Antigüedad Clásica: Artes de Grecia (Época Arcaica)

Finales del siglo VIII a. C. hasta 475 a. C.

La época arcaica se basaba en la ganadería y agricultura, y la democracia no existía; por lo tanto, había una monarquía. Fue un período de crecimiento demográfico, se desarrolla el comercio y la ciudad se enriquece.

Estilo

A partir, sobre todo, del siglo VII a. C., la cultura griega se va consolidando en torno a una serie de conceptos básicos:

• La Reflexión científica, que trataba de dar una explicación racional a todas las cosas.
• La Capacidad de abstracción. Los griegos sentaron las bases de modelos (en la literatura, en la filosofía, en el arte) que siguen teniendo vigor dos milenios y medio después.
• La arquitectura griega no pretende deslumbrar, sino ser un producto de la razón. Por este motivo, está llena de números, proporciones, ritmos y medidas.

Podemos destacar de ella las siguientes características generales:

• El Antropocentrismo. La escultura plasma la visión ideal de los aspectos visibles del hombre. Incluso los dioses son concebidos como seres afectados por las pasiones humanas.
• La Búsqueda de la belleza. Los griegos consideraban la belleza como una de las características más importantes de su arte y consideraban que todo lo que no era bello, era contrario a la belleza ideal. La suma de orden, de equilibrio, de proporción, de simetría, es decir, la razón matemática, era todo lo que ellos pretendían conseguir con sus obras. Había que conseguir que toda la obra de arte lograra la belleza máxima.

Materiales y Tipologías

Los materiales más usados en arquitectura eran:

• Mármol: Técnica de la talla
• Bronce: Técnica de la fosa / cera perdida

A veces también usan piedra caliza, madera, oro y marfil.

Policromía

Las obras eran originalmente policromadas (esta policromía era de colores muy vivos, hoy perdidos).

Los tipos principales de la escultura griega quedaron establecidos durante la época arcaica:

• El kouros (tipo ideal de varón joven, desnudo, de tamaño superior al natural, con los brazos pegados al cuerpo y la pierna derecha adelantada).
• La koré (figura femenina, en pie, portadora de ofrendas; se presenta vestida con el peplum o con el himation).

Koré

La palabra griega Koré, en plural kórai, significa doncella. Según parece, las kórai eran estatuas votivas pequeñas que, en la época arcaica, se dedicaban al culto. Solían llevar una fruta, una flor o un animalillo en una mano y siempre se representaban vestidas.

Significado y Encargo de las Koré

Doncellas en acto de ofrenda, entregando una fruta, flor, objeto… O bien, según estudios recientes, las identifican como representaciones de divinidades: Artemisa, Atenea…

• Representación del ideal de belleza femenino griego. Las encargaban tanto particulares como entidades públicas.

Función de las Koré

Religiosa, votiva. Escultura que servía de ofrenda, de culto a la divinidad.

Modelos e Influencias (I)

La estatua conocida ahora como Koré del Peplo se encontró en la Acrópolis de Atenas en 1886, cerca del templo Erecteion.

• Se encontró dividida en tres partes a lo largo de varios días, igual que otras catorce kórai descubiertas en la Acrópolis.
• Estaban enterradas en una fosa para protegerlas de la destrucción persa de la Acrópolis entre el 480 y el 479 a. C. Los atenienses aseguraron que estas dedicaciones, a pesar de estar rotas y partidas, continuarían siendo sagradas para Atenas.

Modelos e Influencias (II)

1. El primer período es de influencia oriental clara (especialmente egipcia).
2. El ejemplo más claro son las esculturas votivas o religiosas del siglo VIII a. C., realizadas sobre madera y que nos llegaron por copias de piedra: las xoanes o xóanon.

Xoanes

Son las manifestaciones escultóricas más antiguas. Esculturas de madera que recibían cierta veneración religiosa. Muy imperfectas. Atienden a la ley de la frontalidad, con la cual se nos presenta una figura para ser vista de frente, totalmente rígida y recta, sin ningún tipo de flexibilidad ni torsión.

Modelos e Influencias (III)

El modelo escultórico de las Koré irá hacia la investigación del naturalismo y anticipa así una de las características esenciales de la estatuaria clásica de los siglos V y IV a. C.

A medida que nos acercamos a la época clásica, presentarán más expresión plástica, un movimiento más realista y un tratamiento de las vestimentas mucho más delicado y trabajado.

Modelos e Influencias (IV)

Este tipo de obra nos permite, además, seguir la evolución de la moda femenina de la época, puesto que las figuras se representan llevando las nuevas tendencias de vestimenta.

Modelos e Influencias (V): Kouroi

• Función: religiosa, conmemorativa, funeraria.
• Representa a un joven atleta.
• Las piernas están separadas, pero los brazos están pegados al cuerpo.
• Atletas siempre desnudos.
• Cabellos largos y trenzados, pero llevan la stefano (diadema).
• Ojos miran hacia adelante y sonríen sin expresión (sonrisa arcaica).
• Presentan hieratismo: posición estática, tanto koré como kouroi.

