Realismo:  El siglo XIX fue una etapa de grandes cambios que dieron origen al mundo moderno. La Revolución Industrial impulsó el desarrollo económico y transformó la sociedad, sustituyendo la estructura estamental por una sociedad de clases. Políticamente, se impusieron los sistemas constitucionales frente a las monarquías absolutas, y las potencias europeas expandieron sus imperios coloniales. En lo cultural, surgíó una cultura de masas y aumentó el contacto con otras culturas. En el arte, desaparecíó un estilo dominante y surgieron múltiples corrientes coexistentes.  El Realismo fue un movimiento artístico del Siglo XIX que surgíó como reacción al Romanticismo. Su objetivo principal era representar la realidad de forma fiel, objetiva y detallada, centrándose en la vida cotidiana y en los problemas sociales, humanos y políticos. Rechazaba lo exótico, lo espiritual y lo sentimental, ofreciendo una visión cruda de la existencia. Utilizaba un lenguaje coloquial y crítico, reflejando el habla común, y mostraba a los personajes en relación directa con su entorno económico y social, actuando como reflejo de una época, clase o profesión. El autor adoptaba un papel analítico y de denuncia frente a los males sociales, buscando siempre transmitir la verdad de la forma más verídica posible. En Francia, destacan Gustave Courbet, máximo exponente del movimiento con obras como Entierro en Ornans y El taller del pintor, y Honoré Daumier con Vagón de tercera. En España, los principales representantes fueron Mariano Fortuny (Odalisca), Ramón Martí Alsina (La siesta), Antonio Gisbert (El asesinato de Torrijos y sus compañeros), Eduardo Rosales (El testamento de Isabel la Católica) y José Casado del Alisal (Las capitulaciones de Bailén).Paralelamente surgíó la Escuela de Barbizón, centrada en el paisaje y en el estudio directo de la naturaleza. Rechazaron la visión pintoresca del campo y buscaron un análisis riguroso del entorno natural, que daba a sus obras una carga emocional. Entre sus miembros se encuentran Théodore Rousseau (Encinas), Jean-Baptiste Corot (Autorretrato), Jean-Françoís Millet (Las espigadoras), Charles-Françoís Daubigny (Pintura típica de Seine y Oise), Jules Dupré, Díaz de la Peña y Constant Troyon. También en esta época aparecíó la Hermandad Prerrafaelita en Inglaterra, fundada en 1848 por Millais (La joven ciega), Rossetti (El prado arbolado) y Hunt (La luz del mundo). Rechazaban el arte académico del Siglo XIX por considerarlo superficial y abogaban por volver al detallismo y colorido de los pintores anteriores a Rafael. Aunque como grupo duraron pocos años, su influencia se extendíó hasta el Siglo XX. Este movimiento es conocido como prerrafaelismo.

IMPRESIONISMO: El Siglo XIX fue una etapa de grandes cambios que dieron origen al mundo moderno. La Revolución Industrial impulsó el desarrollo económico y transformó la sociedad, sustituyendo la estructura estamental por una sociedad de clases. Políticamente, se impusieron los sistemas constitucionales frente a las monarquías absolutas, y las potencias europeas expandieron sus imperios coloniales. En lo cultural, surgíó una cultura de masas y aumentó el contacto con otras culturas. En el arte, desaparecíó un estilo dominante y surgieron múltiples corrientes coexistentes. 

El Impresionismo fue un movimiento pictórico que surgíó en Francia en la segunda mitad del Siglo XIX y cuya importancia no se encuentra tanto en las innovaciones técnicas como en su espíritu de cambio y renovación artística. Los impresionistas intentaron capturar la luz y el instante sin centrarse en la identidad de los objetos que la reflejaban. El término fue acuñado con tono irónico por la crítica a raíz del cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Su estilo se caracterizó por el uso de una pincelada corta y enérgica, con variaciones en la aplicación del óleo que iba desde una textura densa hasta efectos casi acuarelados. Pintaban al aire libre y se interesaban por nuevos temas como paisajes, marinas, escenas urbanas y nocturnas, interiores iluminados artificialmente, fiestas populares y personajes marginales. Frente a los contenidos grandilocuentes propios de la pintura burguesa, los impresionistas apostaron por escenas cotidianas y banales

