz.
- Expresión de sentimientos con gran veracidad, como se puede apreciar en la obra Lamentación sobre Cristo Muerto.
Finalmente, cabe destacar que Giotto fue uno de los primeros artistas considerado como tal, gozando de gran popularidad en vida.
Rogier Van Der Weyden (1400 – 1461): Maestro Flamenco
Pintor flamenco de una generación posterior a Van Eyck, gozó de gran fama en vida, aunque no firmaba sus obras, lo que complica en cierta medida su estudio. Se conoce que viajó a Italia, lo que tuvo consecuencias importantes tanto para su obra como para el desarrollo de la pintura del sur de Europa.
Realizó tanto obras religiosas como retratos:
- Obras religiosas: Creó composiciones de gran devoción y sentimentalismo, como ocurre en El Descendimiento (conservado en el Museo del Prado).
- Retratos: Retrató a importantes personajes de la corte belga, siguiendo la tipología creada por Van Eyck: busto del retratado en tres cuartos y sobre fondo neutro.
La Arquitectura del Quattrocento (Siglo XV)
Características Generales
- Ruptura con el Gótico y retorno a Roma: Mientras que el gótico es la consecuencia de la evolución del románico, el Renacimiento rompe con el estilo precedente tomando como modelo el de la antigua Roma. Se vuelven a emplear los elementos constructivos y decorativos clásicos (arcos de medio punto, frontones, columnas y pilastras, órdenes clásicos, bóvedas de cañón, cúpulas semiesféricas, etc.), aunque con total libertad.
- Uso de Grutescos: Se utilizan elementos decorativos de tipo fantástico en los que el artista funde caprichosamente los diversos reinos de la naturaleza, creando seres monstruosos. Esta decoración recibe el nombre de grutescos por haberse difundido su uso a raíz del descubrimiento de las pinturas murales de este tipo en el palacio imperial de Nerón. Flores, frutos, trofeos y objetos diversos pendientes de cintas, coronas y medallones son también temas frecuentes.
- Perfección Matemática y Unidad Espacial: En la estructura y en las plantas se buscan efectos de calculada y matemática perfección, priorizando la unidad espacial.
- Recuperación de la Función Tectónica del Muro: El muro recupera su función sustentante, que había desaparecido en la arquitectura gótica, aunque siempre aparece revestido por una vistosa decoración (mármol de color, aparejos rústicos, etc.).
- Priorización de Formas Simples: Se prioriza la utilización de formas simples (como la cubierta de madera que ahorra soportes, o los tirantes metálicos integrados en las bóvedas que eliminan empujes).
- Recuperación de los Órdenes Clásicos: Se recuperan los cinco órdenes clásicos.
Arquitectos Principales
Los principales arquitectos del Quattrocento son Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti.
La Escultura Barroca en Italia
Características Estilísticas
- Naturalismo
- Se pretende representar las cosas tal como son, lo que aleja al Barroco del clasicismo-idealismo y lo acerca a la representación fidedigna de los sentimientos.
- Dinamismo
- Se otorga gran importancia al movimiento. Para representarlo, se recurre a estructuras diagonales y a líneas curvas sinuosas.
- Contrastes Lumínicos
- Énfasis en la representación de las calidades de los objetos mediante el juego de luces y sombras.
Materiales y Temas
Los materiales empleados en la escultura barroca en Italia son preferentemente el bronce y el mármol.
En cuanto a los temas tratados, predominan muy especialmente los religiosos, aunque también son frecuentes los temas mitológicos y los retratos.
Arquitectura Española del Renacimiento: Etapas y Evolución
En España, la introducción de las formas renacentistas italianas fue lenta. El gótico flamígero y su obsesión decorativa se prolongaron durante los primeros años del siglo XVI. Sin embargo, las formas italianas se abrieron paso gradualmente y se impusieron totalmente a mediados de siglo. Es destacable el gran número de artistas italianos que trabajaron en España debido a los contactos tradicionales entre ambos países.
Etapas Estilísticas
Plateresco (Inicios del Siglo XVI)
A principios de siglo predominan las formas decorativas góticas, pero acogiendo ya elementos tomados del arte italiano. El Plateresco no es un estilo arquitectónico en sí, sino una forma de decorar fachadas de edificios cuyo interior es gótico. Un ejemplo claro de estas características se encuentra en la fachada de la Universidad de Salamanca.
Clasicismo o Purismo (Tercera y Cuarta Década del Siglo XVI)
En esta etapa, los artistas españoles formados en el Gótico asimilan el lenguaje italiano. Se llama por ello esta etapa Clasicismo o Purismo. A pesar de eso, todavía se conservan influencias góticas y mudéjares en algunos edificios. Obras importantes son la Universidad de Alcalá de Henares, la Catedral de Granada, o mejor aún, el Palacio de Carlos V en la Alhambra.
Manierismo (Último Tercio del Siglo XVI)
El último tercio del siglo está presidido por el Manierismo. La asimilación de lo italiano es plena, pero el equilibrio, el sentido de unidad y la armonía del primer Renacimiento italiano se han perdido. El edificio representativo de esta etapa es el monasterio-palacio-panteón de El Escorial.