Antigüedad Clásica: Artes de Grecia (Época Clásica)

Finales del 475 a. C. hasta 323 a. C.

Contexto Histórico

Desde las Guerras Médicas (490 a. C.) hasta el año 323 a. C.

Este período se caracteriza por dos hechos:

• El gobierno de Pericles, el cual se sitúa desde el 443 al 429 a. C. Atenas fue la polis, ciudad más representativa de esta época; se desarrolla la democracia.
• Por otro lado, Las Guerras del Peloponeso (del 431 al 404 a. C.). Enfrentamiento entre la Liga de Delos (liderada por Atenas) y sus aliados, de tendencia democrática, contra Esparta y los suyos, de tendencia oligárquica.
• Con la derrota de Atenas y la consecuente hegemonía de Esparta (404-371 a. C.), hay que destacar que Atenas pierde poder político, pero no fuerza intelectual, cultural y artística.
• Los grandes filósofos Platón y Aristóteles son de este siglo V y principios del IV a. C.

Contexto Cultural

• Época de gran vitalidad cultural.
• Durante el mandato de Pericles, las Artes y las Ciencias toman gran importancia y desarrollo.
• Es la época de los grandes artistas (Mirón, Policleto y Fidias), la época de Sócrates, filósofo griego, y la época en que Hipócrates fundó la escuela de medicina científica.

Estilo

Antropocentrismo

El hombre es el eje central de la cultura griega y la principal fuente de inspiración.

Se representan figuras humanas (incluso los dioses tienen forma humana), y buscan un ideal de perfección que combina belleza física y equilibrio espiritual.

Belleza

• Es un arte estético que busca conseguir la belleza máxima a partir de la armonía, el equilibrio y la proporcionalidad.
• El arte se aleja de la función mágica, o de exaltación del poder de épocas anteriores, para buscar un ideal de belleza, no una mera representación de la realidad.

Racionalidad

El equilibrio y la armonía con la que consiguen la belleza y la perfección en las obras tienen como base el cálculo matemático (uso del canon).

Canon de Policleto: 1/7. Canon de Lisipo: 1/8.

Materiales y Tipologías Escultóricas

El material utilizado en las obras escultóricas era:

• Mármol: Técnica de la talla
• Bronce: Técnica de fosa / cera perdida

A veces también utilizan piedra caliza, azabache, oro y marfil.

Tipos de Esculturas

• Escultura exenta (como las que vemos en clase).
• Relieves (decoración de frisos y metopas en templos y altares).

La Categoría de Artista

Los escultores pasan de ser artesanos a tener una consideración social importante: la de artista. Ganan prestigio.

Conocemos la autoría de las obras y grandes figuras de la época como Mirón, Policleto y Fidias…

Mejoras Técnicas y Artísticas

• Período de mayor esplendor. Se rompe definitivamente con la rigidez arcaica y se implanta un modelo que marcará la escultura para siempre.
• Escultura naturalista, pero con un naturalismo idealizado que busca un ideal de belleza basado en la proporción y la armonía.
• El tratamiento de la piel es mucho más delicado.
• Estudio de la anatomía y el movimiento real de la musculatura.
• Aumenta la expresividad del personaje y se intenta representar su personalidad y las emociones, pero de forma contenida, sin excesos dramáticos. Se busca el equilibrio entre mente y cuerpo, por lo cual los movimientos y la expresividad son contenidos y serenos.
• Se acaba con la frontalidad y se consigue captar el movimiento, pero un movimiento sereno y contenido a partir del contrapposto, que rompe con la rígida simetría anterior.
• Dominio técnico casi total que permite cambios: los brazos se separan del cuerpo y se doblan, la ropa sugiere las formas (“paños mojados”), las cabezas se inclinan, detallismo…

El Discóbolo de Mirón

Mirón

• Mirón fue un escultor griego, uno de los más importantes, mencionado también como grabador.
• Nació en Eleúteres, Beocia, en el 480 a. C., fue discípulo de Agelades y contemporáneo de Fidias.
• Tenía un gran poder expresivo para todo tipo de formas y un gran dominio de la técnica del bronce.
• Fue el primer artista que representó cuidadosamente el movimiento. No se han conservado sus obras originales; las que conservamos son copias romanas de mármol.

Descripción

Es una obra figurativa que representa a un atleta en el momento previo a lanzar el disco. El tratamiento del cuerpo es naturalista e idealizado.

El protagonista, que se presenta desnudo, muestra unas formas corporales marcadas por la musculatura en tensión, fruto de la voluntad de captar la acción y representar el movimiento.

Por otro lado, su rostro continúa siendo hierático, con una expresión contenida que no demuestra el esfuerzo realizado. La representación de los cabellos continúa siendo esquemática, como en las producciones artísticas del período arcaico.

La obra se presenta sobre un pedestal o base que lo eleva y con un apoyo en la parte posterior de la pierna izquierda en forma de tronco, añadido en las copias romanas de mármol.

