La Poesía Épica Medieval: Origen y Características

La poesía épica está integrada por narraciones en verso que relatan las hazañas o gestas de un héroe de la nobleza guerrera. Estas narraciones surgen cuando una comunidad en proceso de formación necesita afirmar su identidad en un contexto de constantes enfrentamientos bélicos. Además de informar sobre acontecimientos pasados, defienden un modelo de sociedad. Por eso, el héroe épico representa las virtudes (honor, magnanimidad, valor, religiosidad, etc.) que definen el orden social de la época en la que fueron creadas.

Origen y Transmisión de la Épica

Los poemas épicos medievales (denominados cantares de gesta) que conocemos se inspiran en hechos históricos, a los que se añaden elementos míticos y legendarios que engrandecen la figura del héroe. Las leyendas y canciones se transmitían oralmente de una generación a otra gracias a la labor de los juglares, quienes los recitaban ante un público, por lo que estos poemas reciben también el nombre de mester de juglaría.

Características Formales de los Cantares de Gesta

Los cantares de gesta se dividen en tiradas o series, que son agrupaciones de versos con la misma rima asonante. Cada tirada conforma una unidad temática o de acción, más o menos extensa, dentro del argumento general del cantar. Los versos oscilan entre las doce y las dieciséis sílabas, con una cesura o pausa intermedia que divide cada verso en dos partes o hemistiquios.

La Épica Castellana: Ciclos y Obras Destacadas

Se conservan pocos ejemplos de cantares de gesta en castellano: apenas unos miles de versos repartidos entre el Cantar de Mio Cid, casi completo, y fragmentos de Roncesvalles y las Mocedades de Rodrigo. Como rasgos generales de estos cantares, destacan su tono realista, su espíritu de unidad cristiana frente al islam, el importante papel de la figura de los reyes y, en ciertos momentos, una reacción nacionalista antifrancesa frente a la entrada de la cultura gala en la Península. Se aglutina en torno a diferentes ejes temáticos o ciclos:

• Ciclo Carolingio: La Figura del Rey Carlomagno

  Pertenecen a este ciclo las obras Roncesvalles (acerca de la muerte heroica de Roldán, sobrino de Carlomagno), Mainete (sobre la infancia de Carlomagno) y Bernardo del Carpio (relato ficticio de tono antifrancés en el que un noble leonés se enfrenta a su rey por haber colaborado con Carlomagno).

• Ciclo de los Condes de Castilla: La Independencia Castellana

  Integran este ciclo el Poema de Fernán González (se conserva una versión culta, con origen en un cantar perdido), La condesa traidora, Romanz del Infante García y Los siete infantes de Lara.

• Ciclo del Cid: La Vida de Rodrigo Díaz de Vivar

  Rodrigo Díaz de Vivar, el Cid Campeador, fue un conocido caballero del siglo XI. Pertenecen a este ciclo el Cantar de Mio Cid (principal poema épico castellano), el Cantar de Sancho II y las Mocedades de Rodrigo.

El Cantar de Mio Cid: Obra Cumbre de la Épica Castellana

El Cantar tiene casi cuatro mil versos, distribuidos en tiradas monorrimas, que recogen distintas unidades de acción. El lenguaje es claro y expresivo, y en su estilo se aprecian recursos propios de la recitación juglaresca: llamadas de atención para dirigirse al público, abundancia de epítetos épicos y reproducción en estilo directo de las palabras de los personajes.

Características Generales del Cantar

La obra aborda el proceso de recuperación del honor perdido por el héroe: para restaurar su honor político, el Cid se enfrenta a los enemigos musulmanes en el campo de batalla y, para recobrar el honor familiar, recurre a la justicia real contra los infantes de Carrión. El Cantar mantiene un tono de verosimilitud que lo diferencia de otras gestas europeas, en las que hay mayor presencia de elementos fantásticos; no obstante, existen episodios en los que se manipula la historia o se inventan acontecimientos, como el pasaje de la afrenta de Corpes.

