Minimalismo y la Evolución del Arte Post-Segunda Guerra Mundial

Minimalismo

“Menos es más”

Bibiana Alcolea Agulló

2º Bachillerato PEV


Índice

  • 1. Acontecimientos Históricos
  • 2. Corrientes Artísticas Años 40
    • 2.1 Expresionismo Abstracto
    • 2.2 Informalismo
  • 3. Corrientes Artísticas Años 50
    • 3.1 Post-Painterly Abstraction
    • 3.2 Assemblage
    • 3.3 Pop Art
  • 4. Años 60: Minimalismo


1. Acontecimientos Históricos

Los cambios sociales derivados de la Segunda Guerra Mundial también afectaron la visión del mundo en su desarrollo intelectual y artístico. Los creadores constantemente cuestionan en sus obras la guerra misma y sus circunstancias históricas. Sin embargo, la posguerra dejó un sabor amargo en el arte e impidió, al menos en Occidente, que los artistas hicieran referencia directa a la guerra en sus obras por motivos ideológicos. Este sería uno de los hechos que daría paso al desarrollo del **arte abstracto** (surgido cerca de 1910), donde la pintura no representa absolutamente nada y, por ende, el contenido no comprometía a sus autores.

La Segunda Guerra Mundial no solo representó una inmensa tragedia humana y un torbellino de destrucción sin precedentes. Fue el fin de muchos sueños y el inicio de una época de incertidumbre existencial marcada por la perenne amenaza del apocalipsis nuclear. En el terreno del Arte, la guerra significó también la muerte del gran proyecto modernizador de las primeras décadas del siglo XX, que había fructificado en las vanguardias.

Los artistas de mediados del siglo XX son más pragmáticos, individualistas y escépticos que sus predecesores. Ya no pretenderán ni guiar ni redimir a una humanidad que les ha decepcionado profundamente. No hay vanguardias entendidas como grupos organizados, con un ideario social al que ponían su arte al servicio. Los movimientos artísticos son simplemente eso, movimientos artísticos, con intencionalidad plástica o constructiva, pero nada más. Así deben entenderse corrientes como el **Expresionismo Abstracto**, el **Informalismo**, la **Abstracción Post-Pictórica** o el **Pop Art**. Ninguno de ellos producirá manifiestos como los que a comienzos de siglo habían justificado la actividad de las vanguardias.

La terrible conmoción de la guerra se manifiesta en los años 40 y principios de los 50, en un arte profundamente emocional y existencialista hasta el desgarro. Son los años del Expresionismo Abstracto y el Informalismo, dos formas, una norteamericana y otra europea, de traducir al lenguaje artístico los sentimientos de una humanidad destrozada por la violencia.

En los años 50 hay una tendencia hacia el enfriamiento del arte, entendido por tal una mayor reflexión en el proceso creativo. Regresa el color a la pintura y el dramatismo de los años de la posguerra comienza a dejar paso a ciertos atisbos de esperanza y optimismo. También en arquitectura la puesta en cuestión de los principios que habían alumbrado al Movimiento Moderno da lugar a nuevas propuestas que contraponen lo humano con el maquinismo racionalista.

El fenómeno más decisivo del mundo artístico posterior a la Segunda Guerra Mundial es el traslado del centro del mundo artístico desde Europa, más concretamente París, hasta Nueva York. Las causas de este traslado hay que buscarlas en el propio conflicto, que obligó a buena parte de los mejores artistas europeos a buscar refugio en los Estados Unidos. Además, allí se encontraron con una sociedad en pleno proceso de apertura y expansión, dispuesta a apoyar con su mecenazgo a los creadores más avanzados del momento. Esta élite, aunque no exenta de un fuerte contenido, como el de la moda, creó y mantuvo galerías de arte y museos que han hecho posible la adaptación del arte a un mundo cada vez más cambiante, dinámico, tecnológico y devorador de ideas como el de finales del siglo XX.

El abstraccionismo creado por **Vasily Kandinsky** sería dividido en dos corrientes: la corriente del **abstraccionismo geométrico**, que da mayor importancia a los aspectos cromáticos, formales y estructurales, otorgándoles mayor fuerza expresiva pero sin imitar modelos o formas naturales; y la corriente del **Expresionismo Abstracto**, desarrollado en Estados Unidos en la década de los 40 y que posteriormente sería trasladado al resto del mundo. Esta última tenía como principal característica el trabajo con óleo, disminución en los trazos figurativos y sobre todo la búsqueda de renovar el espíritu estadounidense tras el Crack de 1929 y la Segunda Guerra Mundial (así lo refieren organismos como la *Federal Arts Project* y la *Works Progress Administration*).

De ambas tendencias, esta última representa el momento histórico vivido tras la Segunda Guerra Mundial. Su exponente principal, en la pintura, fue **Jackson Pollock**, quien enfocó sus trabajos en la **pintura de acción** o *Action Painting*, reflejando el interior del creador, su psique. Su obra más famosa, conocida como “#5”, fue creada en 1948 y en la actualidad es considerada una de las obras más caras de la historia. Es una obra de gran dimensión donde resaltan los colores rojos, amarillos y azules, sin dejar al descubierto ninguna parte del lienzo. Es una maraña de colores y líneas sin definición.