Composición

• La composición es abierta y asimétrica.
• Esta obra fue pensada para ser expuesta; es una escultura unifacial, pues a pesar de buscar transmitir la sensación de movimiento, la cara principal es la frontal.
• De perfil, la forma del cuerpo describe una ‘S’, que se completa con un arco continuo que componen los brazos, para equilibrar la composición y predomina, por lo tanto, la línea curva.
• Tensión entre las diversas formas geométricas que componen el cuerpo.
• En el Discóbolo identificamos una composición hecha a partir de triángulos y líneas curvas.
• Por ejemplo, la cabeza, las caderas y los pies forman una media circunferencia que se opone a la otra media circunferencia que forman los brazos extendidos. En segundo lugar, se traza una línea en zigzag que rompe cualquier armonía estática y que va del disco hasta el hombro derecho, de este a la cadera, de la cadera a la rodilla, y de la rodilla al pie levantado. En definitiva, es la expresión perfecta del movimiento.

Ritmo

Esta ordenación de las líneas en movimiento y este juego de curvas y contracurvas se denomina Rythmos:

• Se crea un equilibrio en la composición del disco que actúa como contrapeso en la pierna donde se apoya el brazo.
• Intención: captar un movimiento fugaz.

Tema

Representa a un joven atleta griego en el momento justo de lanzar el disco, momento donde se realiza el desequilibrio del cuerpo.

Iconografía y Significado

Esta obra es una obra conmemorativa del mito de Jacinto, que murió en unos juegos dedicados a Apolo.

Muestra el ideal de belleza griega del momento: la tensión de los músculos, la fuerza y la seguridad que debía tener el atleta formaban parte del ideal de belleza del hombre de la época.

Los atletas vencedores de las Olimpíadas eran considerados semihéroes y se les dedicaban esculturas. Esta en particular no va dirigida a ningún atleta en especial.

Función

• Conmemorativa
• Estética/Decorativa
• Demuestra la importancia de los Juegos Olímpicos, el deporte, el culto al cuerpo… de la sociedad griega.

El Doríforo

Ficha Técnica

• Título: Doríforo (del griego, portador de lanza)
• Autor: Policleto el Viejo
• Cronología: Entre 450 y el 420 a. C. (s. V a. C., el de Pericles)
• Estilo: Griego, de la época clásica
• Localización de origen: Desconocimiento de su ubicación antigua.
• Localización actual: Diversas copias (Museo Vaticano de Roma, Museo Nacional de Nápoles)
• Material: Original de bronce (otras copias de mármol)
• Técnica: Original bronce (fosa a la cera perdida), mármol (talla)
• Forma: Escultura exenta
• Tipología: De pie
• Cromatismo: Monocroma
• Dimensiones: 2,12 m de altura
• Tema: Atleta lancero

A nivel escultórico, las tres figuras principales del primer clasicismo son: Mirón (Discóbolo), Policleto (Doríforo) y Fidias (mármoles del Partenón).

Autor: Policleto

Policleto o Policleto el Viejo fue uno de los tres principales escultores más relevantes del siglo V a. C.

Nace en Argos (480 a. C.) y fue discípulo de Agelades; por lo tanto, estudió junto con Fidias y Mirón.

• Se formó en la técnica del bronce, a pesar de que sus obras han sido estudiadas a través de las posteriores copias romanas realizadas en mármol.
• Entre sus obras más famosas están el Doríforo y el Diadumeno.
• Especialista en: atletas victoriosos, estatuas a tamaño natural, rostros ideales, impersonales… aspira a los mismos ideales estéticos que Mirón, pero a través de la simetría.
• La belleza para él tiene un carácter matemático (relacionado con la corriente pitagórica), por eso sus obras presentan una estructura geométrica y su belleza es toda orden, medida y proporción.
• Además de sus obras como escultor, Policleto también escribió un tratado de escultura, hoy perdido, titulado El Canon, que establece las medidas ideales de representación del cuerpo humano. El ideal y las medidas de belleza masculino.

Características del Estilo

Materiales: Mármol/Bronce (Copias Romanas). Belleza: Canon 1/7 y Contrapposto.

Descripción

Se trata de una obra figurativa, naturalista idealizada que presenta un joven atleta de pie, totalmente desnudo, que con la mano izquierda sostiene una lanza, actualmente perdida, sobre el hombro.

Debido al peso del mármol, en esta copia romana la figura se complementa con un pequeño apoyo que une el brazo derecho a la pierna y con un tronco a la altura del muslo del atleta que sostiene todo el peso de la estatua.

Composición

• Multifacial, trabajada por igual en todos sus lados. Pensada para ser rodeada por el espectador, observada desde cualquier ángulo.
• El Doríforo es el ejemplo perfecto de una de las teorías capitales de Policleto: el contrapposto. Es decir, la contraposición entre una parte tensa y otra distendida, que otorga a la figura un equilibrio dinámico. La pierna izquierda, relajada, está más atrás y con el pie haciendo ángulo, de forma que apenas toca el suelo; y la pierna derecha, que soporta el peso de todo el cuerpo, es recta y en tensión.
• El Doríforo es un perfecto estudio anatómico, siguiendo la teoría del canon de Policleto: “Proporción corporal de 7 veces la cabeza”.

