Pintura Barroca Española: Influencias y Rasgos Distintivos

La Pintura Barroca Española se caracteriza por una fundamental influencia de la pintura italiana, especialmente del tenebrismo de Caravaggio, una corriente que marcó a gran parte de los pintores españoles, como José de Ribera y Diego Velázquez.

Características Clave de la Pintura Barroca Española

• Su gran naturalismo y realismo, manifestado en el deseo de mostrar la realidad de la manera más fiel posible.
• La sencillez y el equilibrio en las composiciones y las formas. A diferencia de las obras italianas, no se observa un movimiento violento o impetuoso, prefiriéndose organizar el tema en el cuadro a partir de líneas diagonales y escorzos.
• El dibujo cede terreno a una utilización más natural del color.
• Una mayor preocupación del artista por la profundidad, culminando con el pleno dominio de la perspectiva aérea.
• La luz se concibe como un elemento organizador de los ambientes donde se desenvuelven las figuras, contribuyendo a crear atmósferas que transmiten la realidad de los temas.
• En cuanto a la temática, predominan los temas religiosos (santos, martirios, Inmaculadas). Entre los temas profanos, sobresalen los mitológicos (por clara influencia de Rubens), los bodegones, las escenas de género, los retratos, los desnudos y los paisajes.

Evolución en los Siglos XVII y XVIII

A finales del siglo XVII, la capacidad pictórica nacional muestra signos de agotamiento, lo que propicia la intromisión de obras y artistas extranjeros, culminando con el cambio de dinastía. En el siglo XVIII, se observa un cambio en el desarrollo de las características pictóricas:

• Los temas profanos adquieren mayor importancia, y el tratamiento de los temas religiosos se vuelve menos dramático, una circunstancia que contrasta con el realismo cruento de la primera etapa.
• Aparece también el empleo de una iluminación más dispersa y suavizada, ya muy próxima al Rococó francés.

Obras y Artistas Destacados del Barroco

Arquitectura y Escultura Barroca Italiana

Basílica de San Pedro del Vaticano

Fachada (Carlo Maderno)

• Predominio de la horizontalidad frente a la verticalidad.
• Uso de columnas corintias gigantes.
• La parte central está adelantada.
• Sobre la balaustrada hay esculturas.

Plaza (Gian Lorenzo Bernini)

• Diseñada a partir de la fachada de la Basílica de San Pedro.
• Creó un espacio trapezoidal (Piazza Retta) delimitado por dos brazos que convergen y terminan en otro espacio de forma elíptica, donde se encuentran un obelisco y dos fuentes.
• La plaza está rodeada por un pórtico de columnas rematado con una balaustrada con esculturas.
• La forma oval de los brazos simboliza la acogida de la Iglesia a sus fieles.

San Carlo alle Quattro Fontane (Francesco Borromini)

• Edificio de planta romboidal.
• En su interior, presenta grandes columnas agrupadas de cuatro en cuatro, entre las cuales se disponen nichos y vanos.
• Posee un gran entablamento sobre el que se apoyan pechinas y arcos de medio punto que sostienen la cúpula, decorada con artesonados que producen un juego de luces y sombras.
• En la fachada se combina el orden gigante con el menor.
• La fachada está compuesta por tres vanos: los laterales son cóncavos y el central convexo.
• Dividiendo los vanos en dos cuerpos, la parte inferior se remata con un entablamento ondulante, y el superior con un entablamento fragmentado.
• Incluye un medallón sostenido por ángeles.

Baldaquino de San Pedro (Gian Lorenzo Bernini)

Siglo XVII, Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma

• Es un gran dosel que cubre el altar mayor.
• Sustentado sobre cuatro columnas salomónicas muy decoradas, que se asientan sobre pedestales y poseen capiteles compuestos.
• El entablamento es cóncavo y denticulado, presentando cabalgaduras.
• En la parte superior, está rematado con una bola del mundo y una cruz.

Comentario

• Encargo realizado por el Papa Urbano VIII.
• Se encuentra en el crucero de la Basílica de San Pedro del Vaticano.
• Para su realización, fue necesario extraer una gran cantidad de bronce del Panteón de Agripa.

Éxtasis de Santa Teresa (Gian Lorenzo Bernini)

• Realizada para la tumba del cardenal Cornaro en la Iglesia de Santa María della Vittoria (Roma).
• Representa a Santa Teresa de Ávila en uno de sus episodios místicos, donde un ángel le traspasa el corazón con un dardo.
• A los lados de la escultura, se encuentran palcos con estatuas de la familia Cornaro, que asisten al milagro.
• La escenografía de la capilla es magnífica, aportando riqueza de colores a la obra mediante el uso de mármoles, pinturas y metales.
• Presenta juegos de luces conseguidos con filtros (como el trampantojo en el que unos querubines acompañan al Espíritu Santo).
• En el rostro de la santa se aprecia el trance, sus miembros están descolgados y sus vestiduras se pliegan y están en movimiento.

Pintura Barroca Italiana: El Legado de Caravaggio

El Entierro de Cristo (Caravaggio)

• Representa el momento en que Cristo muerto es depositado en su tumba.
• El punto de vista del espectador está casi dentro de la fosa, lo que permite que el conjunto se vea en escorzo.
• La perspectiva se acentúa por el ángulo de la losa.
• Uso magistral de la técnica del claroscuro, que ilumina selectivamente los rostros y las manos.

La Conversión de San Pablo (Caravaggio)

• Representa esta escena religiosa desde un punto de vista cotidiano.
• San Pablo, un perseguidor de cristianos, cae de su caballo al ser alcanzado por un rayo de luz y, al despertar, se convierte al cristianismo.
• Resalta el movimiento (los brazos abiertos aportan expresividad y teatralidad).
• Gusto por los colores cálidos y abundancia de escorzos en la obra.
• La escena se sitúa en la noche o en un lugar cerrado, no a plena luz del día como se narra en la Biblia.

La Muerte de la Virgen (Caravaggio)

• Óleo sobre lienzo de gran formato, con figuras de tamaño casi real.
• Predominio de tonos oscuros, con escasa presencia de colores vibrantes.
• La Virgen, ya fallecida, se encuentra en el centro de la composición.
• La luz incide sobre ella y su túnica roja.

Comentario

• Caravaggio utilizó un cadáver real como modelo para reflejar los signos de la muerte (pies y vientre hinchados).
• Los demás personajes son María Magdalena y los apóstoles.
• Una tela de terciopelo rojo enmarca la parte superior del cuadro.
• La fuente de luz es indeterminada, lo que añade misterio a la escena.

Arquitectura Barroca Francesa

Palacio de Versalles

• Concebido como una gran ciudad con dos funciones principales: residencia real y sede del gobierno.
• Sus dimensiones inmensas y su suntuosidad servían como propaganda para la monarquía.
• Situado a las afueras de París.
• Su construcción se realizó en tres etapas.

Exterior

• Supera los 500 metros de longitud.
• Posee dos fachadas: la principal (abierta a la ciudad), en la que se combinan entrantes y salientes, y que presenta tres niveles (basamento, columnas de orden jónico y un ático).

Interior

• Las dependencias estaban ordenadas según el recorrido que realizaba el rey.
• Las estancias más importantes son:
  • La Capilla Real palatina, rematada con una cabecera semicircular.
  • La Galería de los Espejos, una sala de fiestas ricamente decorada, donde se colocaron espejos para ampliar ópticamente el espacio.

Pintura Barroca Flamenca y Holandesa

Las Tres Gracias (Peter Paul Rubens)

• Pintura al óleo sobre tabla de tema mitológico.
• Las Tres Gracias (Eufrosine, Talía y Aglaya) eran hijas de Zeus y se encargaban de repartir la belleza y la alegría por el mundo, al servicio de Afrodita.
• Las tres mujeres son el centro de la composición.
• Rubens utiliza varios planos de perspectiva para conseguir una composición circular.
• La obra transmite una sensación de comunicación entre ellas, ya que se miran las unas a las otras.
• Pertenece a la última fase de Rubens, con un paisaje de vegetación y animales.
• Las figuras femeninas son voluptuosas, reflejando el ideal de belleza de la época.
• La luz incide sobre su piel, resaltando sus formas.

La Lección de Anatomía del Doctor Tulp (Rembrandt van Rijn)

• Óleo sobre lienzo.
• Representa al doctor Nicolaes Tulp, un cirujano, impartiendo una lección de anatomía con el cuerpo de un ajusticiado.
• El pintor estuvo presente en la escena, como se evidencia en uno de los asistentes que sostiene un papel con los nombres de los presentes.
• Rembrandt utiliza el claroscuro para dotar a la obra de un significado espiritual, intensificando la escena y destacando el cuerpo del fallecido.
• La composición es piramidal.
• Todos los retratados poseen la misma dignidad.