El Barroco

Pintura Barroca Española

La pintura barroca española del siglo XVII se caracterizó por la influencia de la pintura barroca europea, que llegó a España a través de viajes de pintores españoles a Italia, la llegada de pintores italianos y flamencos a España y la compra de cuadros europeos. Las características de este estilo incluyen:

• Predominio del color sobre el dibujo.
• Profundidad continua.
• Importancia de las luces y las sombras.
• Composición asimétrica y movimiento.

Sin embargo, la pintura barroca española también presentó características originales, como:

• Composición sencilla y equilibrada.
• Naturalismo con un toque de intimidad y humanidad.
• Temática religiosa y ascética.
• Uso del tenebrismo para expresar sentimientos religiosos.
• Presencia de temas profanos como el retrato, el paisaje y el bodegón.

Los pintores barrocos españoles se pueden clasificar en dos tendencias estilísticas: naturalismo tenebrista (José Ribera, Francisco Zurbarán) y realismo barroquista (Velázquez, Murillo).

José de Ribera, ‘El Españoleto’

José de Ribera, conocido como “El Españoleto”, nació en Valencia en 1591 y se estableció en Nápoles. Su obra se caracteriza por:

• La influencia de Caravaggio y el tenebrismo.
• Uso de la desnudez y el escorzo violento para aumentar el dramatismo.
• Profundo conocimiento anatómico.
• Temática principalmente religiosa, con representaciones de apóstoles, eremitas y martirios de santos.

Algunas de sus obras destacadas son: El Juicio de Salomón (1609-1610), El Calvario (1618), La mujer barbuda (1631), Inmaculada Concepción (1635) y El sueño de Jacob (1639).

Francisco de Zurbarán

Francisco de Zurbarán nació en Badajoz en 1598 y se estableció en Sevilla. Su obra se caracteriza por:

• La influencia de Caravaggio y el naturalismo tenebrista.
• Uso de contrastes de luces y sombras, con figuras que irradian luz.
• Contornos dibujados y figuras plásticas con sombras contrastadas.
• Temática principalmente religiosa, con representaciones de frailes, santos y vírgenes.

Algunas de sus obras destacadas son: El Crucificado (1627), La visión del beato Alonso Rodríguez (1630), Apoteosis de Santo Tomás de Aquino (1631), Bodegón con limones, naranjas y taza (1633) y Los trabajos de Hércules.

Otros Pintores Destacados: Velázquez y Murillo

Otros artistas destacados del barroco español son Diego Velázquez y Bartolomé Esteban Murillo.

• Velázquez es conocido por sus retratos de la familia real y su uso de la luz y la sombra. Obras destacadas: La fragua de Vulcano (1630), El triunfo de Baco (1629), Venus del espejo (1647) y Las meninas (1656).
• Murillo se caracteriza por su estilo evolucionado en tres etapas. Obras destacadas: Sagrada Familia del pajarito (1649), Niños comiendo melón y uva (1645-1650), San Antonio de Padua y el Niño Jesús (1656), San Francisco abrazado al Crucificado (1668) y El Buen Pastor (1655-1660).

Escultura Barroca Española

La escultura barroca española se caracterizó por el uso de la madera policromada en la imaginería religiosa, con técnicas como el estofado y el policromado. Las maderas más utilizadas fueron el pino, nogal, tejo, cedro y caoba.

Escuelas y Artistas Destacados

Algunas de las escuelas y artistas destacados en la escultura barroca española son:

• La escuela castellana con Gregorio Fernández.
• La escuela andaluza con Martínez Montañés, Juan de Mesa, Alonso Cano y Pedro de Mena.
• La escuela murciana con Francisco Salzillo.

Escultura Profana

La escultura profana tuvo menos relevancia, aunque destaca la estatuaria oficial, como la Estatua ecuestre de Felipe IV (1640), obra de Pietro Tacca y otros artistas.

El Retablo Barroco

El retablo continuó siendo una parte importante de la escultura barroca, con artistas como José de Churriguera, quien desarrolló el estilo churrigueresco, caracterizado por su ornamentación excesiva y retorcida. Algunos de los retablos destacados son:

• Retablo de la iglesia de San Esteban en Salamanca (José de Churriguera).
• Retablo Mayor de la Parroquia de San Miguel en Jerez de la Frontera (Martínez Montañés y José de Arce).
• Retablo de San Isidoro del Campo en Santiponce (Martínez Montañés).
• Retablo de Santa María de la Oliva en Lebrija (Alonso Cano).

El Neoclasicismo

Escultura Neoclásica

Los escultores neoclásicos se alejaron de las poses contorsionadas y el uso de mármoles de colores característicos del rococó, y en su lugar se enfocaron en la pureza y severidad del arte antiguo, creando obras en mármol blanco con formas idealizadas y una actitud reposada. El círculo de Winckelmann en Roma fue el centro de esta recuperación neoclásica, y artistas como Antonio Canova y Bertel Thorvaldsen se convirtieron en los principales exponentes de este estilo.