Ritmo

Ritmo alterno: muestra un equilibrio perfecto entre la parte tensa y la parte distendida, lo que acentúa el dinamismo y la naturalidad de la figura.

Tiempo

La obra representa un atleta en reposo instantes antes de participar en su prueba de lanzamiento. Pretende eternizar este momento.

Análisis Conceptual

• Tema: Representa un atleta en reposo instantes antes de participar en la prueba de lanzamiento.
• Simbolismo: Representa el ideal antropológico griego: el hombre en plenitud juvenil preparado para participar en los juegos, en un equilibrio perfecto entre vigor físico e inteligencia.
• Función y Encargo: Estética y Didáctica. Por un lado, se trata de un ejercicio de creación de un modelo de belleza con el fin de ser disfrutado por el espectador; por otro lado, es una obra ilustrativa de la teoría del Canon de Policleto, creada para ejemplificarla.
• Modelos e Influencias: Diadumeno de Policleto.
• Su canon y su composición en contrapposto inauguraron un modelo que siguieron sus contemporáneos e influyó en el arte romano y en grandes escultores del Renacimiento, como Miguel Ángel.

Civilización Griega (Época Helenística)

323 a. C. – 31 a. C.

Atenas deja de ser la capital cultural y aparecen nuevos centros culturales y artísticos como Rodas, Alejandría (Egipto) o Pérgamo en Asia Menor.

• Dividimos la historia de Grecia en tres períodos: Arcaico, Clásico y Helenístico. Es en este último período donde situamos esta obra, que va desde la muerte de Alejandro Magno hasta el año 31 a. C.
• En este momento, y gracias a las conquistas de Alejandro Magno, los griegos entran en contacto directo con las culturas del Próximo Oriente, ensanchando el ámbito del arte helénico y haciendo posible la aparición de nuevos centros de difusión de sabiduría y ciencia. La cultura griega está atomizada (tiene más de un centro); las ciudades del Este (Asia Menor) son cada vez más importantes.
• Las luchas de poder después de la repentina muerte de Alejandro, crearon un clima de inestabilidad. Ante este panorama, el arte abandona los modelos clásicos en favor de un tema más rico y diverso que captura este nuevo momento.
• Progresivamente, hay un traslado de artistas griegos a Roma.

Características Generales del Período Helenístico

• Estilo: La mezcla de la influencia oriental (colosalismo, monumentalidad, patetismo, nuevos temas) y la tradición clásica, abierta a una nueva forma de concebir el arte y la escultura.
• Teatralidad: La belleza se basa más en ideas de movimiento y expresión; se deja de lado el hieratismo completamente.
• Los ideales clásicos de belleza, armonía, serenidad y equilibrio son abandonados en favor de la tensión, el movimiento y una expresividad extrema.
• Fuerte expresividad: Tendencia a expresar los sentimientos y la pasión en los rostros (pathos) exageradamente, en momentos de fuerte intensidad, acompañados por la tensión de la composición.

Pathos

Emociones muy intensas; no es una alegría superficial, sino muy extremista (tristeza, éxtasis, sufrimiento…). Exceso.

Composición y Movimiento

Representan el movimiento. Ya no de manera equilibrada, sino intensa, con escorzos difíciles que rompen la frontalidad y transmiten tensión y dinamismo de los momentos reproducidos.

Anatomía y Claroscuro

Se busca la representación del volumen, hasta el punto de trabajar los músculos en el mínimo detalle, de tal manera que hay efectos de claroscuro. Los artistas se recrean en su arte, buscan resolver problemas técnicos.

Diversidad Temática

Temas muy variados: temas anteriores más dramáticos, retratos psicológicos, grupos escultóricos, temas triviales de la vida cotidiana, temas grandiosos de dioses y héroes, alegorías.

El naturalismo continúa, pero se deja de buscar la idealización para perseguir el realismo, y llega a recrearse en la plasmación de los defectos físicos, de aquello feo.

Laocoonte y sus Hijos

Contexto Histórico y Cultural: Escuela de Rodas

Se pierde la unidad estilística de toda Grecia y surgen escuelas locales:

Pérgamo, Rodas, Alejandría… Laocoonte y sus Hijos es la escultura más importante de la escuela de Rodas. En este centro de producción artística predominó la monumentalidad y el patetismo, la tendencia a componer grupos piramidales, así como a expresar dolor y movimiento contorsionado en las figuras.

Las obras más reconocidas son: El Coloso de Rodas, la Victoria de Samotracia o El Toro Farnesio.

El Coloso de Rodas

Representaba a Helios (dios del sol), realizada en bronce por Cares de Lindos, y colocada en el puerto de Rodas. Tenía una antorcha en la mano que servía de faro a las naves que entraban en el puerto por debajo de sus piernas. Fue destruida y no se volvió a esculpir.

Victoria de Samotracia

Atribuida a Pitócrito de Rodas.

