SURREALISMO FIGURATIVO: SALVADOR DALÍ (1904-1989)
Salvador Dalí fue uno de los artistas más significativos del **surrealismo**. Influenciado por las ideas de **Freud** y el **psicoanálisis** o la interpretación de los sueños, el pintor catalán aportó al movimiento surrealista el método **paranoico-crítico**, que consiste en observar una superficie fijamente hasta que la mente hiciera brotar formas o siluetas, asociando imágenes arbitrarias con la voluntad de plasmar sobre el lienzo el mundo irreal: el **sueño**. Su arte es una exageración alucinatoria de ideas sexuales, sádicas, masoquistas y compulsivamente neuróticas. Su técnica es extremadamente detallista. Además de la pintura, diseñó joyas, escenografías, ilustraciones para libros y objetos delirantes.
Nació en Figueras en 1904. Tras la muerte de su hermano, sus padres lo sobreprotegerían. A los seis años pintó su primer cuadro, un paisaje al óleo. Estudió en un centro público y religioso, Hermanos Maristas. En 1921, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En esa época vivía en la Residencia de Estudiantes, donde se relacionó con García Lorca y otros artistas, con quienes entablaría amistad. En 1926, estalló el incidente que provocó su expulsión definitiva de la Escuela de San Fernando, al negarse a ser examinado por “tres ignorantes catedráticos”. Se trasladó entonces a Cadaqués. Tras un viaje a París, donde conoció a **Picasso**, se trasladó a Bruselas para estudiar la pintura flamenca, y en 1929 volvió a París.
ETAPA SURREALISTA
En 1929, entró en contacto con **Miró** y, posteriormente, en contacto directo con el grupo surrealista. Los cánones del surrealismo francés exigían que sus seguidores abjurasen públicamente de su pasado. Dalí, para entrar en el grupo, injurió la memoria de su madre, provocando que su padre le echase del hogar. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método **‘paranoico-crítico’**, inspirado en buena parte en las teorías de Freud. Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida; las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia (ejemplo: *El gran masturbador*). Son características sus formas flácidas y muletas, y su tendencia a la exageración. En 1930, su relación con el movimiento empeoró y se fue con Gala a Nueva York. Al iniciarse la **Guerra Civil Española**, no se proclamó de ningún bando y pasó la guerra en Italia.
Cuando estalló la **Segunda Guerra Mundial**, Dalí se instaló en Arcachon y, cuando los alemanes invadieron Francia, pasó a España y luego a Portugal. En 1940, regresó a Estados Unidos.
ETAPA CLASICISTA
En América, inició una época de clasicismo y pintó sus primeras obras religiosas. Publicó el *Manifiesto místico*, donde explica el **arte nuclear**. Comenzó la escritura de una obra de teatro y realizó diseños para joyas. Los últimos treinta años de su vida, se instaló en Cataluña, viviendo una aproximación al régimen franquista en el contexto de la Guerra Fría.
SURREALISMO ABSTRACTO: JOAN MIRÓ (1893-1983)
Pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del **surrealismo**. En sus obras refleja, además del interés por el subconsciente, lo «infantil» y la cultura y tradiciones de Cataluña. Se inició en la figuración, con fuertes influencias **fauvistas**, **cubistas**, **expresionistas**, y la bidimensionalidad de los frescos románicos catalanes. Nació en Barcelona en 1893, en una familia de artesanos. El joven Joan estudió comercio y en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja. Sus primeros dibujos tienen aire modernista. A los 17 años, acabados sus estudios de comercio, entró a trabajar en una oficina hasta que una enfermedad, el tifus, le obligó a retirarse al campo, a un pueblo de Tarragona. Recuperado y de regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de arte Gali.
PRIMERA ETAPA
Sus primeras pinturas tienen una clara influencia de las tendencias francesas, sobre todo del **postimpresionismo**, del **fauvismo**, del **cubismo** y también de los frescos románicos catalanes.
SEGUNDA ETAPA: ETAPA DETALLISTA
Abandonó los colores empleados hasta entonces y las formas duras por otras más minuciosas. Desarrolló un nuevo vocabulario de iconografías y de signos meticulosamente seleccionados y organizados, siendo el agente estructurador el **dibujo**.