Contenido y Estructura del Poema

Los versos narran los últimos años de la vida de Rodrigo Díaz de Vivar y su contenido puede dividirse en tres partes:

• Cantar del Destierro
• Cantar de las Bodas
• Cantar de la Afrenta de Corpes

La Figura del Héroe: Rodrigo Díaz de Vivar

El protagonista del Cantar es Rodrigo Díaz de Vivar, el Cid Campeador, que representa a la nobleza guerrera castellana, opuesta a la aristocracia leonesa. Como héroe épico, representa los valores arquetípicos de amor conyugal y filial, ardor guerrero, honradez, inteligencia, mesura y religiosidad, considerados como virtudes superiores. A medida que avanza el poema, asistimos a un progresivo engrandecimiento de la figura del Cid, al que se contrapone un envilecimiento de la figura de los traidores (los infantes de Carrión), y a la mitificación del reino de Castilla.

Temáticas de la Lírica Renacentista Española

Los temas de la lírica se ven renovados en el Renacimiento por la influencia de la poesía italiana, que se inspira en las fuentes clásicas.

El Amor Neoplatónico en el Renacimiento

La concepción renacentista de la pasión amorosa tiene sus raíces en la filosofía neoplatónica: el amor es un sentimiento espiritual y purificador que sirve al amante como medio de perfeccionamiento moral.

La Belleza Ideal y su Contemplación

Su contemplación permite el perfeccionamiento moral del amador, aunque por su carácter pasional puede provocar dolor.

La Naturaleza como Locus Amoenus

Se presenta como un locus amoenus (entendido como un ‘lugar agradable’ que sirve como un escenario idílico de la pasión amorosa). Asimismo, en ocasiones, el paisaje refleja el estado anímico del amante, su goce (primavera, brisa fresca, paisaje florido, etc.) o sus padecimientos (escenarios invernales, vientos del norte, flora apagada, etc.).

La Mitología Grecolatina en la Poesía

Estos poemas sirven para presentar en la poesía ejemplos de relaciones amorosas, a veces con finales fracasados o no correspondidos, donde además se hace referencia a dioses, seres y episodios mitológicos.

Tópicos Literarios Renacentistas

• Collige, virgo, rosas (‘recoge, doncella, las rosas’): exhortación a disfrutar del amor antes de que el tiempo marchite la belleza.
• Tempus fugit (‘la vida es fugaz’)

Garcilaso de la Vega: Poeta Renacentista Español

Representa el modelo de caballero renacentista que aúna el cultivo de las letras y el desempeño de las armas. En su obra siguió el modelo de Petrarca, quien compuso un cancionero a modo de biografía amorosa, centrado en la figura de una única dama, Laura de Noves. Además, por su educación humanística y sus lecturas, incorporó la influencia de la lírica castellana anterior, del poeta valenciano Ausiàs March y de la tradición clásica.

Temas Recurrentes en la Obra de Garcilaso

• Garcilaso cantó fundamentalmente al amor, tratado según la concepción neoplatónica propia del Renacimiento e inspirado en una sola figura: Isabel Freyre.
• También es muy importante en su obra la mitología: para representar amores fracasados o no correspondidos, el poeta recurre a parejas como Apolo y Dafne, Orfeo y Eurídice o Venus y Adonis.
• Como escenario o testigo de las historias amorosas, presenta una naturaleza idealizada, a modo de locus amoenus.

Estilo y Formas Métricas de Garcilaso

• El influjo de Petrarca y de otros poetas italianos también se aprecia en los tipos de estrofas, versos e imágenes que Garcilaso utiliza y adapta con éxito a la poesía hispánica: emplea sonetos, liras y octavas, construidos con versos endecasílabos y heptasílabos.
• En cuanto a los rasgos formales de la poesía garcilasiana, son los propios de la lírica renacentista: claridad, elegancia, naturalidad y musicalidad.

