Cubismo: aparece en el transcurso de la experimentación plástica de las vanguardias.En 1908, Louis Vauxcelles se refirió irónicamente a la nueva pintura de Braque diciendo que reduce todo a esquemas geométricos, a cubos. Estos y otros comentarios posteriores acabaron por dar nombre a este nuevo movimiento.
Todas las crónicas convierten la aparición de Cubismo en un fenómeno que se revela repentinamente derivado de experimentos científicos puntuales. Entre 1907 y 1909, Braque y Picasso se entregaron a la invención de nuevos procedimientos para la transcripción del espacio y las formas absolutamente distintos del Fauvismo. Los cubistas creen que el peso del análisis pictórico radica en la exploración de las formas. Llegada del Cubismo fue por la obra de Cézanne y el puntillismo. El primero revalorizando la importancia del volumen. Los segundos no fueron menos eficaces en la nueva reconstrucción de la plástica. Descomponer todos los cuerpos en formas geométricas es la primera tarea. Después vendrá su recomposición. Pueden distinguirse dos momentos: analítico (las formas se separan o se empotran, como elementos minerales) y sintético (las masas se junten y organicen de forma orgánica). Los cubistas tratarán de ofrecer una representación de los objetos uniendo diversos puntos de vista. Aparezcen juntas las visiones de perfil y de la frontal de un rostro. Esta síntesis de visiones corresponde al factor espacio-tiempo, al afán de establecer el volumen en un tiempo determinado. Se profundiza en el interior de los cuerpos, tratando de representar dicho espacio.Los cubistas se sirven de los engaños ópticos,de la relatividad de las formas, ya que al yuxtaponerse se afectan mutuamente, resultando diferentes.-Cubismo analítico: preocupación fundamental del Cubismo es conseguir el equilibrio estructural del cuadro, considerando éste como un espacio en el que se ordenan las formas. Apollinaire dijo que para comprender el Cubismo había que remontarse a Gustave Courbet, por su construcción objetiva de la realidad. Exploración cubista pretendía superar las ideas del impresionismo.Se opone a la vista parcial y busca una formulación arquitectónica ordenada y de naturaleza abstracta que valga como una visión total de los objetos, elaborada a partir de sus elementos constructivos. No se pretende engañar, sino transcribir al pie de la letra la realidad. Afecta a las obras de Braque y Picasso entre 1909 y 1912. La técnica del facetado fue uno de los recursos primordiales; consiste en representar el espacio por facetas, es decir, una visión fragmentada por parcelas que se reúnen en el cuadro como en el fondo de un ojo facetado. -Cubismo sintético:Cubismo analítico desemboca en una pintura que empieza a introducir recuerdos objetivos de la materia. Se simulan las vetas del mármol, maderas, texturas granuladas y rugosas. Se espesa la pintura mediante la mezcla del óleo con otras materias (serrín, arena) para lograr esos efectos. Se intercalan papeles de periódico, que se pegan sobre el lienzo.Nacieron los papiers collès, técnica con la que Georges Braque obténía realizaciones enormemente sobrias. Picasso y Braque comenzaron a incorporar material gráfico como páginas de diario y papeles pintados, técnica que se conoce como collage. Estas obras son más simples, más sencillas de entender en cuanto a que son más figurativas, se ve claramente lo que se pretende representar. Los objetos se reducen a sus atributos esenciales, a aquello que los caracteriza de manera inequívoca sin lo cual no serían lo que son. El Cubismo es uno de los más importantes hitos del arte contemporáneo. el punto de partida del Cubismo arranca en 1907, año en que Picasso pinta Las señoritas de Aviñón inspirándose en la escultura ibérica y en máscaras africanas, entre otras cosas, pero la gran innovación será la organización del espacio con base a una trama geométrica que niega la convencional profundidad y tiende a resaltar la simultaneidad. Braque pinta una serie de paisajes inspirados en el espíritu constructivo de Cézanne. El trabajo de ambos autores en estrecha relación hará surgir y evolucionar al Cubismo.