TERCERA ETAPA: ETAPA SURREALISTA
En 1920, instalado en el taller de Pablo Gargallo en París, contactó con artistas provenientes del movimiento **Dadá**, que fundaron en 1924, con **Breton** al frente, el grupo surrealista. Ese mismo año volvió a Barcelona y abandonó su época detallista.
En 1928, viajó a Bélgica y a los Países Bajos. Los pintores neerlandeses le causaron un gran impacto, por lo que a su regreso a París se dedicó a la creación de una serie conocida como *Interiores holandeses*. Miró, cada vez más individualista, se fue distanciando del grupo. A partir de aquí, Miró dibujó y se dedicó intensamente al **collage** con formas imprecisas y saliéndose del marco. En 1929, Joan Miró se había casado con Pilar Juncosa y tuvieron una hija. En el verano de 1930, empezó su serie llamada *Construcciones*, consecuencia de los collages; la composición la realizaba a partir de formas elementales, círculos y cuadrados recortados en madera y pegados sobre un soporte generalmente también de madera, con la aplicación de clavos reforzando las líneas del cuadro.
Debido a las guerras, la familia Miró terminó en un pueblecito de la costa de Normandía. En este pueblo se sintió atraído por el cielo y empezó una serie de obras, las **«Constelaciones»**. En 1940, se mudó a Mallorca y empezó a dedicarse a la producción de cerámicas, y en 1946 trabajó en esculturas en las que incorporaba objetos cotidianos. Obra destacada: *El reloj del viento*.
ART DECÓ: TAMARA DE LEMPICKA (1898-1980)
Su objetivo como pintora no era copiar la realidad, sino crear un nuevo estilo, brillante y de colores luminosos, donde predominase la **elegancia de las figuras representadas**. Lempicka se especializó en retratos de mujeres *decó*, con fondos arquitectónicos y rascacielos al fondo. En sus obras retrata el nuevo paradigma de la mujer de los años 20 y 30, mujeres que pretenden ser emancipadas, que fuman, conducen su propio coche y adoptan una indumentaria un tanto andrógina. Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Siguiendo la tendencia de la pintura **Art Decó**, pintaba mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, si bien daban una impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras. Sus influencias principales son **Boticelli**, **Broncino**, el retrato manierista en general y el **cubismo** (pero sin llegar al arte abstracto).
Nació en 1898 en una familia adinerada. Asistió a un internado en Lausana, Suiza. En 1912, se mudó a San Petersburgo y en 1916 se casó con Łempicki. Posteriormente se mudaron a Londres y finalmente a París. En París nacería su única hija. Tamara asistiría a clases de pintura en la *Académie Ranson* y en la *Académie de la Grande Chaumière*. Sus comienzos profesionales fueron como ilustradora de moda. Su estilo, que a menudo se identifica como “cubismo suave”, empezó a cobrar popularidad a partir de 1922. En 1929, se divorció y pintó uno de sus trabajos más famosos, *Autorretrato en un Bugatti verde*. En esta obra, recuerda la trágica muerte de la bailarina estadounidense Isadora Duncan, quien murió estrangulada en 1927, cuando su largo chal se enredó en una de las ruedas posteriores de su Bugatti. Es en el período de entreguerras cuando pinta retratos de científicos, escritores e intelectuales. En 1933, Tamara se casó con Raoul Kuffner, aunque no ocultó su orientación bisexual. Al poco tiempo, se hizo famosa entre la burguesía neoyorquina y expuso en varias galerías. Al término de la Guerra, la artista reabrió su famoso estudio de la Rue Mechain en París. Durante las siguientes décadas, el advenimiento del **expresionismo abstracto** contribuyó a que el estilo de Lempicka fuera dejado de lado, aunque la artista no detuvo su creación artística en ningún momento. En 1941, Kizette escapó de París y se fue a vivir con su madre a Estados Unidos, donde rehízo su vida. En 1960, Tamara cambió de estilo, pasándose a la **abstracción**. En 1962, murió su esposo y en 1978 ella decidió mudarse a México, donde adquirió una casa conocida como “Tres Bambús”, y pasaría los últimos días de su vejez. Murió mientras dormía en 1980.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO: JACKSON POLLOCK (1912-1956)
Jackson Pollock creó el **Expresionismo Abstracto**, el primer estilo artístico genuinamente norteamericano. Alcanzó reconocimiento por su forma de pintar (usa la técnica del *dripping*). Entre sus influencias se aprecian el **automatismo surrealista**, el muralismo mexicano, El Greco, Picasso y Miró, y las ceremonias y arte de los indios primitivos americanos. Usaba una nueva técnica: el ***dripping*** (goteo), con el lienzo sobre el suelo, moviéndose, caminando y saltando a su alrededor sin parar, tirando la pintura. La pintura abarca todo el cuadro (*all-over painting*). No solo usaba óleo, sino pinturas industriales ya preparadas (pinturas de aluminio, esmaltes) y otros materiales como vidrios y arena.