Momento en que se posa en la proa del navío, haciendo frente al propio movimiento del barco y a la fuerza del viento.

Técnica: “Paños Mojados”.

• Va vestida con un fino manto (quitón) que, adherido al cuerpo, deja entrever sus elegantes curvas femeninas. La posición de avanzar de la pierna derecha denota firmeza, pero al mismo tiempo, confiere ligereza a la figura.
• Niké / Victoria personificada en la forma de una diosa alada, que desciende a la tierra para honrar al ganador (mármol de Paros). Descubrimiento en 1863.
• Mide 2,45 m.

El Toro Farnesio

Este grupo escultórico colosal representa el mito de Dirce, esposa de Lico, rey de Tebas. Según la leyenda, Dirce fue ligada a los cuernos de un toro salvaje por los hijos de Antíope, Zeto y Anfión, que querían castigarla por la manera en como había maltratado a su madre, primera esposa del rey.

Material y Técnica de Laocoonte y sus Hijos

Mármol y Bronce.

Laocoonte es una copia en mármol de un original de bronce hecha con la técnica de la fundición con el método de la cera perdida.

Composición

• Se trata de una composición frontal y unifacial.
• Las diagonales dan unidad a la acción de los tres personajes y a la vez manifiestan el dinamismo de la composición. Este movimiento se ve reforzado por la situación de las dos serpientes que sirven de nexo de unión entre las tres figuras y por la sensación de tensión extrema de los cuerpos que se afanan en liberarse.

Las tres figuras quedan unidas por las serpientes, que estrechan los cuerpos musculosos, tratados todos como si fueran adultos, puesto que las anatomías de los niños son como las del padre, pero a escala reducida; muestran una musculatura exagerada para su edad, y una gran perfección anatómica, sobre todo la figura central.

Los personajes expresan la perfección anatómica heredada del período clásico.

• Los artistas helenísticos se alejan del sentido religioso del arte y se concentran en resolver problemas técnicos y en crear sensaciones en los espectadores; así, la obra representa las emociones humanas en su máxima expresión patética.
• Contiene el dramatismo más extremo. Las tres figuras son representadas en una lucha brutal por la vida en que cada músculo está en tensión para escapar del abrazo mortal.
• Hay una voluntad de exagerar el efecto teatral de la anatomía, y se añade el dolor moral de Laocoonte al presenciar la muerte de sus hijos.

Análisis Formal: Tiempo

Pausa en el punto clave de la escena, momento de máxima tensión.

Análisis Formal: Volumen y Luz

Las técnicas escultóricas utilizadas como el volumen de los músculos, los “paños húmedos”, el nudo atlético derivado del arte del siglo IV a. C., los ojos hundidos, el trépano en el cabello y las barbas, la boca abierta, son todos valores dinámicos y pictóricos similares a los de los relieves de la misma Escuela de Rodas y crean unos efectos claroscuros que disparan la emoción de la escena.

Análisis Formal: Expresividad

El dramatismo se acentúa en los detalles, como por ejemplo la boca abierta de Laocoonte y las arrugas de dolor de su cara, como también las expresiones lastimosas de sus hijos, el más grande de los cuales mira al padre como pidiéndole ayuda.

Análisis Conceptual: Función y Encargo

Función estética y pública.

Arquitectura de Grecia: Características

• Antropocentrismo: Está hecha a la medida del ser humano. Por eso, el templo griego no es monumental ni colosal, porque está hecho a la medida del hombre (desaparece el colosalismo y la monumentalidad del arte mesopotámico y egipcio).
• Búsqueda de la Belleza: El arte toma como objetivo el logro de la belleza máxima, de la armonía visual. La belleza es la suma del orden, de proporción, de equilibrio, de simetría; en resumen, de razón matemática.
• Equilibrio con la Naturaleza: El equilibrio del espacio arquitectónico con la naturaleza. La figura del arquitecto es considerada “escultor de espacios”. Sus construcciones se hallaban integradas en el entorno y el espacio exterior tenía, para ellos, una gran importancia debido a una clara voluntad de contemplación, de conseguir placer estético. Arquitectura: función + belleza.
• Escultura como Complemento de la Arquitectura: Una gran parte de la escultura griega se integró totalmente en la obra arquitectónica.
• Religiosidad: Las divinidades tomaron un papel muy importante. El Partenón es el más grande de todos estos templos.
• Mármol como Principal Material: El material de las obras era el mármol.
• Gran Influencia en la Civilización Occidental: El arte griego tendrá mucha influencia en la civilización occidental, sobre todo en el arte romano que vendrá después.
• Arquitectura Arquitrabada: Fórmula simple de construcción que es una estructura horizontal que tiene como función transmitir el peso de la zona cubierta a las columnas que se encargan de recogerlo y llevarlo directamente al suelo.

Órdenes Arquitectónicos

3 estilos (dórico, jónico y corintio). Su objetivo era definir unos patrones estéticos que reprodujeran el ideal de belleza del período estético al que pertenecen.

