El Impresionismo: Luz y Color en la Vida Parisina
Auguste Renoir: La Sensibilidad del Color
Auguste Renoir, pintor de gran sensibilidad, muestra su gran interés por la luz y los matices del color con pinceladas dinámicas y borrosas. Es el pintor de la vida parisina en sus cuadros de colorido, llenos de encanto y gracia. Capta a mujeres tanto en ambientes despreocupados, como en Baile en el Moulin de la Galette, como en escenas intimistas, ya desnudas al aire libre o en interiores. Tras su viaje a Italia, se aleja de las técnicas impresionistas, prestando más interés al dibujo, con contornos más definidos y tonos más suaves.
Edgar Degas: Escenas de la Vida Moderna
Edgar Degas participó en la mayoría de las exposiciones del grupo impresionista, aunque su obra tiene poco que ver con este movimiento. Degas no pintaba paisajes al aire libre, y en su obra destacan dos temáticas: las escenas de caballos y jinetes, y las bailarinas. Su obra se caracteriza por sus composiciones asimétricas, en las que no se observa la escena completa y el motivo principal queda desplazado del centro.
El Postimpresionismo: Nuevos Caminos en la Pintura
A finales del siglo XIX, comienza la disolución del grupo impresionista por las divergencias de intereses y de estilo. Artistas de la talla de Cézanne, Van Gogh, Gauguin o Toulouse-Lautrec, influidos por el impresionismo, abren nuevos caminos a la pintura, recuperando la importancia del dibujo, el volumen y el sentido espacial.
Vincent Van Gogh: La Expresión del Color y la Emoción
Van Gogh, nacido en Holanda, se forma en París con la vanguardia impresionista. Fue un artista solidario e incomprendido. El color resplandeciente es el gran protagonista. Lo usa con pinceladas densas de colores puros. Logra la profundidad espacial usando pinceladas más largas y separadas en primer plano, y al fondo, más pequeñas y compactas. En sus interiores usa extraños juegos de perspectivas y de contrastes de luz. Pinta La noche estrellada, paisaje simbólico con un ciprés en primer término. Un agitado cielo nocturno de grandes círculos, ondulaciones y espirales de colorido intenso. Sus autorretratos y La iglesia de Auvers, de forma nerviosa y fuertes colores, son también obras destacadas.
El Modernismo: Innovación y Belleza en la Arquitectura Catalana
El siglo XIX fue un periodo de auge económico e industrial en Cataluña, y esta situación propició un desarrollo artístico. Se desarrolla el modernismo en Barcelona. En los nuevos edificios del Ensanche, trabajaron arquitectos con ideas afines a la corriente del Art Nouveau y con distintas tendencias decorativas. Los edificios se diseñan con dinamismo y ligereza gracias al uso del hierro en las columnas. Predominan las líneas curvas y las formas geométricas irregulares.
Antoni Gaudí: El Genio de la Arquitectura Orgánica
El mayor exponente del modernismo español y europeo es Antoni Gaudí. Se inicia en el historicismo con el Palacio Episcopal de Astorga, rompe con la línea recta y experimenta con formas orgánicas, estructuras metálicas y bóvedas de ladrillo. Crea complejos espacios como la Casa Batlló, el Parque Güell y La Pedrera. La fachada de piedra blanca se ondula, con huecos y balconeras de hierro. En la terraza sobresalen remates con formas bulbosas que ocultan chimeneas y depósitos de agua. Con la construcción de la Sagrada Familia, la cual se inició en 1882 como proyecto neogótico, pero con la muerte de su arquitecto, Gaudí pasó a encargarse de ella hasta su muerte, modificándola y adaptándola a una decoración orgánica inusual por la riqueza y simbolismo de sus piedras.