PRIMEROS AÑOS (1912-1930)
Nació en Cody en 1912. Se quedó huérfano, y los padres adoptivos le pusieron el apellido Pollock. LeRoy Pollock era inicialmente granjero y posteriormente trabajó de agrimensor para el gobierno. Era un joven conflictivo y le echaron de varias preparatorias. Durante los primeros años de su vida, exploró la cultura de los **Pueblos nativos de los Estados Unidos**.
COMIENZOS ARTÍSTICOS (1930-1940)
En 1930, se mudó a Nueva York, donde estudió en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. De 1938 a 1942, trabajó para el *Federal Art Project Works Progress Administration*. Desde joven tuvo problemas psicológicos; se cree que pudiera sufrir de un trastorno bipolar. Se sometió a psicoterapia con el Dr. Henderson, quien lo alentó a hacer dibujos y lo enganchó al arte.
PRIMERA ETAPA: ETAPA DE FORMACIÓN
Ya había utilizado el vertido de pintura que luego perfeccionaría junto con otras técnicas a principios de la década de 1940.
SEGUNDA ETAPA: PERIODO DE GOTEO (1947-1952)
En 1945, se casó con la pintora estadounidense Lee Krasner. En noviembre se mudaron a las afueras de la ciudad de Nueva York. En ese espacio perfeccionó su técnica de salpicaduras. En un seminario experimental impartido por un famoso muralista mexicano, se introdujo en el uso de pintura líquida. Después de mudarse, comenzó a pintar con los lienzos en el suelo del estudio y desarrolló su técnica de *dripping*.
ÚLTIMOS AÑOS (1952-1956)
Cuando estaba en su pico de fama, abandonó abruptamente su estilo de goteo. Después de 1951, el trabajo de Pollock fue de colores más oscuros, como su colección pintada con negro sobre lienzos crudos. Posteriormente, volvió a utilizar color y reintrodujo elementos figurativos. Dejó de pintar en 1955, pero empezó a realizar esculturas de alambre, gasa y escayola. Formadas con el método de molde de arena, tenían superficies con mucha textura, similares a lo que Pollock creaba en sus pinturas. En 1956, Pollock murió a los 44 años en un accidente automovilístico que tiene mucho de suicidio, pues conducía bajo la influencia del alcohol. Edith Metzger, una de las pasajeras, también murió en el accidente.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO: MARK ROTHKO (1903-1970)
Mark Rothko fue un pintor y grabador. Se le asocia al **expresionismo abstracto**, lo que él rechazaba por considerarlo «alienante». Es conocido por sus cuadros de gran formato, con formas rectangulares de bordes desdibujados realizados con **veladuras superpuestas** que presentaba a ras de suelo y con poca luz para envolver al espectador y hacerle partícipe de una **experiencia mística**, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. Nació en 1903 en el seno de una familia judía en Letonia. Recibió educación religiosa. En 1912, su familia se trasladó a EE. UU., donde vivieron en condiciones de gran pobreza. Se graduó a los diecisiete años en 1921. Durante este período no recibió clases formales de arte, pero realizaría muchos bosquejos y dibujos. Con 20 años se matriculó en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. Tuvo gran atracción por el mundo del cine y el teatro. En 1925, inició su formación artística en el instituto *New School of Design*. Ese mismo año recibió clases en la Liga de Estudiantes de Arte. También estudió un semestre con Max Weber, a través del cual empezó a visualizar el arte como una herramienta de **expresión emocional y religiosa**. Max Weber había estudiado en la Academia Julian en París, y luego con Henry Matisse. Al volver a Nueva York, su estilo había cambiado y reflejaba la influencia de lo que había visto y vivido.