Picasso, Miró y Dalí: 3 de los mayores exponentes de la pintura del Siglo XX, por ser creadores o máximos representantes de diversas vanguardias y por la influencia que su obra ha tenido en múltiples creadores.

Pablo Ruiz Picasso (1881-1873) uno de los fundadores del Cubismo pero su importancia reside además en que encarna al artista del Siglo XX, comprometido con las causas de su época y explorador constante de nuevos caminos artísticos. Su evolución puede seguirse en los siguientes pasos:1Su llegada a Barcelona, influirá grandemente en su formación como pintor influenciado por el ambiente de la bohemia modernista.2Su llegada a París en 1900 revelan su asimilación del fauvismo, del impresionismo y del postimpresionismo. Comienza la Etapa azul, donde el expresionismo más dramático aparece en su obra reflejando las duras condiciones de vida que él mismo sufría. Tonos fríos en sus pinturas muestran una terrible sensación de desamparo. Influencia de la obra de El Greco.3Un segundo período sería el Período rosa (1905-1907); se especializa en representar personajes de circo suavizando sus tonos, y marcando su influencia de la escultura ibérica. 4Una tercera etapa correspondería a la creación con Braque del Cubismo plasmado en su icónica obra “Las señoritas de Aviñón”(1907).La influencia de Cézanne y de Matisse, de la escultura ibérica y africana llevan a Picasso a crear un nuevo lenguaje pictórico ofreciendo en las pinturas múltiples puntos de vista, especulando con la noción del espacio pero también del tiempo y descomponiendo las figuras en múltiples planos geométricos que crean diferentes profundidades. Así desarrollará a partir de esta obra el llamado Cubismo analítico.5cubismo sintético, partiendo de la idea del collage concebirá la obra de arte como una construcción de elementos plásticos nuevos y tradicionales, planos geométricos se simplifican, color más rico y las evocaciones naturalistas más explícitas.6.El comienzo de la II Guerra Mundial coincide con el momento de mayor creación del pintor y de sus mayores aportaciones a la Historia del Arte.
Pone su pintura cubista al servicio del Surrealismo.7.Con el estallido de la Guerra Civil, su compromiso con la causa republicana le llevan a pintar el Guernica (1937) para denunciar el bárbaro bombardeo de la pacífica ciudad vasca. Pintura de acentos trágicos de protesta contra la violencia que queda marcado por una reducción cromática (blanco y negro) y el carácter dramático de todas las figuras de este enorme lienzo que ha quedado para la Historia como un símbolo de las tragedias que sufre la población por las guerras en el Siglo XX. 7Tras la Guerra Mundial su pintura vuelve a un optimismo vitalista y por una reinterpretación de muchas obras clásicas del pasado.

Salvador Dalí (1904-1989) el más importante representante del Surrealismo figurativo. Tras sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Madrid se instala en París y entra en contacto con el grupo surrealista. Dalí elabora en esos años su famoso método “crítico-paranoico”, utilizando una técnica muy precisa: con un brillante colorido representa objetos y paisajes de un modo casi fotográfico. Atmósfera onírica y delirante que se desprende de sus obras.“La persistencia de la memoria” (1931) es el mejor ejemplo de sus obras; relojes blandos, hormigas anidando en ellos. La materia de la pintura es la realidad pero el resultado nos lleva a una mórbida evocación de los sueños.

Joan Miró (1893-1983) el más importante pintor del Surrealismo abstracto. 1En sus comienzos acusa la influencia del fauvismo, de Cézanne y de Van Gogh, pero desde 1919 combina el Cubismo sintético con un sentido del humor muy personal y sugestivo. 2El paso decisivo lo da Miró cuando pinta una serie de cuadros llenos de elementos figurativos personales, hondamente líricos y emotivos: El Carnaval de Arlequín (1925) representa la culminación de todas estas experiencias y el punto de partida de todas las obras posteriores de Miró. Los elementos fantásticos se mezclan con los reconocibles y aunque aún se mantiene en este cuadro lo figurativo, esto desaparecerá en muchas de sus obras posteriores. 3Durante la Guerra Civil su evolución es muy similar a la de Picasso, teniendo sus obras una gran influencia de la tragedia del país. 4Después de 1945, el lenguaje de Miró es más directo, más abstracto, pintando sobre grandes superficies, sin renunciar a su mundo de ojos, lunas, estrellas y espirales.

