Las Vanguardias Artísticas del Siglo XX

Fauvismo: El Poder del Color

Fue un movimiento desarrollado en la primera década del siglo XX basado en un uso del color totalmente independiente del tema y de la realidad representada. Su objetivo fue hacer de la pintura un arte autónomo de la perspectiva, huyendo de la tridimensionalidad y de la ilusión de espacio, aplicando con libertad el colorido, a veces de manera estridente, con absoluta libertad. El movimiento no tuvo unidad, sino que aglutinó a un conjunto de maestros con estilos diversos.

Características principales del Fauvismo:

• El dibujo se simplifica, perdiendo el interés en el acabado, y se construye con grandes líneas de color. A veces utilizan varios colores en el trazado de una misma silueta, y otras se enmarcan en un contorno oscuro, como en la pintura de los Nabis.
• El color es vivo, estridente, violento, con tonos puros y fuertes. Se emplea de un modo totalmente arbitrario (sin relación con la realidad objetiva), concediéndole un valor subjetivo y emotivo. Se aplica con grandes pinceladas rápidas y vigorosas en amplias manchas planas de tonos contrastados.
• Se renuncia a la representación realista y al claroscuro académico. Se trata de un movimiento expresionista que incide sobre todo en la libertad del artista, que manifiesta en el lienzo sus emociones, sentimientos y actitud de rebeldía.
• Las composiciones son planas. Consideran al tema como algo secundario, por lo que se pinta cualquier cosa, esencialmente paisajes y retratos.
• La pintura adquiere una función eminentemente decorativa. Las obras se pintan al óleo, al *plein air* y en formato pequeño (exceptuando Matisse).

Es una suma de aportaciones personales de artistas que, pese a tener características comunes, diferían en otras.

Los principales representantes son: Maurice de Vlaminck, André Derain, Raoul Dufy y Henri Matisse.

Henri Matisse: El Líder del Fauvismo

Es el jefe del grupo, el mejor representante del Fauvismo y uno de los artistas más importantes del siglo XX. Tuvo un gran reconocimiento en vida por artistas, críticos y coleccionistas.

• Le influyeron los impresionistas, postimpresionistas, *Van Gogh*, *Cézanne*, *Gauguin*, entre otros.
• Defiende la obra como creación de la mente. Sus cuadros hablan a través del color.
• El color lo aplica en bandas independientes, buscando con la estridencia una nueva armonía.
• Organiza la obra en planos de color que transmiten espacio, volumen y sentimientos.
• Tras su viaje a España, África y Tahití, sus colores se vuelven más expresivos e introduce los arabescos en composiciones armónicas.
• Influirá en la mayor parte de los ismos posteriores.
• Fue influenciado en su pintura por las cerámicas persas, el arte africano y las telas moriscas.
• Otro de sus rasgos peculiares es la sensación de bidimensionalidad en cuadros como ***La habitación roja*** y ***Naturaleza muerta con berenjenas***, en los que la ilusión de profundidad se anula gracias al uso de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o en último plano.

Fue un gran conocedor del color, ya que en una primera etapa se alineó con el puntillismo, lo que más tarde aplicaría a su obra, buscando la armonía y la sensualidad.

Descripción de Obra (Mito de la Arcadia)

• El motivo o tema del cuadro es el mito de la Arcadia, una región imaginaria y feliz en la que los pastores se dedicaban, como se ve en el lienzo, a tocar la flauta, hablar, danzar y a enamorarse.
• Todas las figuras están desnudas, algunas de forma sensual, sobre un prado, rodeado de árboles frondosos y que termina en un fondo de azul marino que crea efecto de espacio.
• El dibujo es ondulado y sinuoso, creando sensualidad.
• Se puede observar una composición triangular en el centro del cuadro.
• A la alegría que transmiten los personajes perfilados, prácticamente sin volumen, se añade la fuerza del color, como corresponde al fauvismo.
• En los cuerpos el color es sonrosado, que posan sobre el prado amarillo (creando profundidad).
• En nuestro lado izquierdo predominan los colores cálidos y primarios, mientras que en nuestro lado derecho predominan colores fríos.

Armonía en Rojo (La Habitación Roja)

***Armonía en rojo*** o ***La habitación roja*** es un óleo del artista Henri Matisse (1869-1954) de 1908.

Se trata de una obra de grandes dimensiones y fue pintada por encargo del millonario ruso Sergei Shchukin, coleccionista de la obra del pintor.

Al parecer, Matisse pintó todo el fondo de color azul claro (como aún puede verse en los bordes), pero finalmente lo sobrepintó de rojo intenso.