PRIMERA ETAPA: SURREALISMO (Desde 1938 – a mediados de los 40)
Cambió de estilo, rechazó la figura y luchó en favor de una imaginería mitológica que dominó su obra desde 1938 hasta mediados de 1940. En 1945, tuvo su más importante exposición individual, donde exhibió un punto intermedio entre figuración y abstracción. A mediados de los 40, su interés por la luminosidad le llevó a pintar con acuarela y produjo algunas obras extraordinarias empleando una paleta de grises y tonos tierra.
SEGUNDA ETAPA: ESTILO MADURO
Entre 1949 y 1950, inició su estilo maduro, en el que dos o tres luminosos rectángulos de color dispuestos uno sobre otro parecían flotar dentro de un radiante campo de color. Para lograr el efecto de luz, comenzó a teñir los pigmentos en su lienzo aplicando numerosas **capas finas de color** unas sobre otras. Muchos de sus lienzos son enormes a finales de los 50 y principios de los 60. Quería expresar las emociones humanas básicas: **tragedia, éxtasis, perdición**, conmover y hacer pasar una experiencia mística en quien contemplase sus cuadros. Fue esta técnica la que le hizo famoso.
TERCERA ETAPA
En 1964, recibió el encargo más importante de su carrera: hacer unos murales para una capilla en Houston. Diseñó tres trípticos, cinco paneles individuales y cuatro alternativas para la capilla. Cada lienzo (excepto el del muro sur) consiste en un enorme rectángulo monocromo, vivificado desde dentro por unas texturas densas y sutilmente variadas.
ÚLTIMA ETAPA Y FALLECIMIENTO
Un fatal aneurisma le incapacitó severa y permanentemente, hundiéndole en el alcohol y la desesperación, suicidándose con la ingesta de antidepresivos y alcohol en 1970 en su estudio.
PIERRE BONNARD (1867-1947): EL NABÍ MUY JAPONISTA
Fue un pintor, ilustrador y litógrafo francés que dedicó su talento a la producción artística y la publicidad. Se le suele considerar líder del movimiento de los **Nabis**. Su obra está impregnada de **melancolía**, que a veces deriva en extrañeza; la presencia de elementos inconexos y apariciones furtivas intensifican el misterio. Sus interiores aluden a grandes temas, como la ternura, la soledad, la incomunicación o el erotismo. Se caracteriza por los **colores armónicos**, aplicados en grandes manchas, por las diagonales y el desinterés por la perspectiva lineal tradicional.
Nació en Fontenay-aux-Roses en 1867. Cursó la carrera de derecho en la Universidad de París, que terminaría abandonando por la Escuela de Bellas Artes y la *Académie Julien*, donde conoció y estableció estrechos vínculos con otros pintores. La trayectoria pictórica de Bonnard se fue decantando hacia el **naturalismo** y el **simbolismo**. Durante los últimos años del siglo XIX, Bonnard se dedicó más a las artes aplicadas que a la pintura. En pintura, hizo su debut en el Salón de los Independientes de 1891 con cuatro paneles conocidos como *Mujeres en el jardín*. Bonnard evolucionó hacia un arte de honda sensibilidad colorista, distante de las corrientes de vanguardia. En estos años, Bonnard empezó a destacar con sus pinturas de la vida urbana. En 1899, se consagró como artista publicitario. El primer encuentro de Bonnard con la Costa Azul fue en 1904, donde se quedó fascinado por el reflejo de la luz en el mar, por lo que pintó *Mediterráneo*, donde nace su estilo «mediterráneo», una exquisitez informe de **colores vibrantes y luminosos**. En 1912, Bonnard compró una casa en Vernon, un pueblecito situado en las fronteras de Normandía. Bonnard se casó con Maria Boursin en 1925, con la que tuvo dos hijos. María tenía una enfermedad por la que siempre se estaba bañando y Bonnard la representó en numerosas ocasiones. En estos años destacan sus autorretratos. Su longevidad le permitió conocer la etapa del Cubismo y del Surrealismo. Se estableció en Le Cannet en 1926, donde murió finalmente en 1947.
