Las Primeras Vanguardias Artísticas

Las primeras décadas del siglo XX quedaron marcadas por la crisis de la Primera Guerra Mundial, lo que originó grandes cambios de carácter político, económico y social. Esto obligó a un replanteamiento de la sociedad europea que se concretó en:

• Relajación de la moral y las costumbres, y aparición de nuevas modas.
• Un nuevo papel de la mujer en la sociedad.
• Un gran número de bajas, tanto civiles como militares, que provocó un desprecio por la vida humana.
• La caída de los grandes imperios y la remodelación de las fronteras europeas.
• La llegada de las ideas marxistas.
• EE. UU. se convirtió en una potencia político-militar.

Después de la guerra, EE. UU. vivió los llamados felices años veinte, un periodo de optimismo político y económico que acabó con el Crac de la Bolsa de Nueva York en 1929. La crisis trajo consigo problemas socioeconómicos de alcance mundial, con consecuencias como la Gran Depresión estadounidense o el advenimiento del nazismo en Europa. Este último aprovechó la vía democrática y la coyuntura de la Alemania de posguerra para llegar al poder, lo que provocó atrocidades como el Holocausto y la Segunda Guerra Mundial. Terminado el conflicto, el mundo se dividió en dos bloques: el occidental, dominado por EE. UU., y el soviético, liderado por la URSS.

Características de las Vanguardias Artísticas

El arte de vanguardia es entendido como una búsqueda constante. Aporta nuevas alternativas, rompiendo con la tradición y desvinculándose del gran público. Los artistas lanzan textos teóricos, manifiestos, entrevistas, artículos y libros, un material teórico fundamental que forma parte integral de la práctica artística. Se marcan dos vías de expresión principales: la figuración y la abstracción. Esta distinción es, sin embargo, difícil de delimitar, ya que existe arte figurativo con elementos abstractos.

La tecnología es una clave para las vanguardias. El arte moderno es aquel que asume, acepta e integra las nuevas tecnologías de la imagen. Este arte, innovador y provocativo, que en un principio fue rechazado por el público, finalmente es asimilado y hoy en día está plenamente integrado, encontrándose en los museos más importantes.

Fauvismo: La Explosión del Color

En el Salón de Otoño de París de 1905, Louis Vauxcelles denominó fauves (bestias salvajes) a un grupo de artistas. La razón fue la violencia cromática que presentaban sus obras, la cual se alejaba de la búsqueda de la representación fiel de la realidad en el arte, una constante desde el Renacimiento. Los pintores fueron los creadores del Fauvismo, un movimiento que en 1907 ya había perdido su fuerza inicial. Se caracteriza por la importancia del color, agresivo y aplicado de forma arbitraria, apreciándose la influencia de Gauguin y de Van Gogh. Manifestaron su descontento con la realidad capitalista, afirmando el derecho del artista a presentar y deformar de manera primitiva los objetos y fenómenos. Los principales componentes del grupo fueron: André Derain, Henri Matisse y Maurice de Vlaminck.

Características del Fauvismo

• Se pinta lo que se siente, no lo que se ve.
• Revolución pictórica centrada en el color.
• El color es la clave: se utiliza de manera subjetiva, arbitraria, apasionada y expresiva.
• Aplican el pigmento en manchas planas, con pincel, espátula o directamente del tubo.
• La línea recupera protagonismo, con trazo grueso.
• La luz y la perspectiva pasan a un segundo plano.
• La composición tiende al plano único, influenciada por Gauguin.
• La temática incluye interiores, paisajes, bodegones, entre otros.

Henri Matisse: Maestro del Color Fauve

Pintor francés, impulsor del Fauvismo y uno de los pintores más importantes del siglo XX. Para él, un cuadro debe tener su propia autonomía, y el color debe aplicarse y combinarse de acuerdo con criterios emocionales y decorativos.

Características de sus Obras

Tras sus viajes a España, África y Tahití, sus colores se vuelven más expresivos e introduce arabescos. Le influyeron los impresionistas, posimpresionistas, Van Gogh, Cézanne y Gauguin. Influirá en la mayoría de los ismos posteriores. Defiende la obra como creación de la mente. Sus cuadros hablan a través del color. Organiza la obra en planos de color que transmiten volumen, espacio y sentimientos. El color lo aplica en bandas independientes buscando una nueva armonía.

