Arquitectura Románica

Contexto Histórico

El Arte Románico se desarrolla entre finales del siglo X y el siglo XII, y es considerado el primer estilo internacional europeo. Es la época de la plenitud del feudalismo y de las Cruzadas, en la que Europa occidental era fundamentalmente rural. También es el periodo de las peregrinaciones, entre las que destacamos la del Camino de Santiago. Incluimos la creencia en los Temores del Año 1000 según San Juan, que sostenía que el mundo duraría 1000 años desde que nació Jesús y entonces se produciría un apocalipsis, que es el Juicio Final. El Arte Románico presenta variedades regionales, algo muy visible en Francia. En el caso español distinguimos el núcleo del Pirineo Catalán del Arte Románico del Camino de Santiago.

Características

Para entender la arquitectura románica, debemos centrarnos en tres cuestiones: el muro, la bóveda y el arco.

• El Muro

  Tiene un gran grosor, cierra el edificio y también sujeta la cubierta. Está realizado de sillares o bloques de piedra regulares. El espacio entre el exterior y el interior del muro, llamado el núcleo, es mampostería o piedra regular, ya que era más barato. El muro, en los ventanales o portadas, por su grosor, permite el abocinamiento. A su vez, el tamaño reducido de los ventanales hace que la iluminación del interior sea reducida. Normalmente el muro lleva la marca del cantero.

• El Arco

  Es el de medio punto y se utiliza en ventanales, portadas o como medio de sujeción.

• La Bóveda

  Cuando el arco de medio punto se prolonga da lugar a la bóveda de cañón, un tipo de bóveda usada en las cubiertas y que se realiza con una cimbra, que es una estructura de madera. Para reforzar la bóveda se recurre a un arco de medio punto que llamamos arco fajón. Junto a la bóveda de cañón, en los espacios cuadrados, se usa la bóveda de aristas.

La Planta y Estructura

Los edificios pueden recurrir a la planta basilical, pero el añadido del transepto hace que la planta sea de cruz latina, y el lugar de la intersección del eje principal y el eje transversal es el crucero, un espacio sobre el que suele levantarse un cuerpo llamado cimborrio. Para levantar el cimborrio, si este es poligonal, se utilizan unos arcos triangulares llamados trompas. Si tiene forma de cúpula semiesférica, entonces se utilizan pechinas, tomadas de los bizantinos.

Naves y Ábsides

Si el edificio tiene varias naves, el final de cada una sería un ábside semicircular, siendo el central el más grande. El espacio que va desde el crucero al ábside lo llamamos presbiterio.

Iglesias de Peregrinación

Además, hay construcciones que guardan reliquias de un santo y que en muchos casos se convirtieron en lugar de peregrinación. Estas son las iglesias de peregrinación y tienen dos aspectos propios: una tribuna sobre las naves laterales que permite una visión espacial mejor que la anterior y que siempre tiene triforio, un ventanal que da al interior del edificio desde la tribuna; y el deambulatorio o girola, situada en torno al presbiterio y que permite agilizar, sin interferir, la circulación del interior.

Escultura Románica

Contexto Histórico

El Arte Románico se desarrolla entre finales del siglo X y el siglo XII, y es considerado el primer estilo internacional europeo. Es la época de la plenitud del feudalismo y de las Cruzadas, en la que Europa occidental era fundamentalmente rural. También es el periodo de las peregrinaciones, entre las que destacamos la del Camino de Santiago. Incluimos la creencia en los Temores del Año 1000 según San Juan, que sostenía que el mundo duraría 1000 años desde que nació Jesús y entonces se producirá un apocalipsis, que es el Juicio Final. El Arte Románico presenta variedades regionales, algo muy visible en Francia. En el caso español distinguimos el núcleo del Pirineo Catalán del Arte Románico del Camino de Santiago.