HENRI MATISSE (1869-1954)
Dibujante, grabador y escultor, siendo uno de los pintores más importantes del Siglo XX. Gran maestría en el lenguaje expresivo del **color** y del dibujo. Le influyeron los **impresionistas**, **postimpresionistas**, Van Gogh, Cézanne y Gauguin. Sus cuadros hablan a través del color. Organiza la obra en planos de color que transmiten espacio, volumen y sentimientos. Tras su viaje a España, África y Tahití, sus colores fueron más expresivos e introdujo los **arabescos** en composiciones armónicas.
Henri Matisse nació en 1869 en el norte de Francia. Su familia se dedicaba al comercio y él empezó a estudiar derecho en 1887. Hacia 1890, tuvo una larga y grave enfermedad que le hizo empezar a pintar y, en 1891, ya recuperado, abandonó la carrera para entrar en la Academia Julian. En 1892, ingresó en la Escuela de Bellas Artes. En ese tiempo, su estilo era más bien tradicional, practicando el dibujo del natural. En 1896, expuso cuatro lienzos con notable éxito. En 1894, nació su hija con Caroline Joblaud y en 1898, Matisse se casó con Amélie Parayre, con quien tuvo dos hijos.
FAUVISMO
Con el comienzo del siglo, lideró junto con André Derain un grupo conocido como **fauvismo** o **fovismo**. Un movimiento que duró hasta 1908. La utilización del **color muy contrastado** y la influencia de la escultura africana son característicos de estos años. Las pinturas expresan emoción con colores salvajes y disonantes. Su estilo tiende a la simplificación, con rasgos de bidimensionalidad. El paisaje y el retrato son los géneros más abordados.
VIAJES
En 1906, viajó a Argelia durante una etapa de transición de su obra. En 1910, viajó a España, lo que contribuyó a acercarle a la estética oriental. En 1912 y 1913, viajó a Marruecos, donde la luz le inspiró cuadros sobre paisajes mediterráneos de gran colorido, pintando paisajes, bodegones y escenas cotidianas.
CUBISMO
Hacia 1916, se inició un periodo en el que se percibe la influencia del movimiento **cubista**, de creciente importancia, que se traduce en un concepto más geométrico de las formas y una simplificación aún mayor. A raíz de la influencia del cubismo, sus esquemas se volvieron más geométricos.
NIZA Y ÚLTIMA ETAPA
En 1917, se instaló en Niza, y durante los primeros años allí, la influencia marroquí es quizá mucho más clara y explícita. Allí su estilo se hizo más sutil. Más tarde, el colorido de sus telas se tornó más atrevido y empezó a realizar obras en los que cortaba y pegaba papeles coloreados. Matisse pasó los últimos años de su vida produciendo desde una silla de ruedas tras un cáncer de colon, desde donde hacía “pintura con tijeras”. Creaba **collages hechos con recortes de hojas de papel**. El colorido de las piezas contrastaba con el contexto internacional de la Segunda Guerra y la situación personal del artista. Hizo numerosos grabados y también esculpió en bronce y escribió artículos. Falleció en Niza en 1954.
PABLO RUIZ PICASSO (1881-1973)
Picasso es uno de los artistas más importantes de la historia del arte. Padre de la pintura contemporánea, revolucionario visual y conceptual que abarcó la pintura, escultura, el grabado, la cerámica y hasta escenografías para ballets. Nació en 1881, en Málaga. En 1891, la familia se trasladó a La Coruña. En 1895, se trasladaron a Barcelona, donde Pablo fue admitido en la *Escola d’Arts i Oficis de la Llotja*. En 1896, con solo quince años, instaló su primer taller en la calle de la Plata de la Ciudad Condal, donde realizó su primera muestra individual en *Els Quatre Gats* de Barcelona en 1898. Ese mismo año obtuvo una mención honorífica en la Gran Exposición de Madrid. La distinción lo estimuló a entrar en la Academia de San Fernando de Madrid. En 1900, hizo una visita a París para ver la Exposición Universal, y posteriormente se trasladó a París a vivir, donde experimentó con técnicas y pasó por varios estilos.