Trayectoria Artística de Matisse

Comienza en el periodo impresionista. Hasta 1904, en el llamado periodo oscuro, realiza paisajes y bodegones de gran solidez estructural y planos de color, como Platos y fruta y Bosque de Boulogne. Sus cuadros tenían influencia del neoimpresionismo puntillista, con pinceladas gruesas, como en Lujo, calma y voluptuosidad. Hacia 1905 presenta obras diferentes:

• La alegría de vivir: Obra que marca los principios del fauvismo. Utiliza colores vivos y planos que no se corresponden con la realidad, y líneas ondulantes decorativas. Es una obra alegre y optimista.
• Mujer de la raya verde: Retrato de su mujer realizado con colores vivos y fuertes, y contrastes a base de superficies planas de color. Las líneas de contornos limitan las formas de la cara y el vestido de forma brusca. Destaca la famosa raya verde.
• Retrato de Derain: Refleja la gran amistad entre los miembros del movimiento, como André Derain o Maurice Vlaminck.
• Naturaleza muerta con tapete rojo: Su viaje a África le impresionó los trabajos de arte popular, como los tejidos y las cerámicas.

En 1908 pinta La habitación roja, obra que combinó tres géneros pictóricos en uno: bodegón, interior y paisaje, además de la figura humana. En 1907, conoció a Pablo Picasso y realizó su primer viaje a Italia. Considerado líder del radicalismo artístico, obtuvo la aprobación de la crítica y de los coleccionistas de arte. Recibió encargos de paneles murales cuya temática fue la danza y la música, como La danza y La música. Fascinado por las culturas primitivas, lo reflejó en La danza. La composición posee un ritmo vivo, con figuras deformadas y reducida a tres colores. La imagen se desprende de todo lo superfluo en favor de la representación del movimiento. La versión definitiva de La danza presenta una mayor viveza cromática, inspirada en la cerámica arcaica y en danzas campesinas, con un dibujo sintético y tres colores: verde, azul y bermellón.

Después viaja a Marruecos e hizo Jardín marroquí, una composición abstracta de verdes y rosas. El estallido de la Primera Guerra Mundial provocó el traslado del pintor a Collioure, donde conoció a Juan Gris. En 1916 comenzó una etapa de intimismo con obras de interiores, desnudos y naturalezas muertas como temas predominantes. En 1925, viaja de nuevo a Italia y su estilo se hace más robusto, como en Figura decorativa sobre fondo ornamental, donde el desnudo se sitúa en un decorado oriental. También destaca Odalisca con pantalones grises, de temática orientalista.

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial expuso con Picasso en Londres. Entre 1947 y 1951 se encargó de la decoración de la Capilla de Santa María del Rosario en Vence. En sus últimos años, se dedicó al découpage, creando obras de un brillante colorido, como La piscina, una de sus obras más ambiciosas, y Desnudo Azul II. Recibió influencias de corrientes como el Neoclasicismo, Impresionismo, Realismo y Neoimpresionismo. Fue también un excelente escultor y dibujante. Su obra se caracteriza por su simplicidad, alegría, fuerza y expresividad. Falleció en 1954.

André Derain: De Fauve a Clásico

Con 18 años ingresa en la Academia Carrier, donde conoció a Matisse y Maurice Vlaminck. Expuso por primera vez en el Salón de Otoño en 1906, junto a Matisse, Maurice y Charles. Derain tenía gran admiración por Van Gogh y Cézanne. Pintó una serie de obras fauvistas, entre estas Una esquina en Hyde Park, El puente de Londres y El puente de Westminster. En esta época, sus paisajes rurales y urbanos muestran características del fauvismo, con pinceladas irregulares, colores puros y ausencia de perspectiva realista. En 1908 destrozó algunas de sus obras y se dedicó a pintar paisajes inspirados en la obra de Cézanne. Al finalizar la Primera Guerra Mundial, se dedicó a realizar dibujo clásico. La influencia de Cézanne le llevó a pintar con colores más sosegados y composiciones más realistas. En 1910 se aproximó al cubismo, realizando obras geométricas. Su obra mostró la influencia de diferentes estilos, con un cambio total en el color y una técnica más elaborada. En 1947 hizo diseños para diferentes ballets. También realizó ilustraciones. Obras destacadas incluyen: Las bañistas, Naturaleza muerta con cerezas, El artista en su estudio y Madame Guillaume.