Características

• Cumplen una finalidad didáctica, que es la de ilustrar con las imágenes a una sociedad mayoritariamente iletrada.
• Las esculturas se representan en lugares específicos, entre los que destacamos las portadas y los capiteles de las columnas. La portada románica, como tal y en virtud del grosor del muro, consta de arquivoltas, jambas, dintel, tímpano y parteluz. La escultura debe adaptarse al marco arquitectónico. Es un lugar excelente para la representación de imágenes, en muchos casos atendiendo a un programa. Es común recurrir a la jerarquía en función de la importancia de cada figura en la imagen. Interesa ante todo hacer llegar la imagen, y por ello, no importan los parámetros de la cultura griega donde la armonía, belleza, ritmo y representación en el espacio eran el motivo fundamental. Todo ello es reemplazado por la capacidad de expresión.
• Otro aspecto es el de la policromía, generalmente, casi perdida.
• La representación espacial no existe.
• No hay paisaje.
• Hay un carácter simbólico.

Temas

• Uno de los más comunes es el Juicio Final, influenciado por los temores del Año 1000 y el texto del Apocalipsis de San Juan.
• Temas fantásticos, procedentes de Oriente.
• Incluso temas de origen profano.

Es común representar en las portadas al Pantocrátor dentro de la almendra mística, indicando a un lado a los que se salvan y a otro a los condenados. También es común representar el Pantocrátor rodeado de Tetramorfos, los cuatro evangelistas: San Marcos (León), San Juan (Águila), San Lucas (Buey) y San Mateo (Ángel).

Obras

Relieve de la Duda de Santo Tomás del Claustro de Santo Domingo de Silos

La escultura evoluciona desde un esquematismo rígido hacia un mayor naturalismo y hay un enorme salto entre la escultura del s. XI y la del s. XII, por ejemplo, la Duda de Santo Tomás del claustro de Santo Domingo de Silos del s. XI frente al conjunto realizado por el Maestro Mateo en el pórtico de la iglesia de Santiago de Compostela del siglo XII. Otros conjuntos monumentales de interés escultórico en Europa los encontramos en Santa Fe de Conques, Autun o Vézelay, todos franceses. El relieve de la Duda de Santo Tomás de Silos pertenece al siglo XI. En cuanto a sus características principales concretas de la obra podemos destacar:

• No tiene dominio técnico.
• No hay representación espacial y es un plano bidimensional.
• La obra es policromada.
• Hay un arco de medio punto y adaptación al marco.
• La columna recuerda al orden arquitectónico griego corintio.
• Cumple una finalidad didáctica, que es la de ilustrar con las imágenes a una sociedad mayoritariamente iletrada.
• Atendiendo a las figuras, Jesús es representado como la figura más importante y más grande, y los 12 apóstoles son iguales y más pequeños, por lo que tienen menos importancia; a esto se denomina como ley de jerarquía.
• Por otro lado, hay isocefalia, es decir, las cabezas están a la misma altura.
• No hay naturalismo, ya que como podemos observar los pies de las figuras cuelgan de una forma antinatural y la obra es rígida.

Pintura Románica Española del s. XII

Contexto Histórico

El Arte Románico se desarrolla entre finales del siglo X y el siglo XII, y es considerado el primer estilo internacional europeo. Es la época de la plenitud del feudalismo y de las Cruzadas, en la que Europa occidental era fundamentalmente rural. También es el periodo de las peregrinaciones, entre las que destacamos la del Camino de Santiago. Incluimos la creencia en los Temores del Año 1000 según San Juan, que sostenía que el mundo duraría 1000 años desde que nació Jesús y entonces se producirá un apocalipsis, que es el Juicio Final. El Arte Románico presenta variedades regionales, algo muy visible en Francia. En el caso español distinguimos el núcleo del Pirineo Catalán del Arte Románico del Camino de Santiago.

Obras

Ábside de San Clemente de Taüll

Durante la primera mitad del s. XII, el Románico del Pirineo culmina en el ábside de San Clemente de Taüll, y concretamente lo logra en la figura inscrita en la mandorla de Cristo en Majestad. Cumple una finalidad didáctica, que es la de ilustrar con las imágenes a una sociedad mayoritariamente iletrada.

Aparte del frontalismo solemne e hierático de origen bizantino, destacamos la caligrafía ornamental de influencia islámica; en la almendra mística encontramos las letras del alfabeto griego, que son el alfa y el omega, como símbolo de principio y de final.

Podemos observar la almendra mística o en italiano, Mandorla, que es la forma que encierra al Pantocrátor o Todopoderoso. El Pantocrátor se representa abriendo un libro en el que pone “ego sum lux mundi”. También podemos observar los Tetramorfos o cuatro formas o evangelistas, que escribieron los evangelios, y los sefardíes.