Una serie de hechos marcaron su vida personal y artística: la Primera y la Segunda Guerra Mundial, la Guerra Civil y la situación de España, el nacimiento de sus hijos, el ser nombrado director del Museo del Prado durante la Guerra Civil, el vivir al lado de un circo en una de sus estancias en París. Estos hechos fueron trasladados a su obra, convirtiéndose en temas recurrentes a lo largo de su carrera artística: el circo, los deportes, la tauromaquia, las modelos y los desnudos femeninos, los horrores de la guerra, el dolor, niños…
ETAPAS CLAVE DE PICASSO
- Etapa de Aprendizaje: Prueba diferentes *ismos* (**Realismo**, **Impresionismo**, **Postimpresionismo**).
- Etapa Azul (1901-1904): Marcada por la muerte de su amigo Casagemas. El **azul** es el color predominante y los temas son tristes. Obra: *Niña sentada*.
- Etapa Rosa (1905-1906): Los colores son apastelados y la paleta más clara. Los temas son del circo. Obra: *Madre e hijo*.
- Etapa Negra (1907-1909): Influida por el **arte primitivo**.
- Cubista (1907-1914): Con Braque, busca una nueva forma de representación artística, rompiendo con la **perspectiva tradicional**. Obra: *Guitarrista*.
- Etapa Clasicismo Gigantista (1919-1924): Abandona el cubismo e inicia una etapa clasicista de figuras grandilocuentes, de dibujo firme y preciso. Comienza una vida familiar y es una etapa serena. Obra: *Mujeres en la fuente*.
- Etapa Surrealista (1925-1934): El pesimismo y el rechazo a la Guerra y su situación personal se plasman en las obras. Recurre a elementos oníricos, surrealistas, aparecen monstruos, alarga y deforma las figuras, rasgos que expresan sufrimiento y temor. Obra: *Los tres bailarines*.
- Etapa Expresionista (1937-1947): Transmite todo el dramatismo del momento y se convierte en un símbolo con tres colores (**negro, gris y blanco**) y con austeridad compositiva. Su obra estará marcada por la muerte de un amigo. Obra: *Guernica*.
- Periodo Vallauris. Cerámica (1947-1954): Picasso se instala en la Costa Azul. Periodo de calma que se transmite a través de las palomas y la luz mediterránea. Después abandona temporalmente la pintura para dedicarse a tiempo completo a la **cerámica** y a la escultura.
- Última Etapa (1954-1973): Aunque siguió pintando cuadros cubistas, se dedicó a estudiar a los pintores clásicos y realizó versiones de sus grandes obras. Obra: *Las meninas*.
CUBISMO: GEORGES BRAQUE (1882-1963)
Nació en 1882 en una familia de artistas; ya desde pequeño se estrenó en disciplinas artísticas pictóricas, y tuvo la oportunidad de conocer a grandes autores como Francis Picabia. Sus primeras obras son propias del aprendizaje, pero enseguida se siente poderosamente atraído por el **fauvismo**. Obras entre 1906-1907. Sus primeras obras relevantes dentro del estilo fauvista guardan grandes influencias de tres nombres propios: Derain, Matisse y Cézanne; este último por las formas toscas y duras, los dos primeros por el uso arbitrario y la separación del color.
EL CUBISMO Y PICASSO
El momento más relevante de la vida de Braque fue conocer a **Picasso**, con quien compartía estudio de pintura en 1908. *Las Señoritas de Aviñón* influiría notablemente en Braque, que empieza a investigar sobre esta nueva forma de entender la pintura. En esta etapa primigenia del cubismo, muy influenciado por la obra de Cézanne, se desestructura un elemento mucho más abstracto que el color o la línea: se estructura la **perspectiva**. En 1908, se crea un importante vínculo entre Picasso y Braque; juntos comienzan a teorizar y a desarrollar el nuevo lenguaje que han inventado.
- Cubismo Analítico (1909-1912): Se pasa de cuadros figurativos a obras casi abstractas. Sus obras presentan tonos apagados y grises. Destaca el uso de la perspectiva y la **desestructuración dimensional**.
- Cubismo Sintético (1912-1914): La desestructuración de la perspectiva de la forma e incluso del espacio tridimensional abre una nueva vía de investigación. Con el cubismo sintético se introducen en las obras **elementos externos**, cargados de significado. Así, comenzamos a encontrar elementos tipográficos, páginas de prensa o de diarios.
En 1914, por causa de la guerra, sufrió una herida que le dejaría ciego durante un largo tiempo. Este suceso cambiaría su arte.