También introdujeron una nueva forma de tratar el espacio, desplazando las figuras del centro de la composición o cortándolas por los bordes, imitando el encuadre de la fotografía. La luz adquiríó un papel protagonista y el colorido se volvíó más luminoso, eliminando el negro, ya que consideraban que no existía en la naturaleza. Usaron gamas de blancos, azules, rojos, rosas y violetas, y para las sombras aplicaron colores fríos y brillantes, combinándolos en ocasiones con tonos complementarios. El interés no residía en el objeto representado, sino en el efecto cambiante de la luz sobre él. El cuadro se concebía como algo inacabado que el espectador debía completar mentalmente

La industrialización permitíó que los artistas pudieran salir a pintar al exterior con tubos de pintura, pinceles y lienzos, lo que antes era impensable. Los impresionistas solían reunirse en el café Guerbois y, ante el rechazo de los Salones oficiales, fundaron una sociedad anónima en 1874 que tuvo corta duración

Claude Monet fue el pintor más representativo del movimiento y su trayectoria abarcó todas sus fases, desde los inicios hasta su disolución, siendo especialmente conocidas obras como La estación de Saint-Lazare o La catedral de Ruan. Édouard Manet, aunque considerado el padre del Impresionismo, nunca formó parte del grupo ni expuso con ellos y continuó presentándose en los Salones oficiales, a pesar de los rechazos. Fue un artista sofisticado y contradictorio, más interesado en los temas provocadores que en la técnica, y no adoptó los recursos impresionistas hasta los años setenta. Ejemplo de su estilo es Desayuno sobre la hierba, obra polémica rechazada en el Salón de 1863 y expuesta en el de los Rechazados

Camille Pissarro, el mayor del grupo y el más próximo a Manet, actuó como figura unificadora y cultivó tanto paisajes como escenas urbanas, como puede verse en Los tejados rojos. Alfred Sisley representa el impresionismo más puro, dedicándose en exclusiva al paisaje con una visión ordenada, como en Vista del canal de San Martín. Auguste Renoir destacó por su interés en la luz sobre el cuerpo femenino y en los brillos del color blanco, resultado de su experiencia como pintor de porcelanas, y también fue un excelente escultor. Su obra más conocida es Baile en el molino de la Galette. Edgar Degas, por su parte, tuvo formación académica y se centró en escenas urbanas, especialmente con bailarinas. Valoró mucho el dibujo, definíó los contornos de las figuras y prefería la luz artificial. Su tratamiento del espacio, mediante encuadres atrevidos y figuras en movimiento, lo asemeja a la fotografía. Una de sus obras más destacadas es La clase de danza

Cubismo: El Siglo XIX fue una etapa de grandes cambios que dieron origen al mundo moderno. La Revolución Industrial impulsó el desarrollo económico y transformó la sociedad, sustituyendo la estructura estamental por una sociedad de clases. Políticamente, se impusieron los sistemas constitucionales frente a las monarquías absolutas, y las potencias europeas expandieron sus imperios coloniales. En lo cultural, surgíó una cultura de masas y aumentó el contacto con otras culturas. En el arte, desaparecíó un estilo dominante y surgieron múltiples corrientes coexistentes.  El Cubismo, que surge en 1907 con la obra Las Señoritas de Avignon de Picasso, se forma bajo la influencia de Matisse, Cézanne y las máscaras africanas. Junto con Georges Braque, Picasso desarrolla este movimiento que rompe con las convenciones tradicionales de la pintura. El Cubismo elimina la perspectiva y utiliza una paleta de colores apagados, destacando tonos grises, pardos y verdes suaves. Una de sus carácterísticas es la visión simultánea, mostrando un objeto desde varios ángulos, lo que da una sensación de múltiples perspectivas en una sola obra. Este estilo también introduce la técnica del collage, pegando objetos reales sobre el lienzo. Picasso pasa por diferentes etapas en su carrera, como el período azul, donde refleja la miseria y el sufrimiento humano con tonos fríos, y el período rosa, donde los colores se suavizan y sus temas se centran en el circo y la bohemia. Durante el Cubismo, simplifica las formas y enriquece el color. En los años 30, se identifica con la causa republicana a través de su icónica obra Guernica. Georges Braque, quien también es clave en la creación del Cubismo, experimenta con un estilo similar al de Picasso, mientras que Juan Gris, influenciado por estos dos artistas, desarrolla un Cubismo más colorista y libre, aunque más austero en sus últimos años, buscando simplificar sus composiciones a formas geométricas elementales. En el ámbito de la escultura surrealista, se abandona la concepción tradicional de volumen y se da más importancia al espacio. Los escultores como Alexander Archipenko y Henri Laurens aplican técnicas innovadoras, acercando la escultura a la pintura mediante el uso del collage y la incorporación de color. En España, artistas como Pablo Gargallo y Julio González exploran nuevas técnicas en la escultura, como la soldadura, y crean obras abstractas con materiales metálicos, representando figuras y formas con un alto grado de estilización y experimentación.