Bertel Thorvaldsen

Bertel Thorvaldsen, un escultor danés nacido en 1777, es conocido por sus obras en mármol, que incluyen relieves, estatuas y bustos. Sus temas se centraron principalmente en la mitología griega, aunque también realizó retratos de personalidades importantes. Una de sus obras más destacadas es Jasón (1803), una estatua que representa al héroe griego con el vellocino de oro, y que le valió gran fama y reconocimiento en su época. Thorvaldsen falleció en 1844, dejando un legado importante en la escultura neoclásica.

Antonio Canova

Antonio Canova fue un destacado escultor italiano del Neoclasicismo, nacido en Possagno en 1757. Estudió escultura en Venecia y luego se instaló en Roma en 1781 para estudiar la antigüedad clásica, convirtiéndose en un referente del estilo neoclásico. Su obra se caracteriza por:

• Inspiración en modelos grecorromanos.
• Imágenes idealizadas con serenidad y equilibrio.
• Uso predominante del mármol blanco con acabados extremadamente finos.

Canova es conocido por sus obras maestras, como Dédalo e Ícaro (1779), los sepulcros de Clemente XIII y Clemente XIV en el Vaticano, y su famoso retrato de Paulina Bonaparte Borghese (1804-1808). También creó obras como Las Tres Gracias (1815-1817), Eros y Psiqué, Teseo y el Minotauro, Hércules y Licas y Perseo con la cabeza de Medusa. Además, realizó un retrato de Napoleón (1809) y una estatua de George Washington (1821). Su estilo se distingue por la serenidad, el equilibrio y la sensualidad, y es considerado uno de los principales exponentes del Neoclasicismo en la escultura. Canova falleció en 1822, dejando un legado artístico que sigue siendo admirado y estudiado en la actualidad.

El Retrato de Napoleón (Antonio Canova)

El Retrato de Napoleón es una estatua en bronce realizada por Antonio Canova en 1809 que representa al emperador Napoleón Bonaparte desnudo, de pie, con un gesto decidido pero contenido. La escultura muestra un modelado de la anatomía y de los paños propio de la escultura griega clásica, lo que refleja la influencia del arte antiguo en la obra. La estatua presenta a Napoleón con una postura majestuosa y un gesto que transmite autoridad y determinación. La desnudez del emperador es un elemento significativo, ya que se inspira en la tradición de la escultura griega clásica, en la que la desnudez era un símbolo de heroicidad y perfección.

La obra es un ejemplo destacado de la escultura neoclásica, que se caracterizó por la búsqueda de la simplicidad, la claridad y la inspiración en el arte clásico. La estatua de Napoleón es una representación idealizada del emperador, que busca transmitir su poder y autoridad a través de la forma artística. La utilización del bronce como material añade un sentido de durabilidad y monumentalidad a la obra, lo que refuerza la imagen de Napoleón como un líder poderoso y duradero. Canova, con su habilidad y maestría, logró crear una obra que refleja la grandeza y la autoridad de Napoleón de manera efectiva y duradera.

Arquitectura Neoclásica Española

Juan de Villanueva

Juan de Villanueva fue un destacado arquitecto español del Neoclásico. Se formó en la Academia de San Fernando y posteriormente en Roma y Pompeya. Sus obras más destacadas son:

• La Casita de Arriba y la Casita de Abajo en el Escorial.
• La Casita del Príncipe en El Pardo.
• El Museo del Prado en Madrid.
• El Observatorio Astronómico en Madrid.

Su estilo se caracteriza por la influencia clásica, la simplicidad y la funcionalidad.

Pintura Neoclásica

El Neoclasicismo en la pintura se desarrolló en el siglo XVIII y se caracterizó por la influencia del arte clásico romano y griego. Jacques-Louis David es considerado el máximo exponente del Neoclasicismo, con obras destacadas como El juramento de los Horacios y La muerte de Marat.

Francisco de Goya

Francisco de Goya fue un pintor español que convivió con el Neoclasicismo, el Romanticismo y el Realismo. Su obra se caracteriza por:

• Su estilo único y original.
• Evolución artística constante.
• Reflejo de su trayectoria vital y de los episodios históricos que vivió.

Algunas de sus obras destacadas son: El Quitasol, El cacharrero, La pradera de San Isidro, La Maja vestida y La Maja desnuda, El 2 de Mayo y Fusilamientos de la Moncloa. Goya también creó series de grabados como Los Caprichos, Los Desastres de la Guerra, La Tauromaquia y Los Disparates, y pinturas como Saturno devorando a su hijo y El aquelarre.