Se representa un comedor donde una mujer está poniendo la mesa; al fondo, a la izquierda, una ventana muestra «unos árboles blancos, un seto, florecillas y una casita a lo lejos».

Matisse, siguiendo la tendencia subjetivista de los *fauves*, hace un uso subjetivo del color: el pelo de la mujer es naranja y el rojo domina en la composición (de este modo el colorido domina los planos compositivos).

Ni la mesa ni la mujer presentan cualquier tipo de modelado; las formas son planas y completamente bidimensionales.

El dibujo remarcado con líneas negras y los colores planos recuerdan características de la pintura románica. La línea recta de la mesa transmite serenidad, mientras que las formas curvas de la decoración en roleos transmiten sensualidad.

La pincelada cargada y uniforme se impregna de colores puros y primarios, reservando los secundarios para los detalles, siguiendo el gusto detallista de Matisse.

Algunos analistas lo han catalogado como bodegón.

Pablo Picasso y la Evolución del Cubismo

Pablo Ruiz Picasso, uno de los pintores más reconocidos del siglo XX, nació en Málaga en 1881 y murió en 1973.

Su primera obra conocida es ***El Picador*** (1890).

1) Etapa Azul (1901-1903)

Entre 1901 y 1903, Picasso vive un momento de melancolía, ya que su hermana fallece y su mejor amigo se suicida. Además, no gana dinero con sus cuadros y es muy pesimista.

En esta etapa, transmite en sus obras la tristeza, dibujando a mendigos, huérfanos, etc.

Este período se llama así principalmente porque Picasso utilizaba el azul para darle color a sus obras: azul marino, turquesa, azul cielo…

El azul transmite tristeza, frío, pena, soledad.

Ejemplo: ***La tragedia*** (1903)

2) Etapa Rosa

Picasso se siente bien consigo mismo.

Como consecuencia, decide modificar el sentimiento que transmiten sus obras, por lo que se olvida de las tonalidades azules y empieza a utilizar el rosa.

Las obras de esta etapa se caracterizan por tener tonalidades más pálidas y ligeras; las líneas son más suaves y más finas también.

Son cuadros tranquilos de colores delicados y más humanos como el anaranjado, el rosado y el rojo.

Ejemplo: ***Arlequín sentado II*** (1905)

En ***Las Señoritas de Avignon*** (1906-1907), Picasso introdujo numerosas modificaciones en las perspectivas y la composición de los rostros femeninos, reestructurándolos mediante líneas y ángulos. Esta obra terminará dando origen al Cubismo.

3) Pre-Cubismo

Esta fue una etapa de experimentos con cilindros, conos, esferas y cubos. Los temas representados eran bodegones, paisajes y figuras humanas.

4) Cubismo Analítico

• Se parte de la realidad.
• Se somete a una descomposición geométrica en múltiples facetas por medio del análisis.
• Composición triangular a modo de mallas cristalinas, como los minerales de la naturaleza.
• Las líneas rectas se imponen a las curvas.
• Pérdida de la perspectiva.
• Se muestra el objeto desde todos los puntos de vista.
• Cuarta dimensión.
• Color sobrio: grises, ocres, marrones. Color aplicado en puntos.

5) Cubismo Sintético

En 1913, Picasso se plantea seguir otro camino: el Cubismo Sintético. En este momento estaba introduciendo en una obra suya un trozo de hule.

A partir de aquí, los artistas introducen elementos ajenos a los pictóricos (*collages*): cartas, etiquetas, partituras musicales, papeles… de tal manera que a esa composición intelectual del cubismo le están introduciendo elementos reales.

• Parte del cubismo analítico.
• Reducción de las facetas geométricas.
• Composición dinámica por el uso de la línea curva.
• Recuperación de la perspectiva y el espacio.
• Se muestra el objeto desde todos los puntos de vista.
• Cuarta dimensión.

6) Periodo Clásico o Grecorromano

Durante este periodo, Picasso vuelve a sorprender a todos: crítica y público. En vez de acomodarse en el movimiento del que era fundador, es decir, el Cubismo, decide volver a la figuración realista. Así vuelve a pintar desnudos clásicos y retratos, que poco o nada tenían que ver con los de la etapa cubista.

Ejemplo: ***Los enamorados*** (1923)

7) Etapa Surrealista

Entre 1928 y 1932 Picasso se introduce en el movimiento surrealista. En este nuevo periodo sus obras estarán llenas de personajes monstruosos, de gran tamaño y formas distorsionadas.