Maurice de Vlaminck: La Fuerza del Color

Conoce a André Derain. En 1900, compartieron un estudio en Chatou. En 1913 viajaron a Marsella y a Martigues, donde se hicieron retratos mutuamente. Expuso por primera vez en el Salón de Otoño de París en 1905. La muestra causó gran impresión y escándalo entre el público y la crítica. En 1907 visitó una retrospectiva de Paul Cézanne. En 1911 viajó a Londres, donde pintó ríos y puentes. En estas obras, podemos observar cambios que se produjeron en su pintura: los cielos empezaron a ser tempestuosos. Durante la Primera Guerra Mundial, época en la que empezó a escribir poesía. La mayor parte de sus obras las pintó cerca del Sena. Sus temas más frecuentes durante la Segunda Guerra Mundial fueron paisajes y bodegones, con una sombría paleta de colores y con pinceladas gruesas. Fue autodidacta, huyó del academicismo y pintaba todo lo que pasaba a su alrededor. Una gran influencia fue Van Gogh, especialmente en el uso del color.

Cubismo: La Fragmentación de la Realidad

Contexto Histórico del Cubismo

Las características del Cubismo parten de un proceso histórico con implicaciones políticas, económicas, culturales y artísticas. Muchas cosas estaban cambiando a finales del siglo XIX y principios del XX. El desarrollo tecnológico llegó a un punto espléndido. La invención del automóvil y del aeroplano cambió la percepción de la distancia y del tiempo. Las transmisiones inalámbricas cambiaron los parámetros de comunicación. La creación del cinematógrafo permitió la incorporación del movimiento a la imagen, con consecuencias para las artes visuales.

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, que nació en Francia y fue encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Robert Delaunay, Jean Metzinger, Albert Gleizes y Juan Gris. Esta tendencia dio lugar al resto de vanguardias europeas del siglo XX. Rompe con la pintura tradicional. Su principal aportación es la representación de las formas por medio de figuras geométricas en un único plano. El término cubismo fue acuñado por el crítico Louis Vauxcelles, quien, al ver las obras de Braque, dijo que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se pintan sobre todo bodegones, paisajes y retratos. Eliminan los colores sugerentes y se utilizan tonos apagados: grises, verdes y marrones. En el cuadro se llega a pegar o clavar en la tela todo tipo de materiales hasta formar collages. Propone una abstracción progresiva de la realidad. Del Trecento incorpora las técnicas del punto de vista alto y de los puntos de fuga. Los máximos representantes del Cubismo son Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.

Características del Cubismo

• Síntesis y geometrización: Yuxtapone diferentes planos en uno solo.
• Ruptura con la imitación de la naturaleza en el arte: Se aleja de la representación naturalista.
• Sintetiza las figuras a su mínima expresión geométrica, mostrando también en un solo plano los diferentes puntos de vista del objeto.
• Incorporación de técnicas no pictóricas: Introducen el collage.
• Supresión de la perspectiva y el claroscuro.
• Figura y fondo forman un todo en el mismo plano.
• Superposición de planos.
• Predominio de la forma sobre el fondo: El análisis visual y los elementos plásticos en sí mismos tienen el protagonismo.
• Son frecuentes los instrumentos musicales, frutas y objetos cotidianos.
• Preferencia por el bodegón y la figura humana.
• Influencia del Postimpresionismo.
• Influencia de la escultura africana y del arte ibérico.
• Influencia del desarrollo tecnológico.
• Influencia del pensamiento científico: Especialmente de las teorías de Albert Einstein, de ahí el concepto de las perspectivas superpuestas del cubismo.
• La fotografía liberaba a la pintura de imitar la naturaleza y el cine de la obligación de contar historias.

El primer lienzo cubista fue Las señoritas de Aviñón de Pablo Picasso en 1907. El cubismo como movimiento desapareció muy pronto, en 1914, con el inicio de la Primera Guerra Mundial. Aun así, se convirtió en fuente de inspiración para artistas y comunicadores visuales. Su influencia en el arte contemporáneo es innegable. El arte como una realidad autónoma: ese principio abrió las puertas a la creatividad y la originalidad en el arte occidental. La difusión del cubismo inspiró la creación de nuevos grupos como el Futurismo, el Suprematismo, el Neoplasticismo, el Constructivismo y el Purismo. El cubismo también influyó en el diseño gráfico, lo que fue posible mediante el collage y la integración de la tipografía en el arte.