Saturno: nivel estético: título: Saturno devorando a su hijo, artista: Francisco de Goya, año: 1820-1823, dimensiones: 140 × 80, localización: museo del Prado, Madrid, técnica: óleo sobre revoco trasladado a lienzo, estilo: Romanticismo. Nos encontramos ante un óleo sobre revoco trasladado a lienzo realizado por Francisco de Goya entre 1820 y 1823. Según la mitología el tío Saturno o cronos debía eliminar a todos sus hijos para evitar que lo destronaran. Así cuando nacían de su mujer, Cibeles, él directamente se los comía. Sin embargo su mujer tras nacer Júpiter y Juno tan solo le mostró al padre y al segundo poniendo en lugar de Júpiter una piedra que vistió en forma de muñeca. Saturno persuadido por el engaño, se comíó la piedra mientras que Cibeles hizo quería secretamente a Júpiter en la isla de creta. Finalmente cumplíéndose la profecía Júpiter destrónó a su padre convirtiéndose en el padre de los dioses. Esta obra se encuentra dentro de la serie de pinturas negras, nombre que recibe una sucesión de 14 obras murales de Francisco de Goya pintadas con la técnica de óleo al seco. Las creó como decoración de los muros de su casa llamada la quinta del sordo. Éstos murales fueron trasladados a lienzo a partir de 1834 y actualmente se conserva en el museo del Prado. Tienen tonalidades oscuras y en su temática nos muestra un pintor revolucionario que se aleja de la academicismo y con una visión pesimista del ser humano. Esta visión se acentúa en Goya con el paso de los años fruto de su sordera que lo aísla del mundo y de su experiencia durante la guerra de la independencia contra los franceses.-Nivel iconográfico: de fondo negro lo representa de cuerpo entero a un personaje desdibujado cuya deformidad es evidente y produce mucho más dramatismo en la escena, apenas es dibujo, sino una simple mancha que sale de la nada oscura. Goya representa al Dios como un verdadero monstro con unos ojos saltones y atormentados locos de ira, así representa el tiempo como un Animal inexplicable que nos devora. Se trata de una pintura muy cruel donde lo podemos ver en la boca del Dios y en la mancha de color representando la sangre. Se resalta la figura de Saturno devorando a su hijo llegando una luz tenue desde la zona izquierda, algo que guardaría relación con su ubicación en la quinta del sordo. Saturno surge de la oscuridad contrastando su persona en piernas, cuerpo, rostro con el cuerpo inerte de su hijo cuya anatomía es la de una persona adulta. Saturno representa una gran expresividad. Se aprecia una gama de blancos y negros. La pincelada es rápida a base de manchas con mucha materia, las figuras naturalistas con las presiones agendada y deformada que influirá en el expresionismo. Saturno se manifiesta de cuclillas con la boca muy abierta y despeinado mientras que va comiendo los brazos de su hijo y su hijo presenta un cuerpo inactivo en manos de su padre ya sin cabeza sin uno de los brazos y apunto de perder el otro. Claroscuro muy bien trabajado y composición asimétrica. -Nivel iconográfico: la obra se puede ver con diversas Lecturas:-en una histórico política quizás Goya puede estar hablándonos de unos tiempos oscuros en España en los que nos faltaron los desórdenes sociales, agitación y represión política. -En otra lectura puede ser la representación de los horrores de una enfermedad, el saturnismo que sufría Goya y que acabó por dejarle sordo. En estas pinturas están presentes la muerte, el dolor, la estupidez, la maldad y la amargura. Las imágenes de simplificar al máximo y se ejecutan con gran libertad aplicando manchas de color puro.Esta etapa se considera precursora en casi un siglo de movimiento expresionista y surrealista que se hará en los primeros años del Siglo XX.