Estilo Dórico

Es el estilo más antiguo y sencillo, apareció en el siglo VII-VI a. C. Estaba asociado a las divinidades masculinas y se le puede identificar por varias características:

• No tiene base.
• El fuste se ensancha en la zona central y baja, el llamado éntasis.
• El capitel, sencillo y sin apenas decoración, está formado por dos partes: el ábaco y el equino.

Estilo Jónico

También apareció en el siglo VII-VI a. C., en Asia Menor, pero es más complejo que el dórico. Este estilo, a diferencia del anterior, se asociaba a las divinidades femeninas. Características básicas:

• El fuste ya no tiene un ensanchamiento en el centro (éntasis) y, además, tiene más aristas.
• Suele contar con 20-24 acanaladuras.
• El capitel cuenta con dos volutas a manera decorativa.

Estilo Corintio

Este estilo apareció en el siglo IV a. C. como una evolución del jónico; es decir, eran muy similares. Ambos contaban con base, un fuste similar y un capitel decorado. ¿En qué se diferencian?

• Tiene más decoración y es más elaborada.
• Son características las hojas de acanto en el capitel.

Elementos Decorativos

En ocasiones, dentro del orden arquitectónico, el fuste de las columnas es sustituido por esculturas femeninas (cariátides) o masculinas (atlantes). No solo son decorativas, son estructurales.

Arquitectura Civil: Los Teatros

El Teatro Griego

Construcción civil más significativa después del templo. Edificio de celebración comunitaria de origen mitológico, aunque de carácter cultural y lúdico.

Nació a partir de las ceremonias que se hacían a Dioniso. Las ceremonias eran religiosas, por eso hay un altar en medio de la orquesta. En el Siglo IV a. C., los actores son más importantes que el coro, y se sitúan en el proscenio.

Características: forma ultra semicircular, orquesta circular, acústica inmejorable y visión perfecta desde todos los ángulos.

El Teatro de Epidauro

Ficha Técnica

• Nombre: Teatro de Epidauro
• Arquitecto: Policleto el Joven (Argos, s. V-IV a. C.)
• Estilo: Arquitectura del período clásico tardío.
• Cronología: 350 a. C.
• Ubicación original: Epidauro, Peloponeso (Grecia)
• Dimensiones: Diámetro 135 m
• Tipología de obra: Teatro
• Materiales: Piedra

Contexto

El Teatro de Epidauro fue construido en Grecia a finales del s. IV a. C., está situado al sureste del santuario de Asclepio (dios de la medicina). Este santuario acogía a gente enferma para curarla; una teoría es que, al haber un clima bueno, la gente se curaba.

Contexto del Autor

Según Pausanias (escritor griego del siglo II d. C., autor de la Descripción de Grecia), el arquitecto fue Policleto el Joven (nieto de Policleto el Viejo) y autor también del Tholos de Epidauro.

Características del Estilo

• Antropocentrismo
• Belleza: armonía y proporción, consideradas las bases de la belleza. Para conseguir esta belleza, los griegos crearon el Teatro de Epidauro en base a las matemáticas; además, es la representación perfecta de los teatros griegos tanto en belleza como en acústica.
• Equilibrio del Espacio con la Naturaleza: La obra de arte en sí tiene que adaptarse a la naturaleza; por eso mismo, los teatros griegos se construían aprovechando las laderas de las colinas (veías la obra y además estabas rodeado de naturaleza, una experiencia impresionante).

Análisis Formal

• Espacio exterior.
• Los teatros griegos se construían a partir de una vaguada o bajada natural de un terreno para construir y hacer las caveas (gradas).
• Había una visión panorámica increíble.
• Espectáculos durante la luz del día; los actores potencian la voz para que se les oiga, llevan máscaras.
• Su aforo es de 15.000 espectadores.

Función

Religiosa y lúdica.

Influencias

Teatro de Delfos.

Será el modelo de teatro que se seguirá, con pequeñas modificaciones, durante toda la antigüedad y hasta el Renacimiento, pero no se conseguirá nunca más un espacio tan bien proporcionado y armonioso con la naturaleza como este.

Introducción al Arte

El Arte como Lenguaje: Forma y Mensaje

El Arte es un lenguaje, un acto de comunicación de ideas y sentimientos propio de los seres humanos, una manera de expresar y de transmitir ideas y sentimientos. Por medio de las obras de arte, el arte nos comunica algo, ya sea de forma:

• Explícita: (El mensaje es claro).
• Implícita: (El mensaje solo se entiende si conocemos el contexto donde se produjo la obra).
• Simbólica: (la obra es un símbolo, representa un concepto que muchas veces suele ser universal).

Funciones del Arte

Las funciones del arte son muy diversas, pero en general, a posteriori:

Una obra de arte acaba siendo un documento social de la época en que se ha creado, porque nos informa gráficamente de un tiempo, sobre todo en épocas en que no había fotos que reflejaran aquella realidad.

La Forma: Los Vehículos Artísticos

El Arte, para expresar el mensaje, para manifestarse… también necesita de elementos formales. Y esto es lo que denominamos: vehículos artísticos.