Este movimiento en la pintura y escultura marca una ruptura radical con las tradiciones anteriores y abre camino a una nueva forma de ver y entender el arte en el Siglo XX.

Surrealismo: El Siglo XIX fue una etapa de grandes cambios que dieron origen al mundo moderno. La Revolución Industrial impulsó el desarrollo económico y transformó la sociedad, sustituyendo la estructura estamental por una sociedad de clases. Políticamente, se impusieron los sistemas constitucionales frente a las monarquías absolutas, y las potencias europeas expandieron sus imperios coloniales. En lo cultural, surgíó una cultura de masas y aumentó el contacto con otras culturas. En el arte, desaparecíó un estilo dominante y surgieron múltiples corrientes coexistentes.  

El Surrealismo es principalmente un movimiento literario, que nacíó con el manifiesto de André Bretón en 1924. Su objetivo era dar conciencia al dadaísmo y explorar la casualidad y la conciencia de manera sistemática. La pintura surrealista aparece en 1925, tendiendo hacia la abstracción e inventando universos figurativos personales. Joan Miró, uno de los máximos exponentes, comienza influenciado por el fauvismo y el Cubismo sintético, pero su estilo se transforma al incorporar elementos fantásticos y surrealistas. Durante la Guerra Civil española, su obra refleja la tragedia, y tras 1945, su lenguaje se vuelve más abstracto.

Otros pintores surrealistas incluyen a André Masson, que se caracteriza por sus dibujos automáticos de escenas de lucha, y Yves Tanguy, cuyas obras muestran elementos extraños en paisajes marinos o galácticos. Salvador Dalí, otro de los más conocidos, se une al grupo surrealista en 1929 y desarrolla su pintura de “crítica paranoica”, con un Realismo casi fotográfico que crea atmósferas oníricas. Sin embargo, tras la Segunda Guerra Mundial, Dalí se dedica más a la comercialización de su obra. En la escultura surrealista, artistas como Constantín Brancusi, con sus formas orgánicas y brillantes superficies, y Alberto Giacometti, cuya obra se caracteriza por figuras alargadas y torturadas, exploran nuevas formas de expresión. Alexander Calder, inventor de la escultura móvil, y Alberto Sánchez, con su escultura emblemática para el pabellón republicano en la Feria Internacional de París, también son representantes destacados del Surrealismo en la escultura.

El Surrealismo dejó una huella profunda en el arte moderno, tanto en la pintura como en la escultura, al desafiar las convenciones tradicionales y explorar nuevas formas de representar la realidad a través del inconsciente y lo onírico

Términos

Realismo

Es un estilo que intenta mostrar la realidad tal y como es, sin adornos. Los pintores realistas hablaban de los problemas de la gente común, como los campesinos o los obreros. Querían que el arte sirviera para abrir los ojos sobre lo que pasaba en la sociedad.

Impresionismo

Pintores que buscaban captar momentos concretos, como la luz de un atardecer o una escena callejera. Usaban colores vivos y pinceladas rápidas. No les importaban los grandes temas históricos, preferían mostrar la vida diaria, el paisaje, el ocio… Cosas que antes no se consideraban “importantes” para el arte.

Postimpresionismo

Un paso más allá del impresionismo. Estos artistas querían expresar más emociones y darle más fuerza a las formas y los colores. Cada uno tenía su estilo propio. Aunque aún pintaban la realidad, se notaba más su punto de vista personal o lo que sentían.

Puntillismo

Técnica que consiste en pintar con pequeños puntitos de colores. Desde lejos, el ojo los mezcla y parece una imagen completa. Fue una forma más “científica” de aplicar lo que los impresionistas hacían con luz y color.