Ejemplo: ***Bañista a orillas del mar*** (1932)

8) Etapa Expresionista

El bombardeo del 26 de abril de 1937 en Guernica por parte de la aviación alemana marcó profundamente a Picasso. Este hecho conmociona al pintor, quien comienza a pintar un enorme mural que pasará a ser uno de sus trabajos más reconocidos a nivel mundial. El mural, cargado de símbolos, pretendió ser un acto de denuncia del horror de la guerra y de las consecuencias de la misma.

Las obras de estos años están cargadas de sentimientos de horror, pena y tristeza.

Temas sombríos, angustiosos y tristes relacionados con la guerra. El cambio no será solo temático, también hubo un cambio cromático, apareciendo en sus trabajos de nuevo colores oscuros y sombríos.

Ejemplo: ***El Osario*** (1945)

9) Etapa Vallauris

Picasso se muda a Vallauris y abandona la pintura para dedicarse a la cerámica y a la escultura, realizando obras como ***El hombre y el cordero*** (1943).

En esta nueva etapa de su vida se verá influenciado por el nacimiento de dos hijos: Claudio y Paloma.

A raíz de este hecho, en sus trabajos es fácil encontrar temas sobre la maternidad y la infancia, aunque también retoma antiguos temas como el circo y las corridas de toros.

Ejemplo: ***Las Meninas*** (según Velázquez), 1957

La Escultura Cubista: Picasso y Julio González

Pablo Picasso y Julio González se conocen desde la estancia del pintor en Barcelona.

Julio González tenía pleno dominio de la técnica del hierro. Comienza así un trueque de conocimientos y sensibilidades que durará hasta 1931 y que dará como resultado la creación de una serie de obras que revolucionaron la escultura del siglo XX.

Muchas de sus reflexiones al respecto conducían a un nuevo tipo de escultura con un carácter claramente pictórico: «dibujar en el aire».

Julio González aportaba al innovador diseño de Picasso una poética que se inspiraba en los mapas celestes. Las líneas de tensión se interconectan con estos puntos de luz (puntos de soldadura) atrapando el vacío en un espacio definido.

Picasso extrae la habilidad de tratar el hierro y utilizarlo para dibujar en el aire. La obra de González, por su parte, se hace más abstracta, aunque sin perder su vínculo con la figuración, adquiriendo de este modo una mayor expresión y fuerza.

Julio González decide dejar definitivamente la pintura, combinando dos técnicas que procedían de ámbitos distintos: la forja del mundo artesanal y la soldadura autógena del mundo de la industria.

La utilización de ambas técnicas permitía una gran libertad formal, ya que requería poca superficie de contacto para la unión de las partes y proporcionaba una gran ligereza de volúmenes. Siguiendo este camino se convirtió en pionero del arte de la escultura en hierro, aplicando lo que él definía como «dibujar en el espacio».

Se acerca al *collage* con la utilización de materiales diversos como arpilleras, arena…

Formula un lenguaje escultórico. Consistía en sustituir las masas y volúmenes de la escultura tradicional por un nuevo lenguaje hecho de planos, líneas y vacíos, utilizando activamente el vacío y el espacio.

El artista combina estos temas por medio del nuevo lenguaje escultórico que ha venido creando, un lenguaje de varillas, aristas, líneas…

***Mujer ante el espejo*** es un compendio de la nueva etapa de González: tendencia hacia la abstracción, influencia del cubismo en la descomposición de los planos figurativos, dibujar en el espacio, dar protagonismo al vacío.

La Montserrat

González llega a su plenitud creativa con esta obra que se va a convertir en un símbolo. El tema es el de una campesina que lleva a un niño en los brazos y sostiene una hoz en la mano derecha.

Escultura figurativa expresionista y simbolista. El uso de chapas de hierro irregulares y fragmentadas, como si de pura chatarra se tratasen, ayuda a aumentar el carácter trágico de la figura. La mujer defiende con la dignidad y el orgullo de un guerrero su mundo, su familia y su tierra.

Dadaísmo: La Protesta Contra la Razón

El Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916.

Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música y en la poesía.

Características temáticas del movimiento Dadá:

• Protesta continua contra las convenciones de su época.
• Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.
• Medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el escándalo y la provocación.
• Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción, terrorismo, muerte, nihilismo y lo fantasioso.
• Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto y la intuición.
• Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido y la construcción del consciente.
• El movimiento Dadá generó el camino para que nazcan otras corrientes, como el Surrealismo y el *Pop Art*.

Características en la Pintura Dadaísta:

• Renovación de la expresión mediante el empleo de materiales inusuales.
• Montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano, presentándolos como objetos artísticos.
• *Collage* de diversos materiales (papeles, etiquetas, prospectos, diarios, telas, maderas, etc.).
• Fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y la provocación.

