Ficha Técnica: Museo Guggenheim de Bilbao

• Nombre: Museo Guggenheim de Bilbao
• Autor: Frank O. Gehry
• Época: Finales del siglo XX (1991-1997)
• Tipología: Arquitectura (museo)
• Técnica y material: Acero, piedra calcárea, vidrio y titanio.
• Estilo: Deconstructivista
• Localización: Bilbao, España

Contexto Histórico y Artístico

En las últimas décadas del siglo XX, los principios de la posmodernidad hacen que los arquitectos se replanteen la arquitectura. La arquitectura racionalista producida en la modernidad de los años 20 y 30 terminó degenerando en los años 60 y 70 en algo banal y feo. Los arquitectos buscan nuevas formas que se aparten de este pasado inmediato. Al mismo tiempo, los edificios empiezan a interpretarse como escenografías espectaculares.

La obra de Frank Gehry se vincula a las teorías deconstructivas del filósofo Jacques Derrida a finales de la década de 1980. Derrida creía que, a la hora de analizar un texto o una idea, había que descomponer la estructura del lenguaje. En arquitectura, este movimiento trabaja principalmente en la fragmentación de la forma, explorando los desequilibrios de la geometría. Esta voluntad de experimentación formal tenía como referente el movimiento constructivista (nacido en Rusia a mediados de la década de 1910), cuyo edificio más representativo era el monumento a la Tercera Internacional de Tatlin. Frank Gehry desarrolla su obra a partir del uso de nuevas tecnologías: desde materiales innovadores hasta el uso de la informática para el diseño del edificio.

Descripción y Elementos de Construcción

Forma y Estética Exterior

El edificio sorprende por su forma novedosa. Se configura mediante diferentes volúmenes, destacando los basados en la línea curva, de aspecto dinámico a modo de las olas del mar. Sorprende también el acabado metálico de muchos de estos volúmenes. Levantado al borde de la ría de Bilbao, recuerda a un enorme animal marino.

Sistemas Constructivos

Destaca el uso de elementos sustentantes en acero, utilizado por su resistencia y su versatilidad a la hora de adoptar formas complejas. También destaca el uso del muro cortina, que permite conectar el interior con el exterior del edificio. No existe la idea de fachada como una pared principal y representativa; todo el edificio reclama protagonismo y puede ser contemplado desde cualquier punto de vista.

Materiales y Formas

La estructura del edificio ha sido generada mediante esqueletos de acero. Toda esa estructura interior queda oculta por su recubrimiento exterior de láminas de titanio y placas de piedra, mientras que en el interior se emplea el pladur. Solo se percibe la estructura como tal en algunas zonas del vestíbulo. Es icónico y novedoso el uso del titanio, un material procedente de la industria aeronáutica.

Frank Gehry utilizó un programa de simulación por ordenador para calcular la estructura y configurar cada lámina de titanio. Así, a partir de los avances tecnológicos, abrió nuevas puertas a la arquitectura. En el museo aparecen dos tipos de volúmenes interconectados:

• Volúmenes prismáticos: Basados en líneas rectas (aunque frecuentemente no perpendiculares), recubiertos de piedra calcárea o pintados de azul ultramar.
• Volúmenes curvados: Retorcidos y recubiertos de láminas de titanio.

Estos elementos se unen a través de grandes muros de vidrio que dotan de transparencia al museo. Es destacable la cristalera de la parte posterior del vestíbulo, realzada por una impresionante marquesina que hace de terraza y se sustenta en una gigantesca columna de piedra.

Integración Urbanística y Espacial

Relación con el Entorno

El museo se eleva en uno de los márgenes de la ría del Nervión, 16 metros por debajo de la cota de ensanche de la ciudad. Esta diferencia permite que, a pesar de sus 50 metros de alto, el edificio no sobrepase la altura de las construcciones circundantes. Las formas contrastan vivamente con los edificios vecinos por sus texturas y colores, pero la conexión se realiza mediante una gran explanada y la integración del agua en el proyecto. El reflejo del agua combina perfectamente con el color metálico de los muros y la atmósfera de Bilbao.

Ordenación del Espacio Interior

Tanto en el interior como en el exterior, el espacio es de extremo dinamismo. En su interior dominan las curvas, de tal modo que muchas de sus salas de exposición participan de esa misma sensación de movimiento. Algunas se conectan entre sí por pasillos de trazado curvo o pasarelas suspendidas. El vestíbulo está configurado como un espacio diáfano y gigantesco de 50 metros de altura, desde donde se organiza el movimiento fluido de los visitantes a través de tres niveles.

Función, Significado e Impacto Social

El museo pertenece a la Fundación Solomon R. Guggenheim y su función es exponer manifestaciones artísticas contemporáneas. Sin embargo, el edificio a menudo eclipsa las obras que expone y se convierte en el verdadero protagonista. Como en el barroco o en la obra de Gaudí, el edificio se concibe como espectáculo.

Su estructura basada en la curva homenajea a la “casa madre”, el museo Guggenheim de Nueva York de Frank Lloyd Wright. Además, este museo supuso un fenómeno social: se erigió en terrenos de fábricas abandonadas en una ciudad industrial en decadencia. La construcción del Museo Guggenheim Bilbao revitalizó la ciudad, atrajo masas de visitantes y se convirtió en su imagen más característica, salvando la economía local.

Comparativa Fotográfica: Compromiso Social vs. Esteticismo

Es posible contrastar la obra de los fotógrafos comprometidos socialmente con la fotografía esteticista de autores como Cecil Beaton.

Dorothea Lange: El Compromiso Social

En Estados Unidos, durante la Gran Depresión, la fotografía se convirtió en una forma de publicitar la situación de penuria de miles de personas. Dorothea Lange destacó en esta labor utilizando el fotoperiodismo como compromiso social. Su obra muestra, con una exquisita técnica de blanco y negro, retratos de víctimas de la crisis cargados de humanidad. Utiliza composiciones innovadoras en diagonal y luz natural para retratar la realidad.

Cecil Beaton: El Esteticismo y el Glamour

Simultáneamente, en Inglaterra y Hollywood, Cecil Beaton se desarrolla no como fotoperiodista, sino como un esteta que busca la belleza. Comenzó publicando en revistas de moda y su obra se caracteriza por elegantísimos retratos de celebrities hechos en estudio con luz artificial.

Puntos de Encuentro

Aunque Beaton y Lange son radicalmente distintos, comparten una exquisita técnica en blanco y negro. Además, durante la Segunda Guerra Mundial, Beaton también practicó el fotoperiodismo retratando a soldados y víctimas del conflicto, acercándose momentáneamente a la vertiente documental.