Simbolismo

Aquí el arte deja de hablar del mundo exterior y empieza a hablar del interior: sentimientos, sueños, miedos, fantasías. A veces parece arte misterioso o raro, porque no muestra algo real, sino lo que uno lleva dentro.

Onírico:

 representaciones visuales propias del mundo de los sueños, con escenas fantásticas, irreales o simbólicas que expresan el subconsciente o emociones profundas. Es carácterístico del simbolismo y del Surrealismo.

“Impresión, sol naciente” – Claude Monet:

La obra Impresión, sol naciente, pintada por Claude Monet en 1873, es uno de los ejemplos más representativos del Impresionismo, un movimiento que marcó una ruptura con las técnicas artísticas tradicionales y académicas del momento. En esta pintura, Monet retrata el puerto de Le Havre a primera hora de la mañana, cuando el sol comienza a elevarse sobre el horizonte. La atmósfera es brumosa, y las figuras que la conforman, como las barcas y el humo que emerge de las chimeneas, están representadas de manera difusa, sin detalles nítidos, lo que refleja la fugacidad del momento. El uso de pinceladas rápidas, sueltas y de colores vibrantes es uno de los sellos distintivos de esta obra. Monet abandona el modelado clásico de la figura y, en lugar de crear una imagen clara y precisa, captura la luz en su variabilidad. El color, en lugar de los detalles finos, es el elemento principal de la pintura. El agua refleja la luz del sol de manera brillante, y los contrastes entre las sombras y las áreas iluminadas crean una atmósfera vibrante. Este cuadro no pretende ser una representación exacta y detallada de la realidad, sino una interpretación visual del momento, lo que convierte a Impresión, sol naciente en una pieza clave del Impresionismo. De hecho, fue esta obra la que inspiró el nombre del movimiento, dado que fue criticada por su falta de detalles y precisión, lo que llevó a los críticos a denominarla “impresión” más que pintura.

“El Almuerzo sobre la hierba” – Édouard Manet

El Almuerzo sobre la hierba, pintado por Édouard Manet en 1863, es una obra crucial en el contexto del Realismo y los movimientos que precedieron al Impresionismo. Esta pintura se presentó en el Salón de los Rechazados, donde causó gran controversia debido a su tratamiento audaz de la figura femenina y la ruptura con las normas académicas. En la obra, una mujer desnuda se encuentra sentada en un paisaje junto a dos hombres vestidos. A pesar de la aparente sencillez de la escena, Manet desafía los convencionalismos al no ofrecer ninguna justificación mitológica o histórica para la desnudez de la mujer. La mujer no está representada de manera idealizada, como era común en las representaciones clásicas, sino que se muestra de manera directa y casi despectiva, lo que generó una gran reacción en su tiempo.

Manet emplea una técnica que se aleja del modelado detallado, utilizando colores planos y pinceladas visibles que rompen con el claroscuro y la suavidad de la pintura académica. El fondo carece de profundidad, lo que, al igual que en la figura central, refuerza la sensación de que la escena no está buscando una representación realista, sino una forma de capturar lo inmediato. Su estilo, que mezcla elementos de Realismo con las primeras inquietudes impresionistas, muestra una representación contemporánea y directa de la vida urbana. El contraste entre los personajes y el paisaje, junto con la sencillez de la composición, subraya la modernidad de Manet, quien fue un precursor del cambio hacia un arte más libre y menos atado a las normas académicas.

“Un domingo en la Grande Jatte” – Georges Seurat

Georges Seurat, con Un domingo en la Grande Jatte (1884-1886), introduce el puntillismo, una técnica innovadora dentro del movimiento Neoimpresionista, que busca estudiar la percepción óptica a través del uso de pequeños puntos de color puro. Esta obra representa una escena de ocio burguesa en una isla del Sena, donde diversas figuras se agrupan en un paisaje pacífico y controlado. La escena parece congelada en el tiempo, casi escultórica, debido a la rigidez de las figuras y la disposición ordenada de los elementos.