No hay naturalismo ni naturalidad espacial. Lo más importante y destacado es la fuerza expresiva de los ojos del Pantocrátor. Es pintura lineal porque los colores no tienen matices y son planos, por lo que no hay volumen.

En la obra hay tres zonas: la superior, que representa el cielo con Cristo en Majestad o Pantocrátor, los Tetramorfos y dos Serafines. En medio, la iglesia con la Virgen y los apóstoles. Y la zona inferior no conservada, que representaría la tierra.

La técnica utilizada es el mural al fresco, que es una técnica pictórica que se consigue con pigmento y agua de cal como aglutinante; además seca pronto y no admite rectificación. Y el soporte es el muro.

Como modelo e influencia destacamos la influencia islámica.

Pinturas de la Bóveda del Panteón de San Isidoro en León

En la segunda mitad del s. XII, nos fijamos en las pinturas de la bóveda del Panteón de San Isidoro en León que representan la Anunciación a los Pastores, donde apreciamos menos solemnidad majestuosa que en Taüll y una mayor capacidad narrativa. Se recurre menos a los símbolos y aparece el paisaje, aunque sea de un modo convencional. También las figuras, como la Anunciación a los Pastores o los propios animales, tienen más movimiento y naturalidad. El conjunto tiene menos austeridad decorativa.

A todos estos aspectos como el hieratismo, la simetría, la expresividad, la importancia de la línea, los colores planos y sin matices o el simbolismo del paisaje, añadamos que la técnica de la pintura mural al fresco, que es una técnica pictórica, se consigue con pigmento y agua de cal como aglutinante; además seca pronto y no admite rectificación.

Arquitectura Gótica

Contexto Histórico

La Arquitectura Gótica surge en la segunda mitad del siglo XII en la Isla de Francia, desarrollándose hasta el siglo XV, e incluso XVI en algunos lugares. El término “gótico”, usado despectivamente en el Renacimiento, alude a los pueblos godos, considerados responsables de la caída de Roma y el inicio de la Edad Media. Esta época estuvo marcada por la pervivencia del feudalismo, pero también por el auge de las ciudades, la burguesía y el comercio a gran escala. Se fundan universidades y se redescubre el pensamiento de Aristóteles, lo que favorece un nuevo impulso intelectual.

Innovación y Estructura

La gran innovación del gótico radica en la manera de construir: el muro deja de ser elemento portante para convertirse en superficie abierta a la luz. El arco apuntado, más flexible que el de medio punto, permite nuevas posibilidades estructurales. Las bóvedas se organizan mediante nervios u “ojivas” que cruzan el espacio y trasladan el peso a pilares. Estos, a su vez, se ayudan de arbotantes y contrafuertes, que conducen la presión al exterior, permitiendo elevar los muros e insertar enormes vidrieras. El pináculo, encima del contrafuerte, actúa como elemento estabilizador. Este sistema crea un ambiente simbólico, dominado por la luz coloreada que pretende evocar la Jerusalén Celestial. Un claro ejemplo de este efecto es la Sainte-Chapelle de París.

Catedrales y Evolución del Estilo

Las catedrales góticas suelen tener planta basilical con tres naves, siendo la central más alta. El claristorio se sitúa sobre las naves laterales y aloja grandes ventanales. La evolución del estilo se manifiesta en distintas etapas y lugares:

1. Protogótico (Siglo XII)

   Convive con el románico. Utiliza bóvedas sexpartitas y estructuras mixtas. Ejemplos en España son la catedral y la iglesia de San Vicente en Ávila. El gótico cisterciense busca austeridad, como en el monasterio de Santa María de la Huerta (Soria).

2. Gótico Pleno y Radiante (Siglo XIII)

   Alcanza su plenitud con catedrales como Chartres, Amiens y Reims. Se sustituyen las bóvedas sexpartitas por cuadripartitas, se reduce la tribuna y aparece el triforio. El gótico radiante, visible en la Sainte-Chapelle, busca desmaterializar el muro y dar protagonismo absoluto a la luz.

3. Gótico en Castilla

   Influenciado por el modelo francés.