La Muerte de Sócrates (Jacques-Louis David)

La Muerte de Sócrates es una obra de Jacques-Louis David, realizada en 1787. Esta pintura histórica presenta una escena dramática y emotiva, en la que Sócrates se prepara para beber la cicuta en presencia de sus discípulos. La composición de la pintura recuerda a la Última Cena, ya que Sócrates está rodeado de 12 discípulos, lo que establece una analogía entre la muerte de Sócrates y la de Jesucristo.

La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. La obra es un ejemplo destacado del estilo neoclásico, caracterizado por la claridad, la simplicidad y la búsqueda de la verdad histórica. La escena representada es un momento crucial en la vida de Sócrates, el filósofo griego condenado a muerte por impiedad y corrupción de la juventud.

La pintura también puede ser vista como una alegoría política, ya que David equipara a Sócrates y sus discípulos con los condenados por la revolución francesa. En este sentido, la obra puede ser interpretada como un comentario sobre la injusticia y la opresión, y como un homenaje a aquellos que luchan por la verdad y la justicia. La Muerte de Sócrates es una obra maestra de la pintura neoclásica y una de las obras más famosas de Jacques-Louis David.

La familia de Carlos IV (Francisco de Goya)

La familia de Carlos IV es una obra de Francisco de Goya, realizada entre 1800 y 1801, y se encuentra en el Museo del Prado de Madrid. Es una pintura al óleo sobre lienzo que representa a la familia real española en su totalidad, colocándolos de pie y convirtiéndolos en los protagonistas únicos de la composición.

La obra se caracteriza por la pincelada suelta y luminosa de Goya, que destaca los detalles de los trajes, bordados y condecoraciones, y por una composición centrada en los personajes, sin ampliarse a una sala o decoración amplia. La familia real es representada en un ambiente íntimo, y la colocación de la esposa del rey en el lugar central del cuadro refleja su importancia y papel dentro de la familia.

La autorrepresentación de Goya tras la familia real es una referencia clara a la obra de Velázquez Las meninas, y la forma en que Goya representa a la familia real, con sus debilidades y fortalezas, añade un nivel de complejidad y profundidad a la obra, convirtiéndola en una de las más interesantes y significativas de su carrera.

La Maja vestida y La Maja desnuda (Francisco de Goya)

La Maja vestida y La Maja desnuda son dos cuadros realizados por Francisco de Goya en 1798, posiblemente por encargo de Manuel Godoy para decorar sus estancias privadas. Ambas obras retratan a la misma mujer, representada de cuerpo entero, recostada en un lecho y mirando directamente al observador con una actitud desafiante y seductora.

La estética de ambas pinturas se enmarca dentro del neoclasicismo, aunque con un toque personal y sensual que caracteriza el estilo de Goya. La luminosidad se concentra en el cuerpo de la mujer, mientras que el ambiente que la rodea queda en penumbra, lo que crea un contraste dramático y enfatiza la belleza y sensualidad de la modelo.

La Maja vestida y La Maja desnuda son obras que destacan por su erotismo y su capacidad para capturar la atención del espectador. La modelo, conocida como “la maja”, es representada con una gran naturalidad y sensualidad, lo que ha generado mucha especulación sobre su identidad y la relación que tenía con Goya.

Ambas obras son consideradas algunas de las más importantes de la carrera de Goya y han tenido un gran impacto en la historia del arte. Su belleza, sensualidad y capacidad para desafiar las convenciones sociales las han convertido en iconos de la pintura española y en objetos de estudio y admiración para muchos artistas e historiadores del arte.

El 2 de Mayo (Francisco de Goya)

El 2 de Mayo o La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol es una obra de Francisco de Goya, realizada en 1814. Esta pintura al óleo sobre lienzo fue una propuesta al gobierno regente tras la Guerra de la Independencia española, con el objetivo de plasmar “los hechos más heroicos de nuestra guerra contra el tirano de Europa”. El gobierno aceptó pagar la obra, lo que permitió a Goya crear una pieza que reflejara la lucha del pueblo de Madrid contra las fuerzas napoleónicas.

La obra, que se encuentra en el Museo del Prado de Madrid y se clasifica como pintura histórica, representa la carga de los mamelucos, mercenarios egipcios al servicio de Napoleón, contra el pueblo de Madrid en la Puerta del Sol. La escena se caracteriza por un gran movimiento y dinamismo, expresado en los caballos en plena carrera, la lucha cuerpo a cuerpo y los cuerpos caídos en el suelo. El realismo de la escena es notable, y Goya logra transmitir la intensidad y la violencia de la batalla.