Obras Principales de Garcilaso de la Vega

• Compuso varios sonetos y canciones petrarquistas en los que combina la retórica amorosa de esta corriente con algunas influencias de la lírica castellana de los cancioneros.
• Escribió también dos elegías y una epístola, en las que aborda, respectivamente, los temas de la muerte, los celos y la amistad.
• Sus églogas son las obras que más fama le han dado. Son composiciones bucólicas en las que dos refinados pastores establecen un diálogo lírico, con un lenguaje culto, sobre su experiencia amorosa, en un escenario natural que, como los propios protagonistas, aparece poéticamente idealizado.

El Teatro Barroco Español: Evolución y Variedades

Variedades Teatrales del Siglo de Oro

Desde finales del siglo XVI y, sobre todo, a lo largo del XVII, el teatro español experimentó una evolución que lo convirtió en un espectáculo de masas, especialmente gracias a la fórmula dramática propuesta por Lope de Vega y a los cambios que supuso en la escena.

Teatro Comercial Urbano: Los Corrales de Comedias

• Fue el teatro que experimentó una mayor transformación y auge en este periodo.
• Se escenificaba en corrales de comedias, que eran patios interiores de viviendas que se habilitaban para la representación.
• El público en los corrales de comedias estaba dividido en función de su clase social.
• Los corrales de comedias más conocidos en nuestro país fueron los de Almagro, Alcalá de Henares y Sevilla, entre otros.
• Las obras del teatro urbano eran representadas por compañías cuyo director y empresario recibía el nombre de autor. Siempre se hacían aprovechando la luz del día, desde primera hora de la tarde hasta un poco antes del anochecer, y contaban con decorados bastante simples en un principio, aunque paulatinamente se fueron enriqueciendo.
• Eran representaciones largas que tenían como eje una comedia en tres actos o jornadas a los que se incorporaban otro tipo de piezas.

Teatro Religioso: Los Autos Sacramentales

• El ejemplo más logrado del teatro religioso católico de esta época son los autos sacramentales, piezas breves en un acto, herederas del teatro medieval, cuyo fin es divulgar los dogmas de la fe católica.
• Destacaban por la vistosidad de su escenografía y por la tramoya, que les conferían espectacularidad.
• Contaban con un público numeroso y aportaban gran prestigio a las compañías que las ponían en escena.

Teatro Cortesano: Espectáculo para la Nobleza

• Se organizaba en jardines y salones nobiliarios, y en los primeros teatros auspiciados por los reyes, como el Teatro del Buen Retiro de Madrid.
• Incorporaban las últimas innovaciones de la escena italiana y ofrecían lujosos decorados, ambientación musical e incluso iluminación artificial cuando la velada era nocturna.
• Solo podían actuar las llamadas compañías reales, que tenían el favor del rey y podían actuar también en las grandes ciudades, en contraposición a las compañías de la legua, que debían hacerlo en poblaciones alejadas de la ciudad.

Dramaturgos y Obras Clave del Barroco Español

Lope de Vega: El Fénix de los Ingenios

En su extensísima producción dramática (unas cuatrocientas comedias reconocidas), Lope de Vega integró elementos del teatro anterior con las innovaciones de la comedia nueva.

Obras de Tono Ligero: Comedias de Enredo

• Destacan las comedias de enredo o de capa y espada, ambientadas en un entorno urbano y en las que el tema principal es el amor. Con él se relacionan ingredientes habituales de estas piezas con final feliz: cartas, celos, declaraciones amorosas, enfados, reconciliaciones, engaños, malentendidos, pretendientes rechazados, etc.

Obras de Tono Serio: Dramas del Honor Campesino

• Incluyen los dramas del honor campesino, ambientados en un entorno rural armónico protagonizados por un campesino rico, cristiano viejo, que se enfrenta solo o con todo su pueblo al abuso de poder de un noble que ha atentado contra su honor. Aquí se incluyen también dramas trágicos como El caballero de Olmedo.
• Fuenteovejuna
• El caballero de Olmedo