• Visuales (pintura, escultura, arquitectura, diseño, fotografía).
• Temporales (necesitan tiempo para desarrollarse, música).
• Espacio-Temporales (necesitan espacio y tiempo, danza, cine, teatro, videojuegos).

La Pintura

La pintura es la creación de una imagen figurativa o abstracta sobre una superficie de dos dimensiones de naturaleza diversa: muro, madera, tela, cartón, papel, papiro, pergamino…

La Profundidad: Una Ilusión

La pintura se desarrolla sobre un plano: dos dimensiones (altura y anchura). La profundidad busca simular la 3ª dimensión (profundidad) con diferentes métodos:

• La Superposición: una cosa encima de otra.
• Cambio de medida: cambiar el tamaño de los objetos.
• Claroscuro: técnica que permite simular la profundidad mediante sombras.
• Perspectiva: intentar recrear el espacio a partir de la geometría.

Se pueden utilizar por separado o conjuntamente para incrementar la sensación de profundidad de la representación.

Técnicas Pictóricas

A lo largo de los siglos, en pintura, se han usado varias técnicas: El fresco, el óleo, la acuarela, el acrílico, etc. Cada una de ellas con unas propiedades y unas características diferentes.

Los elementos fundamentales en cada una de estas técnicas son los pigmentos y el tipo de aglutinante. Es el aglutinante el que condiciona las características propias de cada una de estas técnicas: tiempo de secado, textura, resistencia, la luminosidad, la posibilidad de efectuar o no correcciones.

El Óleo

Es la técnica más utilizada y se ejecuta tanto sobre madera como sobre tela o cualquier otro apoyo: cartón, metal… consiste en mezclar los pigmentos con óleo de linaza o de nuez.

• A pesar de que es una técnica conocida desde la antigüedad, los primeros que la emplearon fueron los pintores flamencos del siglo XV.
• Permite trabajar muy cómodamente (se puede interrumpir…) y admite rectificaciones.
• También permite conseguir un detallismo pictórico más grande y colores más saturados y brillantes.
• Como inconveniente presenta el oscurecimiento con el paso del tiempo.
• La pintura se puede usar muy espesa proporcionando una textura matérica (Van Gogh) o bien, muy diluida proporcionando una textura lisa (Vermeer).

La Acuarela

La acuarela es una técnica que utiliza como apoyo el papel, puesto que necesita mucha agua.

• Mezcla los pigmentos con goma arábiga y agua con pincel.
• Técnica rápida y ágil (el color se extiende con el agua).
• No admite correcciones.
• Destaca por la transparencia de los colores.

Acrílico

Creada en los años 40 del s. XX en América, es un tipo de pintura fabricada industrialmente que se disuelve en agua, pero que una vez seca es resistente al agua (Pollock, Warhol…).

• Se caracteriza por secarse muy rápido y ser muy resistente a cambios de temperatura y luz directa.
• Es una técnica que, según el grado de disolución, permite obtener acabados efecto óleo o acuarela.
• Al secarse modifica ligeramente el tono.

Collage

El Collage se inicia en 1912 cuando Picasso y Braque empiezan a introducir en sus cuadros fragmentos de diarios, cartones, papeles coloridos o fotografías.

• Es una de las grandes aportaciones de las vanguardias de comienzos del siglo XX: abren la puerta a la experimentación con valores táctiles y texturas.
• Introducir fragmentos de realidad en vez de representarla.

Según su volumen, las esculturas se dividen en: Exenta y Relieve.

Tipologías de Relieve

• Alto relieve: la figura sobresale del plano más de la mitad.
• Medio relieve: el que sobresale es aproximadamente la mitad del volumen de la figura.
• Bajo relieve: el que sobresale es aproximadamente menos de la mitad del volumen de la figura.

En una misma obra pueden aparecer los tres tipos de relieve.

Una escultura exenta puede presentar:

• Unifacialidad: a pesar de que se trabaja todo el volumen, presenta un único punto de vista óptimo y hay una parte que está más trabajada que otra.
• Multifacialidad: cuando la obra está trabajada por igual por todos lados y presenta un trabajo muy detallado, con muchos puntos óptimos para ver y entender bien la obra.

Representación de la Figura Humana

Según la posición y parte del cuerpo, las obras se clasifican en:

Según la posición:

• De pie
• Sedente (sentada)
• Orante (rezando)
• Yacente (echado)
• Ecuestre (en un caballo)

Según la parte del cuerpo humano representada:

• Busto: representación de la parte superior del cuerpo humano, parte del tronco, cuello…
• Torso: representación del cuerpo humano sin cabeza ni extremidades.

Artes Plásticas: La Arquitectura

La Arquitectura es el arte de construir por medio de un sistema constructivo. Denominamos sistema constructivo a la manera como se combinan los elementos sustentantes y sostenidos formando la estructura o esqueleto básico de un edificio.

Arquitrabado

Sistema que usa líneas rectas para construir; no hay ninguna curva, todo son columnas, vigas, tejado plano… Esto hace que la estructura no esté muy abierta y los interiores sean muy compartimentados.