   • Burgos: presbiterio destacado, fachada con rosetón y agujas caladas.
   • Toledo: nave sin triforio, pero con doble girola.
   • León: gran luminosidad y protagonismo de las vidrieras.

4. Gótico en Aragón

   Relacionado con el gótico mediterráneo. Catedrales como la de Barcelona, Mallorca o Gerona muestran naves tipo salón, con poca diferencia de altura entre la central y las laterales. El uso de vidrieras es menor y el muro vuelve a cobrar protagonismo, con arbotantes secundarios o inexistentes.

5. Gótico Flamígero (Siglo XIV)

   Pese a las crisis de la época (Peste Negra, guerras), se desarrolla un estilo más decorativo, con arcos cóncavo-convexos en forma de llama y bóvedas estrelladas. Llega a España por Sevilla y deja ejemplos como San Juan de los Reyes en Toledo, San Pablo en Valladolid o las agujas caladas de Burgos.

Conclusión

En conclusión, la arquitectura gótica representa una ruptura con la solidez románica para dar paso a la verticalidad, la luz y la espiritualidad. Mediante un complejo sistema estructural, se libera el muro para convertirlo en símbolo. A través de su evolución y diversidad regional, el gótico refleja los profundos cambios sociales, económicos y culturales de la Baja Edad Media, sentando las bases del pensamiento moderno.

Escultura Gótica

Contexto Histórico

La Arquitectura Gótica surge en la segunda mitad del siglo XII en la Isla de Francia, desarrollándose hasta el siglo XV, e incluso XVI en algunos lugares. El término “gótico”, usado despectivamente en el Renacimiento, alude a los pueblos godos, considerados responsables de la caída de Roma y el inicio de la Edad Media. Esta época estuvo marcada por la pervivencia del feudalismo, pero también por el auge de las ciudades, la burguesía y el comercio a gran escala. Se fundan universidades y se redescubre el pensamiento de Aristóteles, lo que favorece un nuevo impulso intelectual.

Características

• Desde el siglo XI en Europa hasta los siglos XIII, XIV o XV hay una evolución formal, porque los escultores van aprendiendo y se van sintiendo más seguros en los diferentes aspectos de la expresión, los pliegues, el movimiento, etc.
• El aspecto fundamental de las esculturas del siglo XIII es la humanización que se produce de la imagen religiosa. La escultura se hace más humana, menos antinatural y distante. Se busca promover el acercamiento al fiel, como vemos en diferentes motivos iconográficos: En la Virgen con el Niño, durante el Románico, la Virgen sirve de trono al niño, y no hay ninguna comunicación entre ellas; en cambio, durante el Gótico, la Virgen con el Niño se comunican y eso las hace más próximas. En la representación de Cristo en la cruz, durante el Románico, los Cristos en la cruz no sufren y no hay dolor; en cambio, en el Gótico el dolor aparece, a veces tremendo, con lo que se ha producido una humanización de la imagen.
• Respecto a la localización, las portadas son los lugares de representación escultórica del arte gótico: arquivoltas, tímpanos ordenados en registros horizontales y superpuestos, parteluz y estatuas-columnas en las jambas.
• En cuanto a las fuentes, junto a los Evangelios, añadimos la Leyenda Áurea de Jacopo de la Vorágine del siglo XIII que relata la vida y martirios de los santos.
• El último tercio del siglo XII y el siglo XIII son el momento de las grandes catedrales europeas en las que se decoran las fachadas y la decoración se concentra en las portadas, por lo que arquitectura y escultura se encuentran en relación. A menudo de las grandes catedrales surgieron series que luego se repetirían o sirvieron de modelo.
• Era policromada.

Pintura Gótica

Contexto Histórico

La Arquitectura Gótica surge en la segunda mitad del siglo XII en la Isla de Francia, desarrollándose hasta el siglo XV, e incluso XVI en algunos lugares. El término “gótico”, usado despectivamente en el Renacimiento, alude a los pueblos godos, considerados responsables de la caída de Roma y el inicio de la Edad Media. Esta época estuvo marcada por la pervivencia del feudalismo, pero también por el auge de las ciudades, la burguesía y el comercio a gran escala. Se fundan universidades y se redescubre el pensamiento de Aristóteles, lo que favorece un nuevo impulso intelectual.