La particularidad de esta obra radica en su técnica: Seurat aplica los colores en pequeños puntos de manera meticulosa, lo que provoca que la mezcla de colores se realice en el ojo del espectador, en lugar de en el lienzo. Esta técnica exige que el observador se aleje de la obra para percibir la imagen completa, lo que introduce una nueva forma de interacción entre la obra y su público. En lugar de sombras, Seurat emplea contrastes cromáticos, lo que produce una sensación de luz intensa sin la necesidad de sombrear las figuras. La composición es rigurosamente ordenada y controlada, con planos claramente definidos que aportan profundidad al cuadro. La atmósfera tranquila, la falta de movimiento y la separación entre las figuras refuerzan la idea de una escena casi estática y calculada, lo que convierte a la obra en un estudio sobre la percepción y la luz, más que una representación fiel de la realidad.

“Baile en el Moulin de la Galette” – Pierre-Auguste Renoir:

Baile en el Moulin de la Galette, pintado por Pierre-Auguste Renoir en 1876, es un claro ejemplo del Impresionismo, un estilo que se caracteriza por la captura de la luz natural y la atmósfera de los momentos cotidianos. La obra representa una fiesta al aire libre en el famoso Moulin de la Galette, un lugar de moda en París, donde la clase media se reunía para bailar y disfrutar. Renoir logra capturar la alegría del momento con una luminosidad vibrante que inunda la escena. La luz, filtrada a través de los árboles, baña las figuras, creando reflejos en sus rostros y vestimentas. Renoir emplea pinceladas rápidas y sueltas, lo que da una sensación de movimiento y energía en el cuadro. La técnica impresionista de Renoir difumina las líneas y las formas, disolviendo las figuras y objetos en un mar de luz y color. Esta falta de definición precisa entre los sujetos y su entorno transmite la sensación de un instante efímero, de una escena vivida en un solo momento. Aunque no hay una narrativa explícita, la obra comunica la vibrante vida social de la época y la ligereza del ocio parisino. Renoir, al igual que otros impresionistas, se aleja de la representación detallada para centrarse en la percepción visual, en la captura de un instante que se pierde al momento de ser observado.

“Los jugadores de cartas” – Paúl Cézanne

Paúl Cézanne, con Los jugadores de cartas (1890-1895), se aleja de la técnica impresionista para adentrarse en un enfoque más estructural y geométrico, que será fundamental para el desarrollo del Cubismo.
En esta obra, Cézanne presenta a dos campesinos jugando a las cartas, pero lo hace de una manera que reduce las figuras y objetos a formas geométricas elementales. Los personajes y el entorno están construidos a partir de cilindros, esferas y otros volúMenes, lo que le otorga a la obra una cualidad casi abstracta. Cézanne emplea pinceladas rectas y visibles que construyen el volumen de las figuras sin recurrir al uso de líneas definidas, creando una sensación de solidez. La composición es simétrica, con una botella que divide a los jugadores, lo que genera un equilibrio visual entre los elementos. La obra no busca una reproducción realista de la escena, sino una interpretación de su estructura y permanencia. Este enfoque estructural y su énfasis en la geometrización de las formas influyeron profundamente en el desarrollo del Cubismo y en artistas posteriores como Pablo Picasso y Georges Braque. Así, Los jugadores de cartas se presenta no solo como una escena tranquila y observada con detenimiento, sino también como un avance hacia nuevas formas de entender y representar la realidad.

El Grito” – Edvard Munch:

El Grito de Edvard Munch, pintado en 1893, es una de las obras más emblemáticas del Expresionismo, un movimiento que se enfoca en la representación de las emociones y las experiencias subjetivas del individuo más que en una representación objetiva de la realidad. En esta obra, Munch captura un momento de angustia extrema mediante el uso de colores vibrantes y formas distorsionadas. La figura central, una silueta humana con una expresión de terror, está rodeada por un paisaje turbulento en el que los colores y las líneas parecen fusionarse, intensificando la sensación de caos y desesperación. La pintura transmite una experiencia emocional profunda, representando un estado interno de ansiedad, que puede ser interpretado como una manifestación de la ansiedad existencial y la alienación del ser humano frente a la vida moderna. Esta obra ejemplifica cómo el Expresionismo utiliza la distorsión de la realidad y los colores no naturales para expresar estados emocionales, más que una reproducción fiel de la escena.