FORMAS UNIC CONT EN EL ESP, BOCCIONI: NE: Se trata de formas únicas de continuidad en el espacio, una escultura de bulto redondo de Umberto Boccioni.Es el mejor exponente del Futurismo, su carrera se transformó cuando conocíó a Marinetti, artista que lo inició en el movimiento junto a otros pintores, todos emigraron a París y publicaron el Manifiesto del movimiento futurista. Boccioni desarrolló elementos clave del Futurismo, como el de líneas-fuerza, compenetración de planos… De acuerdo a los conceptos que desarrolló se observa que la idea fundamental de todos ellos es la reciprocidad de las relaciones que existe entre los objetos y el ambiente que los circunda. Este realizó la escultura original en yeso en 1913, y después se realizaron varios modelos en bronce, aunque Boccioni nunca la vería en fundición ya que murió en 1916, cuando tuvo un accidente al caerse de un caballo en Verona. NI: La luz juega un papel fundamental, los permanentes contrastes de luces y sombras originados por los cruces que se crean al sucederse los choques entre líneas curvas y aristas aumentan aún más la sensación de continuidad y movimiento. Es una composición que admite diferentes puntos de vista.  Esta obra trata la representación de una figura que en cierta parte nos recuerda mitad a una máquina y mitad a un ser humano. Esta superposición de formas que busca engañar a la mente y conseguir que ésta asocie la sensación de movimiento ante un objeto que no deja de ser estático, tiene una consecuencia inmediata: ampliar el espacio y ángulo de visión de la escultura.  Boccioni es capaz de mezclar ambas cosas y representar lo que se percibe en la sociedad de la época. La escultura carece de brazos y rostro, pero la imponente zancada producida por la amplitud de separación de sus piernas nos hace olvidarnos de ello, generando una fuerte sensación de tensión que está provocada intencionadamente.Esta escultura al observarla, lo primero que transmite es sensación de velocidad, otra carácterística del Futurismo, que además se convirtió en su seña de identidad, pero para representar esa sensación de movimiento el artista se sirve de la multiplicidad de planos al mismo tiempo, algo que practicaba Picasso en pintura y escultura antes de la existencia de este estilo. Con esta obra Boccioni intentó ir más allá de la impresión de movimiento y explorar la noción de velocidad y fuerza en la escultura, pretendiendo asignar valores lumínicos a la superficie tallada. La escultura excede los límites corpóreos del ser humano. Parece que el cuerpo que se representa serpentea, luchando contra una fuerza invisible. Aunque el resultado es un retrato en tres dimensiones, el cuerpo en movimiento introduce una cuarta dimensión, el tiempo. En su «lucha» contra esta fuerza invisible, el cuerpo en movimiento, va dejando pedazos de sí mismo. NI: Es la obra escultórica más célebre del Futurismo y se ha convertido en un icono de las vanguardias de los primeros años del Siglo XX. Muchos artistas de épocas posteriores desarrollaron su escultura con base en los caminos abiertos por esta obra  Esta obra representa perfectamente lo que decía el Manifiesto del movimiento futurista, que el artista moderno debía dejar atrás el esquema figurativo del pasado para centrarse en lo contemporáneo que está en continua evolución y movimiento. Para Boccioni fue inevitable sentirse influenciada por el Cubismo, aunque criticaba lo que consideraba un excesivo énfasis de esa vanguardia de la línea recta y por ello siempre realizó sus obras con base en curvas y superficies ondulantes, representando movimiento y dinamismo espaciales. Fue uno de los pocos artistas futuristas que experimentaron con la escultura, para la cual utilizó siempre materiales que consideraban modernos como el hierro, el cemento o el cristal. Actualmente el original y una fundición de esta obra se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo.