La Pintura de los Primitivos Flamencos (Siglo XV): Innovación y Realismo

La pintura de los primitivos flamencos surge en torno a los dominios de los Duques de Borgoña en Flandes (actual Bélgica), una de las zonas más urbanizadas de Europa. Desde el punto de vista pictórico, la pintura de los primitivos flamencos significó un impresionante avance técnico y formal frente al Gótico Internacional. Hacia 1435, Van der Weyden y Jan Van Eyck desarrollaron la técnica de la pintura al óleo y un estilo de un impresionante realismo y habilidad técnica.

La Consideración del Artista

Existe una gran diferencia entre la consideración del artista flamenco y la del primitivo italiano. Así, en contraste con la amplia documentación que tenemos sobre Giotto, lo cual manifiesta su consideración como artista reconocido e incluso idealizado, conocemos muy poco sobre los pintores flamencos. El pintor flamenco suele ser considerado poco más que un hábil artesano, aunque se sabe que Jan Van Eyck actuó como embajador del Duque de Borgoña.

Técnica Pictórica: El Óleo y el Soporte

El material más utilizado es la pintura al óleo. La tradición atribuye a los hermanos Van Eyck la invención de la técnica del óleo, mediante la utilización de aceites de linaza y trementina. La técnica del óleo permite retocar continuamente y realizar «arrepentimientos».

Además, el óleo permite practicar la técnica de la veladura, la aplicación de sucesivas capas de color traslúcidas que permite representar un amplio arco de tonos diferentes. Estas pastas son muy diluidas y delgadas. La técnica pictórica es minuciosa; es muy probable que se pintara con pinceles diminutos y lentes. De hecho, las pinceladas solo se advierten por medio de lentes. Es también probable que se empezaran a utilizar las cámaras oscuras, aunque no hay pruebas concluyentes de ello.

Soporte

Normalmente se pinta sobre tabla. Se pintan trípticos para ser vistos abiertos y cerrados, y en algún caso se realizan polípticos más complejos.

Temática, Retrato y Simbolismo Oculto

Dominan los temas religiosos, muchas veces situados en interiores urbanos contemporáneos al pintor (anacronismo) y mezclados con temas y elementos de la vida cotidiana. Adquiere mucha importancia el retrato. A menudo el retratado, que es quien ha pagado la obra, aparece en forma de donante, arrodillado ante la Virgen o los santos y actuando como testigo de las escenas religiosas.

En los cuadros aparecen muchos objetos con una gran atención por el detalle, la minuciosidad y las calidades. Podemos decir que son auténticos bodegones o naturalezas muertas integradas en la escena. Además, estos objetos suelen encubrir significados simbólicos y misteriosos que requieren ser desentrañados mediante un complejo estudio de erudición.

También se da importancia a los paisajes integrados en la obra. El paisaje se extiende por el horizonte del cuadro y a veces se vislumbra a través de una ventana. Es un paisaje naturalista (de un realismo de botánico) e incluso verosímil, poblado de catedrales y torres góticas, pero completamente inventado por el pintor.

Elementos Formales de la Pintura Flamenca

• Dibujo y Color: Domina el dibujo sobre el color; el dibujo es de una gran perfección técnica. El color es brillante y está muy saturado por efecto del óleo. Hay una gran riqueza cromática y se utilizan las veladuras para multiplicar las tonalidades. Nunca antes del siglo XV se había conseguido un colorido tan intenso en la pintura.
• Luz: La luz es a veces difusa y a veces direccional. Se utiliza para crear corporeidad, pero también para enfatizar el realismo y las calidades y texturas de los objetos. Con ella se crea una atmósfera densa e incluso se generan efectos similares a los de la perspectiva aérea en el horizonte de los paisajes.
• Figuras: Las figuras tienen volumen, los rostros expresión y rasgos individuales. Sin embargo, a veces se nos muestran rostros convencionales, sobre todo en la representación de mujeres jóvenes (la Virgen) o los ángeles. Las vestiduras están tratadas minuciosamente, al detalle, con unos característicos pliegues almidonados en V.
• Espacio y Perspectiva: El espacio tiene profundidad. Se desconocen las leyes de la perspectiva lineal, pero se crea la ilusión de una tercera dimensión por medio de líneas oblicuas, arquitecturas, suelos embaldosados, degradación cromática y lumínica para simular la perspectiva aérea, etc. El pintor se sitúa en un punto de vista alto respecto a la escena de primer plano, esto lo hace para representar más cómodamente las escenas y la profundidad.
• Espacio Ilimitado: Se sugiere la existencia de espacio real más allá de los márgenes del cuadro. Incluso a veces el espacio en el que se encuentra el espectador es una “continuación” del espacio de la obra, de manera que se genera la ilusión de que el espectador está dentro de la escena. El pintor se vale para ello de diferentes recursos (espejos, suelos que se cortan en el margen inferior de la pintura, miradas de los personajes hacia el espectador).

La pintura de los primitivos flamencos destaca por su perfección técnica y formal. Los pintores son auténticos maestros conocedores de su oficio. Sin embargo, hay fuertes contradicciones entre la habilidad por representar las calidades y la luz con un acentuado naturalismo y la incapacidad de representar la perspectiva fielmente (a veces los errores de perspectiva son muy torpes). Los cuadros flamencos parecen rodeados de un ambiente misterioso que encaja con su misticismo religioso.

Jan Van Eyck y el Políptico de Gante

Características Esenciales del Arte Románico

A continuación, se explican las características fundamentales de la escultura y la pintura románica.

La Escultura Románica

• Subordinación a la Arquitectura: Su adecuación al marco arquitectónico es tal que se “deforma” la figura (conocida como la “ley del marco”), convirtiendo la arquitectura en un elemento complementario. Los artistas alargaban, retorcían o estiraban las figuras para adaptarlas al espacio de que disponían (capiteles, tímpanos, etc.).
• Rigidez y Hieratismo: No se plasma ningún movimiento.
• Materiales: Suelen estar realizadas en piedra caliza, granito o mármol, pero también en madera o marfil. Los grandes conjuntos en piedra solían estar policromados con vivos colores, que se han perdido en la mayoría de los casos.
• Antinaturalismo y Simbolismo: Las figuras no son realistas ni idealizadas. Se pierde el ideal de la escultura clásica. No se busca la representación fiel del mundo, sino el simbolismo o la alegoría, que pretenden representar ideas o vivencias. No se busca la belleza estética, sino la belleza ética (las buenas ideas, la religión).
• Función Didáctica y Moralizante: La escultura románica cumple el objetivo principal de comunicar e instruir a los fieles, de mayoría analfabeta. Son considerados “libros en piedra”.
• Formalismo: Se representan figuras planas (sin volúmenes), hieráticas, tendentes a la geometrización, con composiciones geométricas.
• Jerarquización: Existe un orden en las figuras o escenas que se esculpen, manifestado a menudo en el tamaño.
• Temática: Predominantemente religiosa (Pantocrátor, Virgen entronizada con el Niño, Crucifixiones y escenas narrativas).
• Horror Vacui: Tendencia a no dejar ningún espacio sin decorar, especialmente en las portadas.

Tipos de Escultura Románica

Se distinguen dos tipos principales:

1. Escultura Monumental: Las principales zonas donde se encuentran son: las portadas, los ábsides y los capiteles de las columnas.
2. Escultura Exenta o Imaginería Románica:
   • Es más infrecuente y se reduce a la imagen de Cristo crucificado y a la Virgen, sola o sedente con el Niño.
   • Son de pequeño tamaño y talladas en madera.
   • Temática religiosa.
   • Colores vivos, primarios y de gran intensidad.