Arquitectura del Siglo XX: Funcionalidad y Vanguardia
El Funcionalismo y sus Características
En el periodo de entreguerras, nació en Europa el funcionalismo. Los objetivos de esta corriente son la funcionalidad y el urbanismo. Las características son: el uso del vidrio, el acero y el hormigón armado; y el uso práctico y funcional. Los pilares van a sustituir a la columna. La composición a base de superficies simples y ortogonales crea un espacio ligero, continuo y dinámico. Predominan las plantas claras, se usa el detalle pero sin decoración.
La Bauhaus: Arte, Diseño y Tecnología
La Bauhaus fue una escuela de arte y arquitectura fundada por Walter Gropius. Unía el estudio de oficios artesanos con la tecnología, el diseño con la producción y el arte con la ingeniería. Su meta: productos duraderos, baratos y bellos.
Walter Gropius: El Fundador de la Bauhaus
Walter Gropius, fundador de la Bauhaus, fue su primer director y autor de su manifiesto, donde sostenía que el artista y el arquitecto debían ser artesanos. Su obra está basada en nuevos materiales y en la reducción de tiempo y coste. Se caracteriza por estructuras metálicas finas, fachadas lisas y líneas definidas sin adornos.
Le Corbusier: Principios de la Arquitectura Moderna
Le Corbusier, pintor y arquitecto, es la principal figura mundial de la arquitectura moderna. Muestra nuevos principios y nuevas formas de hacer arquitectura por medio del uso de la geometría y las proporciones. Los principios básicos de Le Corbusier incluyen:
- El uso de bloques elevados sobre pilares de acero que separan el edificio del terreno.
- Las cubiertas son planas y ajardinadas, lo que puede usarse como terraza.
- La planta es libre, con fachada independiente de la estructura.
- Las ventanas son grandes y alargadas.
Una de sus obras más originales es la capilla de Notre Dame du Haut. Construida en hormigón con líneas curvas y un techo inspirado en el caparazón de un cangrejo, este edificio es un ejemplo de la relación entre entorno y arquitectura.
Frank Lloyd Wright: El Organicismo en la Arquitectura
Frank Lloyd Wright, arquitecto y discípulo de Le Corbusier, es uno de los maestros de la arquitectura moderna. Promovió la armonía de la arquitectura con la naturaleza. Sus viviendas son flexibles y orgánicas gracias al uso de materiales artesanales como la piedra, la madera o el ladrillo. Destacan los voladizos, las cubiertas salientes de la fachada y las ventanas horizontales. Introdujo muchas novedades como ocultar las instalaciones, plantas abiertas, y las estancias se comunican con una chimenea central y una escalera. La Casa de la Cascada es el mejor ejemplo. Otra de sus obras es el Museo Guggenheim.
Pintura del Siglo XX: La Fuerza del Expresionismo
El Expresionismo Alemán: Sentimiento y Dinamismo
El expresionismo nació en Alemania hasta 1933. El régimen nazi subió al poder y lo prohibió, declarando el arte vanguardista como degenerado. La ideología de este movimiento se basa en transmitir los sentimientos y emociones mediante el color y el dinamismo. Lo integran Die Brücke (El Puente), creado por Kirchner, cuyas obras presentan formas esperpénticas, colores violentos y trazos gruesos; y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).
Edvard Munch: El Padre del Expresionismo
Edvard Munch es un pintor considerado el padre del expresionismo. Gran parte de su obra estuvo marcada por la enfermedad, la muerte y el dolor, ofreciendo una visión desolada de la existencia. Su estilo se caracterizó por pinceladas audaces y líneas sinuosas. El Grito representó la desesperación y angustia del ser humano.
Emil Nolde: Búsqueda Personal y Cromatismo
La obra de Emil Nolde estuvo marcada por su acusado sentimiento religioso, la reflexión sobre la naturaleza del ser humano y por una búsqueda personal al margen de grupos y doctrinas. Asimiló el cromatismo de Van Gogh y Gauguin, el primitivismo y el arte de Munch. Pese a su vinculación con los nazis, estos lo calificaron de artista degenerado, sus obras fueron requisadas y se le prohibió pintar.