Surrealismo: La Exploración del Inconsciente

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del ***Manifiesto Surrealista*** de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Características de la pintura surrealista:

• Propugnan la teoría de lo irracional en el arte. Reivindican la autonomía de la imaginación y el mundo de lo inconsciente.
• No tuvieron un lenguaje formal unitario.
• Creación de imágenes equívocas, de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras.
• Metamorfosis.
• Aislamiento de fragmentos anatómicos.
• Perspectivas vacías.
• Evocación del caos.
• Reivindican el automatismo.
• Tuvieron desde el primer momento una actitud provocadora contra la tradición y las represiones morales o culturales establecidas.
• Representación de toda clase de simbologías, especialmente de carácter erótico y sexual.
• Autómatas.
• Invención de nuevos métodos y técnicas.

Salvador Dalí: El Método Paranoico-Crítico

Características técnicas y estilísticas: Dalí crea su método pictórico, el «paranoico-crítico», frente a la otra corriente surrealista del automatismo (que mezcla la realidad con imágenes no pensadas). Es un método inspirado en el psicoanálisis de Freud y el impacto que le produjo su obra, ***La interpretación de los sueños***. Es un proceso que parte de imágenes reales colocadas arbitrariamente en el lienzo para dejar aflorar las fobias, sueños, alucinaciones y obsesiones del artista, surgiendo composiciones caóticas, delirantes y enigmáticas, que provocan múltiples interpretaciones en el espectador, a través de esas imágenes dobles. Cada espectador verá unas u otras realidades en un cuadro de Dalí, dado que cada uno de nosotros lo interpretamos desde nuestro subconsciente.

Características técnicas de Dalí:

• Gran dominio del dibujo, preciso y detallista.
• Ejecución academicista. Contenido Surrealista.
• Utilización de una paleta suave, sin estridencias.
• Perspectivas clásicas, inmensas, cónicas que dan enorme profundidad a las obras.
• Composiciones limpias y ordenadas pero inquietantes.
• Obsesión por representar la tridimensionalidad de los objetos. Representa el tiempo.
• Figuras equívocas imposibles, descabezadas y convulsas, para después componerlas a su antojo.
• Academicista y clásico en las formas, barroco y rompedor en la ejecución.
• Utilización de elementos oníricos, sexuales y animales (elefantes, tigres, leones, etc.), y frutos.

Joan Miró: El Surrealismo Autómata

Miró es uno de los mejores representantes de la tendencia antiobjetiva del surrealismo. Trabajó no solo la pintura, sino que destaca como escultor, grabador y ceramista.

Fue evolucionando desde su primer contacto con el postimpresionismo, el cubismo, el fauvismo y otras vanguardias hasta un estilo muy personal, lineal, de figuras sintéticas, que según va pasando el tiempo se van estilizando y convirtiendo casi en pictogramas de bordes nítidos e interiores de colores planos. Su técnica era minuciosa y detallista, recordando la de los niños, los enfermos psíquicos o los artistas *amateurs*. Usaba métodos como el automatismo psíquico, lo que hace que la temática de su obra sea difícil de entender, variando desde lo onírico, lo infantil o la tradición catalana.

Es uno de los máximos representantes del Surrealismo Autómata, un proceso artístico en el que se crea de manera rápida, libre, sin control de la razón, para lograr la plena libertad y que fluya el inconsciente, utilizando y repitiendo símbolos.

Futurismo: La Exaltación de la Velocidad

Es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del siglo XX.

• Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
• Toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización.
• Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.

Los artistas buscaron reproducir de manera obsesiva la sensación de movimiento, dinamismo, cambio y transformación, conceptos todos ellos vinculados a la idea de progreso.

Por este motivo se inventó una nueva técnica formal, el *Simultaneísmo*, que consiste en repetir las imágenes de manera superpuesta, constituyendo algo similar a una secuencia fílmica, utilizando colores vivos y muy variados.

Neoplasticismo y De Stijl

El pintor Theo van Doesburg fundó la revista ***De Stijl***, en la que Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas formas artísticas que denominó Neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad. Rechazaba las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a los colores primarios. Su creencia de que un lienzo, es decir, una superficie plana, solo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos. La misión del grupo *De Stijl* es la de crear un nuevo arte internacional con un espíritu de paz y armonía después de la conmoción de la Primera Guerra Mundial, que englobe a todos los artistas.

Expresionismo: La Deformación Subjetiva

• El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, arquitectura, etc.
• Más que un estilo con características comunes, fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.
• Surgido como reacción al impresionismo, los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.