La composición de la obra es caótica y tumultuosa, lo que refleja la confusión y el desorden de la lucha. Los colores utilizados por Goya son oscuros y sombríos, lo que añade un sentido de dramatismo y tragedia a la escena. En general, El 2 de Mayo es una obra maestra de la pintura española, que refleja la habilidad de Goya para capturar la esencia de un momento histórico y transmitir la emoción y el pathos de la lucha por la libertad.

Fusilamientos de la Moncloa (Francisco de Goya)

Fusilamientos de la Moncloa o El 3 de Mayo en la montaña del Príncipe Pío es una obra de Francisco de Goya, realizada en 1814. Esta pintura al óleo sobre lienzo fue creada a propuesta de Goya al gobierno regente, con el objetivo de conmemorar los eventos ocurridos tras el levantamiento del pueblo madrileño contra el ejército francés el 2 de mayo de 1808. La obra, que se encuentra en el Museo del Prado de Madrid y se clasifica como pintura histórica, representa la represión brutal del pueblo madrileño por parte de las fuerzas francesas, y se centra en la escena de los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío.

La composición se caracteriza por la simplicidad y la crudeza, lo que acentúa el dramatismo de la escena. La pincelada de Goya es suelta y expresiva, y el uso de la luz es dramático, ya que se concentra en los fusilados, mientras que el fondo queda en la oscuridad. El realismo de la escena es impactante, con la sangre en el suelo y las figuras de los fusilados con expresiones de dolor y resignación. La obra es un ejemplo destacado del Romanticismo, ya que enfatiza la emoción y el heroísmo de las víctimas.

La forma en que Goya representa a las víctimas, con dignidad y heroísmo, convierte al cuadro en un homenaje a aquellos que lucharon por la libertad y la independencia. La obra es un modelo para posteriores pinturas históricas, y su influencia se puede ver en muchas otras obras de arte que abordan temas similares. En general, Fusilamientos de la Moncloa es una obra maestra de la pintura española, que refleja la habilidad de Goya para capturar la esencia de un momento histórico y transmitir la emoción y el pathos de la lucha por la libertad.

Saturno devorando a su hijo (Francisco de Goya)

Saturno devorando a su hijo es una de las obras más destacadas de las pinturas negras de Francisco de Goya, realizadas en su casa “La Quinta del Sordo” entre 1819 y 1823. Esta pintura al óleo sobre lienzo es una representación del dios Saturno (o Cronos en la mitología griega) devorando a su hijo, en una escena de gran crueldad y expresividad. La obra se encuentra en el Museo del Prado de Madrid y se clasifica como pintura mitológica o simbólica.

La pincelada es muy suelta y los colores son oscuros y sombríos, lo que añade un sentido de horror y desesperanza a la escena. La representación de Saturno es monstruosa, y la forma en que devora a su hijo es brutal y sanguinaria. La obra se interpreta como una representación del horror al paso del tiempo, que devora la juventud, la belleza y la felicidad. Esta temática se relaciona con los sentimientos que Goya estaría viviendo en ese momento de su vida, marcado por la pérdida de la juventud y la salud, así como por la opresión política y social de la época.

La pintura es un ejemplo destacado de la capacidad de Goya para expresar emociones y sentimientos intensos a través de su arte. La forma en que representa la crueldad y la desesperanza es impactante, y la obra se ha convertido en un icono de la pintura española. La oscuridad y la intensidad de la obra reflejan la complejidad y la profundidad de la psique de Goya, y su capacidad para crear arte que sigue siendo relevante y poderoso hasta hoy en día.

La Coronación de Napoleón y Josefina (Jacques-Louis David)

La Coronación de Napoleón y Josefina es una obra de Jacques-Louis David, realizada entre 1805 y 1807. Se encuentra en el Museo del Louvre en París, Francia. Esta pintura histórica de gran formato presenta una escena grandiosa y teatral, con una gran cantidad de personajes y figuras en un espacio arquitectónico reconocible, la catedral de Notre Dame en París.

La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. La obra pertenece al Imperio Napoleónico, una época histórica que se desarrolló entre 1804 y 1815. La composición de la pintura es grandiosa, con la luz y el color utilizados para enfatizar la importancia de los personajes principales, Napoleón y Josefina.

La escena representada es la coronación de Napoleón Bonaparte como emperador de Francia y la coronación de su esposa Josefina como emperatriz. La corona imperial, el trono, los ornamentos y la vestimenta de los personajes reflejan la pompa y el poder imperial. La autocoronación de Napoleón es un elemento simbólico clave, ya que enfatiza su poder absoluto y su ruptura con la tradición monárquica francesa.

La obra también incluye figuras alegóricas y simbólicas que refuerzan la legitimidad del poder de Napoleón. La representación de la escena en la catedral de Notre Dame añade un elemento de sacralidad y legitimidad a la coronación. En general, la pintura es un ejemplo destacado del estilo neoclásico y del arte imperial napoleónico.