Definición y Evolución Histórica del Arte

El arte es la manifestación de la actividad humana mediante la cual se interpreta lo real o se plasma lo imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. Es un componente fundamental de la cultura, reflejando en su concepción las bases económicas y sociales, así como la transmisión de ideas y valores inherentes a cualquier sociedad humana a lo largo del espacio y el tiempo.

El Concepto de Arte a través de las Épocas

• Antigüedad Clásica Grecorromana: El arte era entendido como una habilidad del ser humano en cualquier terreno productivo, siendo prácticamente un sinónimo de ‘destreza’.
• Edad Media (EM): Las obras de arte medievales surgieron en un contexto en el que no existía el concepto de arte como fin en sí mismo, ni el de la belleza como su objetivo principal. Ni siquiera existía el concepto moderno de artista o de bellas artes. La obra tenía un carácter básicamente funcional en el seno de la sociedad: funcionaba como ofrenda a Dios, intermediaria entre el mundo sobrenatural y el terrenal, y como afirmación de poder.
• Renacimiento (R): Se produjo una separación entre los oficios, las ciencias y las artes. En este periodo se incluyó por primera vez a la poesía, considerada hasta entonces un tipo de filosofía. Hubo una notable mejora en la situación social del artista debido al interés que nobles y ricos prohombres italianos mostraron por la belleza. Los productos del artista adquirieron un nuevo estatus de objetos destinados al consumo estético; por ello, el arte se convirtió en un medio de promoción social, incrementándose el mecenazgo artístico y fomentando el coleccionismo.
• Barroco (B): Las cosas ya no se representan tal como son, sino tal como las ve el artista. La belleza se relativiza, pasando de la belleza única renacentista (basada en la ciencia) a las múltiples bellezas del manierismo derivadas de la naturaleza.
• Romanticismo (Ro): El arte se define como la expresión de las emociones del artista, quien comienza a ser mitificado. Surgieron las primeras manifestaciones de la autonomía del arte, ligado a la naturaleza. Para los románticos, en la obra de arte convergen el interior del artista y su propio lenguaje natural.

Características del Arte Renacentista

El Renacimiento se distingue por los siguientes pilares fundamentales:

• Búsqueda de la inspiración en la Antigüedad clásica (Grecia y Roma): Uso de formas simples, armonía de proporciones y elementos arquitectónicos clásicos (frontones, columnas, cúpulas, arcos de medio punto). Destaca el uso del desnudo en pintura y escultura.
• Dominio de la perspectiva: Se otorga una sensación de profundidad real mediante el uso de formas geométricas, estudios matemáticos y el manejo de la luz.
• El hombre como centro (Antropocentrismo): Retorno a la medida humana con equilibrio entre planta y altura, prevalencia de lo horizontal sobre lo vertical y edificios adaptados a las necesidades humanas.
• Observación e imitación de la naturaleza: Se busca imitar la realidad mediante la investigación del espacio y la luz, pero de forma idealizada, persiguiendo la belleza y la perfección técnica.
• Cambio en los temas: En arquitectura, además de iglesias, se construyen palacios, ayuntamientos, universidades y plazas. En artes plásticas, se incorporan retratos y escenas mitológicas junto a las religiosas.
• Importancia de los mecenas: Figuras clave para el apoyo económico y el desarrollo del arte.

La Escultura en el Renacimiento

La escultura renacentista presenta rasgos específicos que la consolidan como un arte mayor:

• Se independiza de la arquitectura (bulto redondo).
• Uso de materiales nobles como el mármol y el bronce.
• Búsqueda de la belleza y la proporción siguiendo las ideas neoplatónicas.
• Perfecto tratamiento anatómico bajo un naturalismo idealizado, recuperando el canon clásico.
• Temas variados: retratos, escultura ecuestre y el desnudo.
• Representación del espacio y estudio de la perspectiva con líneas de fuga y combinación de relieves (alto, medio y bajo).

El cuerpo humano representó la Belleza absoluta. El contrapposto fue utilizado constantemente desde Donatello hasta Miguel Ángel. Un papel fundamental fue el de los mecenas (Iglesia y nobleza), quienes obtenían prestigio social y propaganda política. Además, reapareció la glíptica greco-romana (arte de grabar en piedras duras) y el trabajo con piedras semipreciosas en talla de camafeo.

Teorías y Corrientes Estéticas

Formalismo

Sostiene que el valor estético de una obra proviene exclusivamente de sus cualidades formales.

• Considera irrelevantes la expresión de sentimientos o ideas.
• La excelencia está definida por la forma y la razón.
• El arte es autónomo respecto de la realidad.
• El creador busca armonía, proporción y equilibrio mediante colores, líneas y planos.
• Lo feo se identifica con lo caótico, desequilibrado e irracional.

Expresionismo

El arte es un vehículo para comunicar sentimientos y estados del alma.

• La capacidad de creación del artista es más importante que la realidad representada.
• La belleza consiste en expresar de forma subjetiva la naturaleza humana.
• La primacía de las emociones provoca una deformación de los objetos para reflejar el trasfondo emocional.

Simbolismo

La obra de arte muestra una realidad propia; es una continua recreación de mundos posibles.

• El arte comunica ideas a través de símbolos que deben ser analizados.
• La obra bella es la que transmite eficazmente un significado profundo.
• La obra de arte se entiende como un sistema complejo de símbolos.

Intelectualismo

Valora en la obra artística la verdad más que la belleza o el estilo formal.

• La obra es una interpretación conceptual de la realidad.
• El objeto del arte es el conocimiento de la verdad.
• Se considera la más alta realización del espíritu y la principal forma de conocimiento subjetivo.

El Canon y la Figura Humana

Razón de la Estilización de las Figuras

Para Plinio el Viejo, la diferencia en la representación respondía a criterios estéticos: los artistas del siglo V a.C. (Mirón, Fidias, Policleto) representaban al hombre tal como es, mientras que los del siglo IV a.C. (Praxíteles, Lisipo) lo hacían tal como el ojo los ve, superando el canon racional mediante la fantasía y el refinamiento óptico.

Vitruvio dejó asentados estos conceptos de proporción, que luego fueron reelaborados por Alberto Durero y Leonardo da Vinci (Hombre de Vitruvio). En la época contemporánea, Le Corbusier creó el Modulor (2,26 metros), un nuevo canon aplicado a la arquitectura y el diseño.

Escultura Griega

Se centra en la importancia del HOMBRE y el canon de belleza basado en el número y la proporción.

• Materiales: Piedra, mármol, bronce y técnica criselefantina.
• Formatos: Bulto redondo y relieves adaptados al marco arquitectónico, generalmente policromados.
• Evolución: Desde la simplicidad arcaica hasta el barroquismo helenístico.
• Período Arcaico (Siglos VIII-VI a.C.): Función religiosa con influencias orientalizantes. Se caracteriza por el hieratismo, la frontalidad, la geometrización y la famosa sonrisa arcaica. Ejemplos notables son el Kurós y la Koré, la Dama de Auxerre y el Moscóforo.