DESARROLLO POSTERIOR
Cuando Braque retomó su labor artística, ya recuperado (1916-1917), comenzó una larga trayectoria en la que desarrolló multitud de obras, sobre todo **naturalezas muertas**, en las que fue introduciendo el color o el estudio del contenido. En 1933, comenzó a desarrollar esculturas de rasgos duros y toscos, ya que seguía apasionado en la forma.
LAS CONSECUENCIAS DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
A partir de la década de los 40, la obra de Braque adquirió un tono mucho más oscuro. La emigración y los traumas de la guerra hicieron que Braque expresara mediante sus pinturas sus miedos y preocupaciones. Son colores más sobrios y simbología de muerte. El declive: acabó alejándose del cubismo y volvió a un lenguaje pictórico mucho más sencillo, totalmente cromático y expresionista. Se trata de una serie de paisajes que realizó en su Francia natal, con forma de marinas.
CUBISMO: JUAN GRIS (1887-1927)
José Victoriano González-Pérez, fue un pintor e ilustrador español. Es considerado uno de los maestros del **cubismo** y uno de los pintores más puros de todo el siglo XX, fiel a los principios cubistas. Nació en Madrid en 1887, en una familia adinerada. Desde muy pequeño ya demostró una gran habilidad y vocación por la pintura, y acabó formándose en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Entre 1904 y 1906, estudió en la Escuela de Artes y Manufacturas de Madrid y en el estudio de Carbonero. En su adolescencia fue ilustrador de publicaciones, además de ilustrar cubiertas de obras literarias. En 1906, se marchó a París, donde tuvo un taller y vivió en un hostal durante unos diez años. Conoció a **Picasso**, que lo introdujo en el ambiente intelectual y artístico. Quince años estuvo en ese taller, durante los cuales dos mujeres compartieron su vida. De la primera tuvo un hijo. Se separó pronto. A partir de 1913, vivió con Josette, que fue su fiel compañera el resto de su vida.
ETAPA CUBISTA
Sus primeros intentos como pintor en el cubismo son en el año de 1910, cuando fue dejando gradualmente las labores de ilustración. Las primeras pinturas al óleo datan de 1911. En 1912, se trasladó a Céret, con Picasso y Manolo. Durante esta estancia, introdujo en sus lienzos la técnica del *papier collé* y el **collage**. Esta etapa es conocida como **cubismo sintético**.
Llegó la Segunda Guerra Mundial y atravesó en estos momentos un periodo de profunda crisis y pesimismo. Su cubismo se volvió más estático y racional. Es un período de gran fecundidad. La pureza y austeridad de su pintura son admirables, expresión perfecta de **clasicismo**. Nada es improvisado, ni dejado al azar, ni hay concesiones a lo pintoresco. Juan Gris y Picasso se empezaron a distanciar; sin embargo, Juan Gris se mantuvo fiel al cubismo en una clave más colorista. Ya se manifestaban los primeros síntomas de la enfermedad que le llevaría a la muerte; tuvo que ser ingresado en el hospital de Tenon, posteriormente sería hospitalizado de nuevo y operado. Consiguió recuperarse y empezar a trabajar. En 1924, su nombre empezó a ser conocido, gracias a ello llegó un bienestar económico para iniciar las obras de mayor pureza, profundidad y audacia. Este período se llama **polifónico**. Pero su salud empeoró, no acabó nunca de reponerse de su pleuresía, muriendo en 1927.
NEOPLASTICISMO: PIET MONDRIAN (1872-1944)
Considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. La simplicidad de su lenguaje ha repercutido notablemente en la arquitectura y el diseño del siglo XX y en diversas tendencias de la abstracción. Pieter Cornelis Mondrian nació en Holanda en 1872. En 1892, decidió no seguir con la carrera de docente, ingresando en la Academia Estatal de Ámsterdam.
PRIMERA ETAPA
Pintaba paisajes naturales, como bosques con ausencia de colores vivos. Son escenas rurales donde se observa la influencia de su tío. Obra: *Vista de Amstel*.
SEGUNDA ETAPA
Hacia 1907, se experimentó un cambio importante propiciado por el conocimiento de la obra de Munch, Van Gogh y Kees van Dogen. Sustituyó los colores físicos por **colores puros** aplicados de forma arbitraria. Sus temas tradicionales recibieron un tratamiento antinaturalista.