Pablo Ruiz Picasso: El Genio Polifacético

Creador de diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, como el cubismo, la escultura neofigurativa, el grabado, el aguafuerte, la cerámica artesanal y la escenografía para ballets. Pintó más de dos mil obras. José Ruiz, pintor y profesor de la Escuela de Bellas Artes de Málaga, se encargó de iniciarle en el dibujo y la pintura. Realizó sus primeras pinturas con 10 años y a los 15 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. En 1904, en París, Picasso se trasladó al barrio bohemio de Montmartre. Tuvo esposas y amantes que le sirvieron de modelo en las diferentes etapas de su vida. En lo político, Picasso se declaró comunista hasta su muerte.

Trayectoria Artística de Picasso

Periodo de Formación (1895-1900)

Picasso utilizó un estilo personal que hizo evidente sus cualidades como pintor. Transcurre bajo la influencia del Modernismo catalán, manifestando el afán por representar la figura humana. Obras como Ciencia y Caridad y La muchacha de los pies descalzos. Presenta rasgos de la pintura del Siglo de Oro. Con influencias de Velázquez, Goya o El Greco, usa la rapidez del trazo y el cromatismo sombrío.

Periodo Azul (1901-1905)

Empieza a pintar en azul tras el suicidio de su amigo Carles Casagemas, quien se convierte en un motivo recurrente en algunas de sus obras, como La muerte de Casagemas. Los cuadros se tiñen de melancolía para retratar las condiciones de vida de las clases marginadas. Destaca un delicado equilibrio entre el realismo social y un personal expresionismo, como en Mujer con los brazos cruzados o Dos hermanas. La gama cromática es fría y acerada, los fondos desnudos, y los personajes lánguidos y esbeltos con cierta influencia de El Greco. Aparecen personajes perdidos, como en El viejo guitarrista y La vida.

Periodo Rosa (1905-1906)

Recibe este nombre por el cambio a un cromatismo cálido, con tonos terrosos y grisáceos. Coincide con su primera pareja, Fernande Olivier. El color es más luminoso y dulce, de tonalidades cálidas. Líneas más suaves y delicadas; los personajes no expresan emociones intensas. Los personajes son artistas de circo, acróbatas, arlequines y payasos, como en Acróbata, Madre e hijo y Arlequín.

Periodo Precubista: Época Negra (1906-1907)

Influida por Cézanne y por el arte primitivo africano e ibérico. Emplea planos angulosos sin fondo ni perspectiva, con proporciones poco ortodoxas. El interés por el primitivismo explica las distorsiones de los desnudos y de sus primeras esculturas. Surge la esquematización y geometrización de las formas, consiguiendo expresividad a través de elementos simples y arcaicos. Predominan colores ocres y rojos, que otorgan dramatismo. Las caras de los personajes empiezan a parecerse a máscaras africanas. El resultado de todas esas influencias está patente en su obra Las señoritas de Aviñón, con trazos angulosos y las caras con apariencia de máscara, marcando el principio de las etapas picassianas: el cubismo. Esta obra supuso un punto de partida para Picasso. Abandonó los cánones de profundidad espacial y perspectiva. Reduce la obra a un conjunto de planos, sin fondo; las formas están marcadas por líneas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su periodo rosa. Su estructura y composición deriva de Las grandes bañistas de Cézanne. El cubismo fue la etapa siguiente y la más representativa de Pablo Picasso, desde 1908 hasta 1916. Trata las formas de la naturaleza a través de distintas formas geométricas.

Cubismo Analítico (1908-1910)

Se centra en el análisis exhaustivo del motivo, que llega a descomponerse en tantos planos de sus distintos puntos de vista, como en Paisaje con dos figuras (1908). En 1909, Picasso viajó con su pareja a España. Pintó y dibujó naturalezas muertas, paisajes y retratos de Fernande, como Mujer con peras. Esta fase se basa en la descomposición de la imagen. El color es lo menos importante; lo fundamental es la imagen. Utiliza colores grises y neutros, como en Muchacha con mandolina.