Características

• Durante el Románico la pintura mural al fresco tuvo un gran desarrollo. Esta técnica fue desplazada durante el Gótico por la aparición de la vidriera. Esto fue así en el Arte Gótico salvo en Italia, donde el muro siguió teniendo un gran valor.
• En el siglo XIII en Francia tiene importancia la pintura hecha en los libros, llamada tendencia franco-gótico o gótico lineal por la importancia de la línea. A los libros pintados se les llama pinturas miniadas.
• A partir del siglo XIII y XIV surge la técnica del temple, que son retablos con pintura sobre tabla, formada con pigmento más cola o huevo como aglutinante.
• En Italia entre los siglos XIII y XIV se pinta al fresco sobre muro. Esta tradición la inicia el pintor Cimabue y Giotto la desarrolla. Estos pintores, en especial Giotto, rompen con la tradición bizantina de rigidez, antinaturalismo y repetición de los modelos, y además empiezan el camino hacia el naturalismo. Giotto se interesa por la composición y profundidad espacial.
• Es policromada.

Obras

La Huida a Egipto (s. XIII-XIV)

Esta obra pertenece a los siglos XIII y XIV, y es obra del autor Giotto. Giotto rompe con la tradición bizantina de rigidez, antinaturalismo y repetición de los modelos. Empieza el camino hacia el naturalismo y se interesa por la composición y profundidad espacial. La obra se sitúa en Padua, en la Capilla Scrovegni. En esta obra podemos ver representados en primer plano a la Virgen, cogiendo al niño, y a San José huyendo de Egipto; en segundo plano las montañas y en tercer plano el cielo. Todo esto crea profundidad espacial, añadiendo que los colores fríos dan la impresión de lejanía, como en el cielo, y los colores cálidos dan la impresión de cercanía. En el cielo podemos observar al ángel que los guía. En la obra hay volumen para ganar naturalismo, composición y profundidad espacial. Además se intenta representar los pliegues de manera natural. La técnica utilizada es pintura mural al fresco.

El Beso de Judas (s. XIII-XIV)

Está en la Capilla Scrovegni. Autor: Giotto. Técnica: pintura mural al fresco. En los siglos XIII y XIV en Italia hay otro pintor importante, Simone Martini. Trabajó en Siena y en Aviñón, donde sentó las bases del gótico internacional (s. XIV y s. XV), que se llama así porque se desarrolla por toda Europa y va a tender a alejarse del naturalismo, como si intentase huir de la realidad (es decir, porque el mundo real tal y como es, no les interesaba). Su obra más importante es la Anunciación.

La Anunciación (Simone Martini)

El fondo es dorado, por lo que es pintura gótica. Aparecen arcos apuntados y mixtilíneos. Las flores representan la pureza de la Virgen. Si la Virgen se levantase sería altísima y vestida de forma muy elegante; esta estilización es propia del gótico internacional. La capa del ángel está representada de forma forzada y antinatural, también propia del gótico internacional. La técnica es temple sobre tabla.

La Pintura Flamenca (s. XV)

Contexto Histórico

Es uno de los episodios más interesantes de toda la Historia del Arte y viene de Flandes. Se convertirá en una escuela que tiene su desarrollo en los siglos XVI, XVII y XV. A menudo los siglos XV y XVI se incluyen en lo que se llaman “Primitivos Flamencos“. Hay historiadores que ponen la pintura flamenca dentro del Renacimiento.

Características

• La pintura flamenca del siglo XV es, como la pintura del Renacimiento italiano del Quattrocento, una reacción al Gótico Internacional. Si el Gótico Internacional se alejaba de la realidad por un interés evasivo de la misma (es decir, porque el mundo real tal y como es, no les interesaba), la pintura flamenca y la italiana, que comienza a desarrollarse en Florencia, investigan en el mundo real.
• Se recurre en Flandes a la técnica del óleo (aceite de nuez o de linaza como aglutinante + pigmento de color + el secante de la trementina). Esta técnica abrió unas posibilidades desconocidas a la pintura, como la posibilidad de representar el mundo real, el cabello, las arrugas hasta el mínimo detalle. El autor que comenzó a usarla fue Jan van Eyck y su hermano, y una obra clave de ambos fue el Retablo de San Bavón de Gante o Retablo del Cordero Místico.
• La pintura flamenca fue la creación de la pintura de caballete al margen de los retablos o la pintura mural.
• El interés por representar la profundidad espacial, es decir, la tercera dimensión, simplemente por tanteo.
• En la pintura flamenca el paisaje tendrá un gran valor.