TERCERA ETAPA
Se aproximó al **divisionismo**, adoptando sus principios coincidiendo con sus estancias en la localidad de Domburg con una pequeña comunidad de artistas jóvenes, intelectuales y escritores. Desarrolló un tipo de paisaje costero en los que cada vez daba más relevancia a los rasgos más simples. Obra: *Los Faros*.
CUARTA ETAPA
Su obra sufrió otra transformación en clave **simbolista**. El período simbolista concluyó en 1911, cuando descubrió las obras de Picasso.
QUINTA ETAPA
En 1911, emigró a París. Conoció de cerca el **Fauvismo**, el **Futurismo** y el **Cubismo**. Mondrian se hizo eco del cubismo y en *Naturaleza muerta con jarro de Jengibre II* ya muestra un lenguaje plenamente cubista. Entre 1908 y 1912, fue avanzando hacia un estilo en el que la realidad es reducida a sus rasgos esenciales. En 1913, su carrera empezó a ser reconocida. En 1914, fue a visitar a su padre que estaba enfermo y se quedó allí por la Guerra. En esta etapa es cuando inicia su verdadera inmersión en el **arte abstracto**. De su colaboración con Theo van Doesburg nace en 1917 la revista *De Stijl*.
SEXTA ETAPA
En su búsqueda de universalidad, utilizó los principios geométricos, reduciendo todas las formas a la oposición y el equilibrio entre la **línea vertical y la horizontal** y todos los colores a los **tres primarios**. Buscaba representar el cuadro en dos dimensiones. En 1918, volvió a París, donde vivió durante los siguientes veinte años. Ante la inminencia de la Segunda Guerra Mundial, dejó París y se fue a Londres, pero tras los intensos bombardeos que sufrió Londres, se trasladó definitivamente a Nueva York.
ÚLTIMA ETAPA
En Nueva York, realizó sus últimas pinturas y volvió a cambiar su estilo. Mondrian murió en esta ciudad el 1 de febrero de 1944.
NEOPLASTICISMO: THEO VAN DOESBURG (1883-1931)
Arquitecto, pintor y teórico de arte holandés, fue una de las figuras más importantes del desarrollo del **neoplasticismo** holandés. Sus principios teóricos tienen repercusión en la arquitectura, decoración interior, la tipografía y el diseño, así como en la literatura y la música, siendo uno de los personajes más destacados de la época.
Theo van Doesburg nació en 1883 en Holanda. De formación autodidacta, realizó sus primeras obras de carácter figurativo, ligadas al naturalismo, pero a partir de 1914 le influyó la obra de Kandinsky en una forma de **abstracción geométrica**. Entró en contacto con diversas personas ligadas a la teosofía.
DESARROLLO DEL NEOPLASTICISMO
Las primeras pinturas relevantes son de influencia cubista, de Kandinsky y de las austeras teorías neoplasticistas. Fundó junto a Mondrian el grupo y la revista *De Stijl* en 1917. Entre 1917 y 1918, Theo Van Doesburg y otros artistas publicaron el **Manifiesto del neoplasticismo**, totalmente antagónico al dadaísta. Juntos iniciaron el Neoplasticismo entre los años 1917 y 1920. El Neoplasticismo no pretende representar el mundo real, sino las **formas y colores básicos** de ese mundo real.
En 1923, trabajaría en **La Bauhaus de Weimar**; su presencia en esta institución fulminó la tendencia expresionista. En 1924, publicó en La Bauhaus *Principios de Arte Neoplástico*.
ELEMENTARISMO
Theo van Doesburg se rebeló contra la insistencia de Mondrian en la utilización exclusivamente de líneas verticales y horizontales, realizando su primera *Contracomposición*, en la que introduce las **diagonales** y da comienzo a una nueva dirección del Neoplasticismo, el **Elementarismo**.
A principios de los años treinta, Van Doesburg se convirtió en la fuerza impulsora del nuevo grupo abstracto parisino llamado **Abstracción-Creación**. Junto a Van Eesteren hizo varios proyectos, entre los que destacan el del Vestíbulo de la Universidad de Ámsterdam. En 1930, diseñaría su casa-estudio en Meudon. En 1931, tuvo que marcharse a Suiza por problemas de salud, falleciendo el 7 de marzo de 1931.