Abovedado

Toma como base la línea curva o similar y permite que los espacios interiores sean más amplios y liberados de apoyos.

Nuevos Materiales

Se da a partir del siglo XIX y consiste en la creación de una estructura interna (esqueleto) que sostiene el edificio utilizando los nuevos materiales que surgen en el siglo XIX (hierro, hormigón…).

Los Materiales

Pueden tener dos funciones:

• Constructivos: materiales para conformar estructuralmente el edificio. Los más utilizados a lo largo de la historia han sido: el barro cocido, la piedra y la madera, hasta que a partir del siglo XIX se empezó a usar el hierro, el acero y el hormigón armado, y más adelante, otros metales y materiales sintéticos.
• Función ornamental: no forman parte de la estructura del edificio, solo lo embellecen, y se utiliza el estuco, las pinturas, los mosaicos, la cerámica, los aplacados de piedra o madera.

Elementos Sustentantes (Soportes) Continuos o Discontinuos

Elementos Sustentantes Continuos: El Muro

Es un apoyo de carácter continuo que cierra el edificio por los lados y lo compartimenta interiormente. Puede ser de carga o de separación.

• Muro irregular: los elementos que lo forman presentan un aspecto y disposición desiguales (medida, forma y disposición).
• Muro regular: los sillares y ladrillos presentan un muro de aspecto homogéneo.
• Isódomo: los sillares son de dimensiones iguales y están dispuestos en hiladas.
• Pseudoisódomo: los sillares, a pesar de estar dispuestos en hileras, presentan diferentes anchuras.

Elementos Sustentantes Discontinuos

Son discontinuos porque están separados.

• La Columna: tiene forma circular y consta de tres elementos: la base, el fuste y el capitel. Siempre tienen función constructiva y sus partes son: Base, Fuste y Capitel.
• El Pilar: tiene una sección rectangular, cruciforme o poligonal, más robusto que la columna. Siempre tienen función constructiva.
• La Pilastra: pilar adosado a la pared, puede tener función constructiva u ornamental.

Otros Elementos de Apoyo

• Ménsula: cualquier elemento que sobresale de la fachada, que sostiene pequeños elementos volados como balcones o cornisas.
• Pechinas: cada una de las superficies triangulares que permite transformar el cuadrado de la planta en un círculo para poder coronarlo con una cúpula.

Elementos Sostenidos (Cubiertas)

En arquitectura, los elementos sostenidos son esencialmente dos:

• Arquitrabe: elemento horizontal que aguanta la cubierta del edificio y se apoya gracias a las columnas.
• Arco: elemento curvado que desvía lateralmente las cargas de la cubierta.

Las Cubiertas

La cubierta es el conjunto de elementos que cierra una construcción por la parte superior.

Pueden ser:

• Cubiertas Planas o Arquitrabadas.
• Cubiertas Curvadas o Abovedadas.

Cubiertas Planas o Arquitrabadas

El enorme peso del arquitrabe hace necesario que se coloquen cada poca distancia elementos sustentantes (columnas o pilares) para evitar la fractura del arquitrabe.

En la arquitectura griega, se sustituyó la cubierta plana por una cubierta a dos aguas. Esto se conseguía colocando sobre el arquitrabe una estructura de madera llamada cimbra para cubrir el edificio. Lo cual permitía ampliar el espacio interior algo más, sin que hubiera apoyos.

Cubiertas Curvadas o Abovedadas

• La Bóveda: proyección imaginaria de un arco que sigue un movimiento de traslación, generalmente recto.
• La Cúpula: proyección imaginaria de un arco que sigue un movimiento de rotación sobre sí mismo.

Tipos de Bóveda

• Bóveda de cañón.
• Bóveda de arista.
• Bóveda de crucería.

Nuevos Materiales

A partir de finales del siglo XIX, la utilización en arquitectura de nuevos materiales constructivos permitió crear nuevos tipos de cubiertas.

Unas cubiertas que posibilitaron superar las limitaciones que imponían los sistemas constructivos tradicionales (arquitrabado y abovedado) y han permitido construir nuevos tipos de espacios adaptados a las necesidades del Mundo Contemporáneo.

Formas de Representación (Planta, Alzado y Sección)

• La Planta: representación del edificio como si lo mirásemos desde el cielo, que nos muestra la distribución y la disposición del espacio arquitectónico.
• Longitudinal: el espacio se articula en torno a un eje longitudinal.
• Centralizada: el espacio se articula en torno a un punto central.
• Alzado: representación del edificio que nos muestra los elementos sustentantes y los elementos sostenidos.
• Sección: dibujo de un corte transversal del edificio, te permite ver el edificio por dentro y por fuera a la vez.

Tipologías Arquitectónicas (Arquitectura Civil y Religiosa)

• Arquitectura Civil: arquitectura doméstica, lúdica, institucional, conmemorativa, comercial o de infraestructuras.
• Arquitectura Religiosa: está destinada principalmente al culto y tiene su manifestación más genuina en la construcción de templos y santuarios, a pesar de que también se manifiesta en la construcción de tumbas y mausoleos.