Autores Principales

Los autores más importantes son Jan van Eyck, Rogier van der Weyden e Hieronymus Bosch o El Bosco en castellano. Jan van Eyck y Rogier van der Weyden sentaron las bases del modelo pictórico flamenco del siglo XV.

Jan van Eyck

Jan van Eyck va a ser autor del doble retrato del Matrimonio Arnolfini. Arnolfini es un comerciante italiano de telas pero vive en Brujas. La pintura era de caballete y la técnica utilizada es óleo. Hay un gran realismo y destaca la aparición del paisaje. La obra presenta a una pareja en el interior de una habitación. El espejo en la pared del fondo marca el eje de simetría compositiva, en confluencia con la lámpara del techo y el perro. El espejo refleja la escena desde el punto de vista opuesto al del espectador y amplía el espacio pictórico, que abarca incluso el ámbito del pintor y de los hipotéticos testigos de la escena situados detrás de él. La construcción del tema muestra una imagen teatral y poco espontánea. Contribuye a este efecto el predominio de la línea sobre el color, que perfila los contornos de las figuras y de los objetos, y les confiere una corporeidad y solidez casi escultóricas. Esto le permite plasmar incluso el más mínimo detalle con una escrupulosidad microscópica, gracias al empleo de la técnica del óleo aplicado con plumillas. Dispone en primer plano los zapatos del hombre, de madera clara, y los de la mujer, al fondo, de color rojo. La diagonal ayuda a crear mayor perspectiva. La luz, con precisión realista, ilumina a la esposa y deja en penumbra la parte izquierda del lienzo. Dominan tres grandes manchas cromáticas: el verde del vestido, el rojo de los cortinajes y los cobertores, y el marrón de la capa del mercader.

Rogier van der Weyden

Van der Weyden, su obra más importante y una de las más conocidas de todo el siglo XV es el Descendimiento. Aquí no hay paisaje y las figuras son de un realismo escultórico impresionante; la obra merece observarla al detalle. Era un tríptico (tres tablas). Perteneció a la tía de Felipe II y lo heredó de ella. La tabla central, que es la única conservada, nos muestra el descendimiento de la Virgen que se desmaya. La representación está muy bien ordenada, las figuras de los laterales cierran la composición y la Virgen y Jesús van en paralelo. Aparece el donante (el que hace el encargo y se considera muy importante). La técnica es pintura al óleo y el soporte es madera. El fondo es dorado (Gótico). No hay paisaje para que el espectador no se descentre. No hay profundidad espacial salvo el volumen de las figuras. La calavera simboliza el Gólgota, que es el lugar de cráneos. Como novedad, esta obra tiene intensidad dramática en el movimiento, ya que todos están llorando y la madre se está desmayando.

Artistas Clave del Arte Medieval

Maestro Mateo

Es uno de los grandes nombres del Arte Románico en España, aunque también se le suele vincular con el inicio del Gótico. Su obra más importante es el Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela, realizado a finales del siglo XII. Esta obra es clave porque representa una transición hacia un estilo más expresivo y naturalista, que se aleja de la rigidez típica del románico. El Pórtico destaca por su complejidad iconográfica y por la riqueza de las figuras esculpidas, que representan el Juicio Final con una intensidad emocional poco común en la época. Además, se nota un mayor interés por el realismo en los rostros y la interacción entre las figuras. Mateo también trabajó en otras partes de la catedral, como la cripta y el coro, lo que demuestra su importancia como arquitecto y escultor. Su estilo tuvo mucha influencia en la escultura gallega posterior y marca un punto de inflexión en la evolución del arte medieval en España.