Etapa de Madurez y Diversificación Estilística (1935-1972)

Picasso rehúsa adherirse a corrientes pictóricas y hace gala de un expresionismo personal, con numerosos estilos y formas de expresión. Utiliza la pintura como modo de expresar los males de su época. El Guernica, lienzo de gran formato en el que plasma el trágico bombardeo perpetrado por la aviación alemana e italiana contra la II República en Guernica durante la Guerra Civil Española. Picasso aceptó el encargo del gobierno de la República para incorporarlo al Pabellón Español de la Exposición de París. Desde entonces, se ha convertido en un icono antibelicista del siglo XX. Dora Maar fue la compañera del pintor mientras realizó El Guernica. Mientras duró la relación, fue su modelo principal y el tema de algunos de sus retratos, como Retrato de Dora Maar (1939). Tras la Segunda Guerra Mundial, realizó La Paloma o La Paloma de la Paz con flores. En sus últimos años se dedicó también a la cerámica y a la escultura. Una de sus obras más representativas es El hombre del cordero. En la Costa Azul, realizó versiones de obras famosas, como Las Meninas (de la que hizo más de 50 versiones), Mujeres de Argel de Delacroix y Desayuno en la hierba de Manet.

Escultura y Cerámica de Picasso

Rompió con la tradición formal e introdujo la descomposición geométrica y las concavidades, que sirven para incorporar el vacío como elemento escultórico. Realizó esculturas introduciendo nuevos materiales, como en Cabeza de mujer.

Juan Gris: El Cubismo Sintético

En su adolescencia fue ilustrador de publicaciones. En 1906, se fue a París, donde conoció a Picasso, Fernand Léger y Georges Braque. Sus intentos como pintor en el cubismo datan de 1910, cuando fue dejando la ilustración. En 1912, dio el salto al cubismo con pinturas en el Salón de París. Se aprecia la influencia de Cézanne, aunque derivó hacia un estilo geométrico muy colorista, con predominio del azul, verde y el violeta. Fue el maestro del cubismo sintético. Introdujo el método en la práctica cubista. Sus obras tienen un estilo muy personal. Las formas se implican siguiendo una estructura clara y regular. Convive con el sombreado, creando ritmos visuales y armonías. En 1913, en Francia, empezó a trabajar la técnica del papier collé, una de sus grandes aportaciones al cubismo. Obras como El desayuno. A diferencia de Braque y Picasso, aporta características diferentes como la recreación del volumen y la luz. En sus últimos años diseñó escenografías para montajes de ballets de Diáguilev.

Georges Braque: Pionero del Cubismo

Junto a Juan Gris y Picasso, fue uno de los representantes clásicos del cubismo. Antes fue miembro del fauvismo. Conoció la pintura de Cézanne y a Pablo Picasso, lo que hizo cambiar su estilo. Picasso y Braque consiguieron que el cubismo se asentara como una de las vanguardias más sólidas y evolucionara hacia otros caminos. Prefirió las naturalezas muertas, a menudo acompañadas de paisaje.

Fases en el Cubismo de Braque

En su primera época, pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares a base de cubos. Utiliza tonos cromáticos apagados.

Cubismo Analítico (1909-1912)

Los objetos quedaban descompuestos hasta el punto de ser irreconocibles. Ignoraba el cromatismo; lo interesante era captar los diferentes puntos de vista y la geometrización. Ejemplo: Mujer con mandolina.

Cubismo Sintético y el Papier Collé

Introdujo el empleo del collage y la incorporación de caligrafías y números. Incluía recortes de periódicos y revistas, etiquetas de licores, paquetes de cigarrillos, papeles coloreados y todo tipo de objetos. Picasso, fascinado, se permitió imitar y mejorar esta técnica, hasta el punto de que a él se le considera el inventor del collage. Braque entró en la Primera Guerra Mundial. A su regreso, desarrolló un estilo propio, uniendo forma y color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algunos paisajes y realiza multitud de bodegones. En 1912, después de ver en un comercio papeles pintados, pensó cómo incorporarlos a su proceso creativo y con ello crear el primer papier collé (papel pegado).

Expresionismo: El Grito del Alma

Surgido en Alemania, el Expresionismo trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de los estados de ánimo del autor. Marcó el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto. Es una pintura subjetiva que exagera y deforma. Con influencias de Goya, El Greco y Edvard Munch. Dos grupos de artistas del movimiento fueron los llamados Die Brücke (El Puente) en Dresde, formado por Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel y Emil Nolde, y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) en Múnich, formado por Vasily Kandinsky, Franz Marc y Paul Klee, ambos con objetivos y rasgos comunes. Las obras de estos artistas fueron ridiculizadas por Hitler en la exposición de Arte Degenerado de Múnich en 1937. El expresionismo se desarrolló en distintas fases; entre 1905 y 1920, sufrió el terrible impacto de la Primera Guerra Mundial. Posteriormente, sus representantes fueron perseguidos por los nazis.