La Pintura Románica

Características Generales

• Coincidencia Formal: Las características formales de la pintura románica coinciden en gran medida con las de la escultura.
• Funciones: Se destacan dos: decorativa (interiores de los templos, sobre ábsides y muros; o sobre tabla) y pedagógica o ilustrativa (enseñar los contenidos de las Sagradas Escrituras en una sociedad feudal analfabeta).
• Temas Religiosos: El tema más repetido es el del Pantocrátor, también el de la Virgen Trono de Dios, imagen frontal en la que no hay comunicación psicológica entre madre e hijo. Otros temas son escenas de la Biblia o vidas de santos.
• Técnicas: Al fresco o al temple.
• Escenas: Carácter narrativo, relacionado con su función didáctica.
• Figuras: Es una pintura antinaturalista, con predominio de la frontalidad, hierática y sin movimiento. No son realistas ni tienden a la idealización.
• Perspectiva: Ausencia total de perspectiva. No se busca ni la profundidad ni la representación tridimensional. Son obras planas. Cuando hay que representar un momento, se elige el más tenso y espectacular, el más expresionista y representativo.
• Estructura de las Imágenes: Predominio de la línea sobre el dibujo. El perfil de las figuras está bordeado con un trazo negro muy grueso que envuelve a las manchas de color.
• Colores: Los colores son puros (sin mezclarlos) y primarios. Son planos y no tienen gradaciones ni matices refinados. Se usaba una escasa gama cromática. Los colores son intensos, predominando los ocres, rojizos, amarillos, blancos y negros.
• Fondos: El fondo es liso, por lo que la figura centra toda la atención del artista.
• Luz: La iluminación es clara y se extiende por toda la obra, sin aparecer contrastes de luz y sombra. La iluminación interior de los templos contribuye a otorgar un fuerte simbolismo a las obras.
• Composiciones: Son sencillas, geométricas, ordenadas y adaptadas a la arquitectura. Las composiciones son simples y se hacen a base de yuxtaponer figuras, dispuestas de forma frontal y ordenadas de manera geométrica. Existe una jerarquía en las figuras que se pintan, observada en su tamaño.

Iconografía de la Escultura Románica

El arte románico es anónimo, pero comparte modelos iconográficos. Los edificios románicos tienen de hecho una lectura iconográfica (desde la planta al grosor de los muros). Los programas iconográficos se establecían concienzudamente y se debían al que llamamos el artifex theorice, a quien la innovación le importaba menos que el reconocimiento.

Podemos enumerar algunas de las constantes iconográficas:

• Claustros (Capiteles): Encontramos desde escenas del Antiguo y Nuevo Testamento hasta monstruos (que suelen representar los pecados).
• Iglesias (Interior):
  • El Pantocrátor: Posiblemente inspirado en modelos bizantinos. Se encuentra en la mandorla mística (papel de mediador de Cristo), generalmente rodeado del tetramorfos. Lleva la diestra alzada (bendición/amenaza) y suele portar un libro (el libro de los vivos: Apocalipsis). Se pueden reconocer los signos de la pasión.
  • La Virgen en Majestad: La Virgen María aparece en un trono, siendo ella a su vez el trono sobre el que se sienta el Niño. El modelo de esta representación tiene también origen bizantino, en la que el Niño está totalmente de espaldas a la Virgen.
• Portadas (Exterior):
  • El Juicio Final (a veces el Pantocrátor) en el tímpano, que aparece rodeado (arquivoltas) de los veinticuatro ancianos del Apocalipsis; en alguna aparecen setenta y dos (discípulos enviados por Jesús, naciones que pueblan la Tierra según el Génesis en la traducción de los LXX).
  • En las jambas de las portadas pueden estar los apóstoles (como sostenes de la Iglesia) o santos.
  • En el parteluz se encuentra la figura a la que está dedicada la iglesia (Virgen María, Santiago).
  • Otros modelos: la Ascensión y Pentecostés (la llegada del Espíritu Santo: por ejemplo, en Sainte-Madeleine de Vézelay).