Simone Martini

Simone Martini fue uno de los grandes representantes del Gótico Internacional y desarrolló su obra principalmente en Siena durante el siglo XIV. Su estilo se caracteriza por la elegancia, la delicadeza de las figuras y el uso refinado del color y el oro, lo que refleja la influencia del arte bizantino pero también una gran sensibilidad narrativa. Uno de sus cuadros más famosos es la Anunciación, donde se puede ver perfectamente su estilo: las figuras son esbeltas, los gestos sutiles y hay una clara intención decorativa. Aunque sigue ciertas convenciones medievales, como la falta de perspectiva realista, ya se aprecia una preocupación por el espacio y la expresión. Además, su obra influyó en artistas franceses y en la corte de los papas en Aviñón. Simone Martini es clave porque representa un momento en el que el Arte Gótico empieza a volverse más sofisticado, narrativo y cortesano, en contacto con nuevas ideas procedentes de distintas partes de Europa.

Giotto di Bondone

Giotto di Bondone es considerado el primer gran renovador del arte occidental, ya que supuso una ruptura clara con la pintura bizantina. Aunque su obra se sitúa todavía dentro del Gótico, su estilo es mucho más naturalista y humano. Lo más destacado de Giotto es su capacidad para representar el volumen de las figuras, el espacio y, sobre todo, la emoción. En sus frescos de la Capilla Scrovegni de Padua se ve cómo introduce la perspectiva arquitectónica y organiza las escenas de forma coherente. Además, los personajes no son solo símbolos, sino que expresan sentimientos reales y se relacionan entre ellos, lo que da más profundidad a la narrativa. Giotto influenció profundamente a los artistas del Renacimiento y es considerado una figura de transición entre la Edad Media y la modernidad en el arte. Su obra marca el inicio de una nueva manera de entender la pintura, más cercana a la experiencia humana.

Jan van Eyck

Jan van Eyck es uno de los pintores más importantes del arte flamenco del siglo XV y un maestro en el uso de la pintura al óleo. Su obra se caracteriza por el detallismo extremo, los colores brillantes y la riqueza simbólica. Uno de sus cuadros más conocidos es el Matrimonio Arnolfini, donde demuestra su dominio del realismo: cada objeto tiene un significado y está pintado con una precisión impresionante. También trabajó temas religiosos, como en el Políptico del Cordero Místico, que realizó con su hermano Hubert. Van Eyck no solo destaca por la técnica, sino también por su interés en la luz, el espacio y los reflejos, lo que le permite crear una sensación de profundidad sorprendente. Aunque su estilo es todavía medieval en cuanto a la simbología, su forma de pintar es completamente moderna y tuvo una enorme influencia en el arte europeo posterior, incluyendo el Renacimiento italiano.

Rogier van der Weyden

Rogier van der Weyden fue uno de los principales continuadores del estilo de Jan van Eyck, pero con un enfoque más emocional y expresivo. Su pintura se caracteriza por el dramatismo de las escenas religiosas, la precisión en los detalles y la intensa carga simbólica. Una de sus obras más conocidas es el Descendimiento de la Cruz, donde las figuras están colocadas de forma muy teatral, casi escultórica, y expresan un dolor muy humano. A diferencia de Van Eyck, que se centraba más en la técnica y la luz, Van der Weyden pone más énfasis en la composición y la expresión de los sentimientos. Sus fondos suelen ser planos o dorados, lo que hace que las figuras destaquen aún más. Fue muy admirado en su época y su influencia llegó incluso hasta Italia y España. Su estilo ayudó a consolidar la pintura flamenca como una de las más refinadas del Gótico tardío.

El Bosco

El Bosco es un artista único dentro del arte flamenco y uno de los más enigmáticos del Renacimiento del Norte de Europa. Su obra se caracteriza por la imaginación desbordante, la simbología moralizante y un estilo que mezcla lo fantástico con lo religioso. Su cuadro más famoso es el Jardín de las Delicias, un tríptico en el que representa el Paraíso, la vida humana y el Infierno con una cantidad inmensa de detalles, criaturas extrañas y escenas surrealistas. Aunque sus obras siguen técnicas flamencas como el óleo detallado y el uso del color, su iconografía es completamente original. Muchas veces se ha interpretado como una crítica a la corrupción y a los pecados de la humanidad. El Bosco influyó mucho en el arte posterior, especialmente en el manierismo y en artistas como Goya o los surrealistas. Su estilo no tiene comparación en su época, y por eso se considera una figura completamente excepcional.