Premisas del Expresionismo

La primacía de lo subjetivo, fantástico, deforme o irracional caracteriza la estética expresionista, que se desarrolló en Alemania en el siglo XX. El deseo de subjetividad constituía la base estética expresionista, materializada en las artes plásticas, la literatura y la música. El expresionismo surgió como reacción al Impresionismo y la visión objetiva de la naturaleza. Los pintores proponían una visión más subjetiva, una interpretación personal y apasionada. Suponía también un rechazo de los valores de la sociedad burguesa y planteaba el arte como un instrumento de crítica político-social. Las culturas primitivas proporcionaron un modelo para la renovación artística, basada en la intuición y la creatividad. La influencia de algunos pintores posimpresionistas, como Van Gogh, fue notable. Los dibujos infantiles y el arte de los enfermos formaron parte de las investigaciones de estos artistas. El concepto tradicional de belleza fue rechazado por la creación expresionista, que deformó las figuras para extraer de ellas una visión cruda y personal, resaltando la soledad, el dolor y el horror de la guerra.

No tenían relación directa entre ellos, pero compartían la intención de reflejar la realidad de forma subjetiva y patética. Los precursores fueron James Ensor, Edvard Munch y Georges Rouault.

Edvard Munch (1873-1944): La Angustia Existencial

Pintor y grabador noruego. Refleja los problemas psicológicos de la sociedad, la enfermedad y la muerte. El grito, su obra más conocida, es una expresión de la soledad, angustia y miedo al sentir la naturaleza, con colores irreales, situando en el centro a la persona en situación desesperada. Tras conocer la obra de Gauguin y Van Gogh, dio vida a un lenguaje personal de profundos valores simbólicos y una línea sinuosa y continua derivada del Modernismo. Su obra transmite un sentimiento trágico y una condición de inquietud, mostrando las fuertes emociones del alma humana. Abandonó la representación directa y literal para la expresión de las ideas y emociones subjetivas, conectando con el Simbolismo entre 1885 y 1910. Su interés por la muerte, la enfermedad y el pecado es recurrente. La obra de Munch se aparta de la de sus contemporáneos por la intensidad con que expresa sus sentimientos.

La primera generación expresionista estuvo formada por los grupos Die Brücke, creado en Dresde en 1905, y Der Blaue Reiter, constituido en Múnich en 1911. Después de la Primera Guerra Mundial, surgió un nuevo movimiento: la Nueva Objetividad, en 1918. Fue el heredero de la estética expresionista, con un tono crítico y agresivo. Destaca Otto Dix, cuyo trabajo pictórico abarca muchos estilos, principalmente por sus pinturas sobre la guerra. Aparecieron también artistas expresionistas en otros países europeos, como Oskar Kokoschka. En sus retratos, buscaba captar la esencia de los personajes representados, hasta el punto de querer retratarles el alma.

Características del Expresionismo

• La figura se deforma para resaltar el sentimiento.
• Construcción del espacio oblicuo y superposición de escenas.
• Preferencia por las formas angulosas y por el uso de la perspectiva no-natural, arbitraria.
• Colores expresivos: resplandecientes, vibrantes, bien fundidos o separados. Utilizan pasta gruesa, martillada y áspera, y colores patéticos.

Die Brücke y Der Blaue Reiter: Grupos Fundamentales

Die Brücke surge en Dresde en 1905. Compuesto por Fritz Bleyl, Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff, estudiantes de arquitectura de familias burguesas y sin formación académica pictórica, decidieron organizar un taller colectivo y romper radicalmente con el arte anterior. Revivieron la técnica alemana del grabado en madera, lo que influyó en el trazo de las líneas de sus dibujos y en las pinceladas quebradas e incisivas. Tenían un estilo poco convencional para su época: estaban de acuerdo con la lucha por la libertad e independencia absoluta. Esto se reflejó en su temática y estilo de vida. Querían crear un arte que no imitase la realidad. Los artistas más representativos son Kirchner y Heckel. El término Brücke (puente) hacía referencia a la idea de unión entre sectores. En 1906 se unió al núcleo principal Emil Nolde y se organizó la primera exposición colectiva.