“La Noche Estrellada” – Vincent van Gogh:

La Noche Estrellada, pintada por Vincent van Gogh en 1889, es una obra clave dentro del Postimpresionismo, un movimiento que surgíó como una evolución del Impresionismo, pero con un enfoque más personal y emocional. Mientras que los impresionistas buscaban capturar la luz y el color en sus obras, los postimpresionistas, como Van Gogh, se alejaron de la representación exacta de la realidad y se centraron en la expresión subjetiva a través del color, la textura y el movimiento. En La Noche Estrellada, Van Gogh emplea pinceladas gruesas y curvadas para crear un cielo nocturno lleno de energía y movimiento. El uso de colores vibrantes y contrastantes, como el amarillo de las estrellas y el azul profundo del cielo, transmite no solo una representación visual, sino también una carga emocional intensa, como si el propio cielo estuviera vivo y lleno de emoción. Las ondulantes formas del cielo y los árboles contribuyen a crear una atmósfera inquietante, casi surrealista, en la que Van Gogh expresa su propia lucha interna y su conexión con la naturaleza. Así, esta pintura no solo captura un paisaje nocturno, sino que se convierte en una manifestación visual de los sentimientos del artista y su visión del mundo.

Gustave Courbet (1819-1877)

Gustave Courbet fue un pintor francés que se destacó como uno de los principales representantes del Realismo en el Siglo XIX. Su obra se desarrolló en un contexto de agitación política y social, especialmente tras la Revolución Francesa y durante la Comuna de París. Courbet rechazó los temas históricos y mitológicos tradicionales de la pintura académica, y en su lugar optó por representar la vida cotidiana, especialmente la de las clases populares y el entorno rural, con un estilo directo y sin adornos. Esta forma de abordar la pintura fue revolucionaria en su tiempo, ya que rompíó con la idealización de la figura humana y la naturaleza. Entre sus obras más destacadas se encuentran El entierro en Ornans (1849-1850), que muestra un funeral en una pequeña localidad francesa, y El origen del mundo (1866), una provocativa representación de la figura femenina.

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet fue uno de los fundadores del Impresionismo, movimiento artístico que surgíó en Francia en la segunda mitad del Siglo XIX como una reacción contra las normas académicas y el Realismo. Monet se centró en capturar la luz y el color en su forma más efímera, representando momentos fugaces de la naturaleza y la vida cotidiana. Su técnica se caracteriza por el uso de pinceladas rápidas y sueltas, que buscaban capturar la atmósfera y la percepción visual del momento más que una representación detallada y precisa de la escena. Monet no temía mostrar la imperfección en sus cuadros, y esta aproximación innovadora influyó profundamente en el arte moderno. Entre sus obras más significativas se encuentran Impresión, sol naciente (1872), que incluso dio nombre al movimiento impresionista, y El estanque de los lirios (1899), una serie que refleja su fascinación por la luz y el color del agua.

Vincent van Gogh (1853-1890):

Vincent van Gogh fue un pintor postimpresionista que vivíó en la última parte del Siglo XIX. Su obra estuvo marcada por una profunda angustia personal, y sus cuadros reflejan la intensidad emocional que experimentaba en su vida cotidiana. Van Gogh rompíó con el Impresionismo al dar mayor protagonismo a la subjetividad y la expresión emocional a través del color y la forma. Usaba pinceladas gruesas y dinámicas, aplicando colores vibrantes que reflejaban su visión del mundo. Aunque no fue reconocido en vida, hoy se le considera uno de los artistas más influyentes de la historia del arte. Entre sus obras más conocidas están La noche estrellada (1889), que refleja su percepción única del cielo nocturno, y Los girasoles (1888), en los que exploró los contrastes de colores brillantes.

Edvard Munch (1863-1944):

Edvard Munch fue un pintor noruego cuyas obras se desarrollaron a finales del Siglo XIX y principios del XX, en un contexto marcado por las tensiones existenciales de la modernidad. Su obra se asocia principalmente con el simbolismo y el expresionismo, movimientos que se caracterizan por el uso de la distorsión de la realidad para expresar las emociones y la angustia del individuo. En sus pinturas, Munch aborda temas como la muerte, el amor, el miedo y la soledad, con una técnica que usa colores intensos y formas distorsionadas para crear un fuerte impacto emocional. Su obra más famosa, El grito (1893), ha trascendido como símbolo de la ansiedad y la desesperación humana, mientras que otras como La madonna (1894-1895) también exploran la complejidad de las emociones humanas.

Wassily Kandinsky (1866-1944)

Wassily Kandinsky fue un pintor ruso y uno de los grandes pioneros del arte abstracto en el Siglo XX. Su obra se desarrolló en un contexto de transformaciones sociales y culturales, como la Revolución Rusa. Kandinsky abandonó la representación figurativa y exploró la abstracción pura, creyendo que el arte debía expresar emociones y espiritualidad más allá de lo visual. Influyó en el desarrollo del arte moderno, especialmente a través de su uso del color y la forma. Sus obras más importantes incluyen Composición VII (1913) y Improvisación 28 (1912), que reflejan su enfoque innovador hacia el color y la abstracción.

Pablo Picasso (1881-1973)

Pablo Picasso fue un pintor y escultor español, considerado una de las figuras más influyentes del arte moderno. A lo largo de su carrera, Picasso experimentó con una amplia variedad de estilos, pero es especialmente conocido por su papel fundamental en el desarrollo del Cubismo, un movimiento que fragmentó las formas y representó objetos desde múltiples perspectivas. A través de sus innovaciones formales, Picasso rompíó con las convenciones del arte tradicional y permitíó una nueva forma de entender la representación visual. A lo largo de su vida, su estilo evoluciónó, desde sus periodos azul y rosa hasta su madurez cubista. Entre sus obras más célebres se encuentran Les Demoiselles d’Avignon (1907), que marcó el comienzo del Cubismo, y Guernica (1937), una poderosa obra sobre el sufrimiento humano durante la Guerra Civil Española.

Salvador Dalí (1904-1989)

Salvador Dalí fue un pintor español y uno de los máximos exponentes del Surrealismo, un movimiento artístico que surgíó en la década de 1920 con el objetivo de explorar el subconsciente y lo irracional. Dalí se destacó por su habilidad técnica y su estilo único, que combinaba un Realismo meticuloso con escenas oníricas y desconcertantes. Sus obras a menudo presentan paisajes y objetos que parecen estar fuera de lugar, desafiando las leyes de la lógica y la física. A través de sus pinturas, Dalí buscaba liberar la mente de las restricciones de la razón, sumergiendo al espectador en mundos fantásticos e inquietantes. Entre sus obras más significativas se encuentran La persistencia de la memoria (1931), con sus relojes derretidos que desafían la noción de tiempo, y El gran masturbador (1929), una exploración de los deseos y los miedos humanos.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir fue un pintor francés y uno de los máximos exponentes del Impresionismo, un movimiento que surgíó en el Siglo XIX en Francia. Renoir se destacó por su habilidad para capturar la luz y el color en escenas de la vida cotidiana, especialmente en paisajes y retratos de la clase media y alta parisina. Sus obras están marcadas por el uso de colores cálidos, pinceladas sueltas y un enfoque en la atmósfera luminosa y alegre. Aunque comenzó influenciado por el estilo realista, se uníó al movimiento impresionista, buscando captar la fugacidad del momento. Sus obras más destacadas incluyen Baile en el Moulin de la Galette (1876) y El almuerzo de los remeros (1881), que reflejan su enfoque vibrante y dinámico de la vida social.

FAUVISMO:  El Fauvismo fue un movimiento artístico que surgíó a principios del Siglo XX y se caracterizó por la libertad en el uso del color, liberado del dibujo tradicional. Los fauvistas buscaron una mayor expresión emocional a través de contrastes cromáticos intensos, y se basaron en la teoría del color para crear armónías y disonancias visuales. Utilizaron colores primarios (rojo, amarillo, azul), secundarios (como violeta, naranja y verde) y complementarios (colores opuestos en la rueda cromática), generando un contraste visual fuerte y vibrante. La distorsión de la figura, los trazos rápidos y enérgicos y la falta de perspectiva y claroscuro fueron carácterísticas que daban una sensación de espontaneidad a sus obras. A diferencia de otros movimientos, los fauvistas no se preocupaban por la precisión del dibujo, ya que su interés principal era transmitir el sentimiento y la emoción, lo que también se reflejaba en sus temas. Pintaban tanto paisajes rurales como urbanos, desnudos, interiores y escenas alegres que mostraban el gozo de vivir. Los artistas más destacados de este movimiento fueron Henri Matisse (1869-1954), quien fue la figura central del fauvismo y mostró influencias del impresionismo, Cézanne y Van Gogh; Maurice Vlaminck (1876-1958), conocido por su estilo apasionado y su admiración por Van Gogh, y André Derain (1880-1954), que utilizaba colores arbitrarios para crear armónías y disonancias en sus vistas urbanas. Matisse también destacó por su trabajo como escultor y por su famosa obra La danza, mientras que Vlaminck es recordado por su energía desenfrenada y Derain por sus composiciones de paisajes y figuras estilizadas.

Contexto Histórico y Cultural:

A lo largo del Siglo XIX, América Latina vivíó movimientos y procesos revolucionarios que llevaron a su emancipación de las metrópolis europeas, aunque su independencia estuvo condicionada por la influencia de los Estados Unidos.

Historia y Política:

El Siglo XX estuvo marcado por la inestabilidad política en los países hispanoamericanos: revoluciones (mexicana, cubana), dictaduras, gobiernos populistas, guerras internas y movimientos guerrilleros (tupamaros, FARC). En el Siglo XXI, la mayoría de los países tienen regíMenes democráticos que fomentan políticas de justicia social.

Literatura:

Antes de la emancipación, la literatura hispanoamericana adoptó movimientos culturales españoles como el Barroco (Sor Juana Inés de la Cruz) y el Romanticismo (Esteban Echeverría, Gertrudis Gómez de Avellaneda). A principios del Siglo XX, surgíó la búsqueda de una identidad propia, reflejada en corrientes literarias como el Modernismo (presencia de culturas precolombinas), la poesía negra (mestizaje), la novela indigenista, la novela regionalista, y las novelas sobre la revolución mexicana, dictadores y desigualdad social. El Realismo mágico, promovido por Jorge Luis Borges y Juan Rulfo, y consolidado por Gabriel García Márquez, Julio Cortázar y Mario Vargas Llosa, marcó un hito.

Poesía:

Primera mitad del Siglo XX: El Modernismo, liderado por Rubén Darío, Amado Nervo, y otros, dio paso al posmodernismo (1910-1920), que incluye poesía íntima (Gabriela Mistral, Juana de Ibarbourou, Alfonsina Storni, Delmira Agustini) y poesía de vanguardia. Este último engloba el creacionismo (Vicente Huidobro), el ultraísmo (Jorge Luis Borges), la poesía negra (Nícolás Guillén), el Surrealismo (Pablo Neruda, César Vallejo) y la poesía pura (Xavier Villaurrutia, José Gorostiza, Carlos Pellicer).Segunda mitad del Siglo XX: Destacan el Surrealismo (Octavio Paz, José Lezama Lima), la poesía de compromiso (Mario Benedetti, Juan Gelman, Álvaro Mutis), la poesía experimental (Nicanor Parra), y la poesía intimista (Idea Vilariño, Ida Vitale). A partir de los años 70, poetas como Gioconda Belli, Cristina Peri Rossi, y Natalia Litvinova presentan una poesía feminista que explora sensualidad, erotismo y contradicciones.

Narrativa

Hasta los años 40: La novela realista, inspirada en la realidad hispanoamericana, trató temas como injusticias sociales, naturaleza salvaje y tipos exóticos. Subgéneros principales incluyen la novela regionalista (José Eustasio Rivera, Ricardo Güiraldes, Rómulo Gallegos), la novela de la revolución mexicana (Mariano Azuela, Martín Luis Guzmán), y la novela indigenista (Alcides Arguedas, Jorge Icaza, Ciro Alegría).

Años 40: Con la llegada de intelectuales exiliados, la narrativa se renueva con influencias europeas y norteamericanas, destacando autores como Miguel Ángel Asturias (El señor presidente), Alejo Carpentier (El siglo de las luces), y Juan Rulfo (Pedro Páramo).

Boom de la novela hispanoamericana (década de 1960): El “boom” renovó la narrativa con autores como Julio Cortázar (Rayuela), Gabriel García Márquez (Cien años de soledad) y Mario Vargas Llosa (Conversación en La Catedral), alcanzando un reconocimiento internacional.

Posterior al boom (1970 en adelante): La narrativa se enfoca en lo privado, con un auge de la novela histórica, crónicas, autobiografías y diarios, y un humor crítico. La década de los 90 se caracteriza por la experimentación, los juegos intertextuales y una mayor presencia de escritoras, con un enfoque en la revisión de la narración hispanoamericana.