Hasta los inicios del siglo XX, el arte norteamericano se basó en su propia tradición, ajena a las grandes corrientes del arte europeo. Esta autonomía tendría consecuencias diversas en los diferentes ámbitos artísticos. En el terreno de la construcción, el proceso de colonización americana había requerido de una edificación económica, práctica y técnicamente sencilla; eso dio origen a una arquitectura abierta a la aplicación de los más innovadores procedimientos y sin los condicionantes estilísticos europeos. A la larga, esta actitud culminaría en la **Escuela de Chicago**.


2. Corrientes Artísticas Años 40

2.1 El Expresionismo Abstracto

El **Expresionismo Abstracto** es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 40 durante el siglo XX en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el **primer movimiento genuinamente estadounidense** dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra Fría.1

Varios son los factores que contribuyeron al surgimiento de este movimiento como algo totalmente nuevo hacia principios del siglo XX:

En primer lugar, los elementos formales provinieron de la abstracción post-cubista y del surrealismo. Y aunque los expresionistas abstractos rechazaron tanto el cubismo como el surrealismo, lo cierto es que resultaron muy influidos, sobre todo por el segundo de estos movimientos, en sus primeras fases.

En segundo lugar, es un movimiento estadounidense que surge en unas circunstancias problemáticas desde el punto de vista social: primero, el **Crack de 1929** y la subsiguiente **Gran Depresión**, y después, la **Segunda Guerra Mundial**. Estas circunstancias explican, en parte, el contenido emocional de los expresionistas abstractos. Han de mencionarse organismos artísticos que fomentaron las artes durante la época crítica de los años treinta: el FAP (*Federal Arts Project*) y la WPA (*Works Progress Administration*). En estas asociaciones artísticas se manifestaba el afán renovador del propio país norteamericano, y en ellas trabajaron algunos pintores que después destacarían como expresionistas abstractos. La pintura de la *American Scene* típica de la llamada «Ash Can School» se vincula a este expresionismo a través de la obra de **Arshile Gorky**.

No pueden ignorarse, tampoco, las actividades de museos y galerías de arte que promovieron la exposición pública de las obras de estos artistas. Destaca sobre todo el nombre de la mecenas y coleccionista **Peggy Guggenheim**, por entonces casada con el surrealista Max Ernst. Peggy Guggenheim fundó en 1942 «Art of this Century», galería de arte y museo en la que presentó la obra de vanguardistas europeos y norteamericanos, promocionando la obra de los expresionistas abstractos, por entonces completamente desconocidos. En ella se celebraron las primeras exposiciones individuales de artistas como Jackson Pollock o Mark Rothko. Cerró en 1946.

Finalmente, contribuyeron al surgimiento de este movimiento los emigrados europeos que, en 1941, con el estallido de la guerra en Europa, llegaron a Nueva York. Ya con anterioridad habían llegado a Estados Unidos los dadaístas como Duchamp y Francis Picabia. Posteriormente, marcharon al continente americano **Hans Hofmann** (1880-1966) y **Josef Albers** (1888-1976), quienes destacaron por su labor docente.

Entre los recién llegados con motivo de la guerra mundial estuvieron varios importantes artistas vanguardistas parisinos, provenientes sobre todo del surrealismo, como el francés André Masson y el chileno Roberto Matta (n. 1911). Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial en septiembre de 1939, Kurt Seligmann fue el primer surrealista europeo que llegó a Nueva York. Muchos otros artistas europeos influyentes siguieron su ejemplo y se refugiaron en Nueva York, huyendo del nazismo: el neoplasticista Piet Mondrian, Léger, Max Ernst, Yves Tanguy, el poeta Breton y Miró. Incluso Salvador Dalí, con su esposa Gala, se trasladaron a los Estados Unidos en 1940. Es en este momento cuando **Nueva York se convierte en el centro artístico mundial** desde donde irradian las nuevas tendencias plásticas.

Se celebraron exposiciones conjuntas de estos artistas exiliados con los emergentes artistas de la **Escuela de Nueva York**. Así, de octubre a diciembre de 1942 se celebró la exposición surrealista *The First Papers of Surrealism*, en la que junto a surrealistas europeos expusieron William Baziotes, David Hare y Robert Motherwell.

Los expresionistas tomaron del surrealismo aquello que de automático tenía el acto de pintar, con sus referencias a los impulsos psíquicos y el inconsciente. Pintar un cuadro era menos un proceso dirigido por la razón y más un acto espontáneo, una acción corporal dinámica. Les interesó, pues, el «**automatismo psíquico**» que hiciera salir de su mente símbolos y emociones universales.

No es extraño que les interesara entonces el surrealismo más simbólico y abstracto, el de Miró, Arp, Masson, Matta, Wolfgang Paalen y Gordon Onslow Ford, más que el surrealismo figurativo. De ellos tomaron las formas orgánicas y biomórficas.

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Los críticos estadounidenses pronto captaron la emergencia de este nuevo estilo, destacando **Clement Greenberg**, que escribió en *The Nation* y *Partisan Review*, así como **Harold Rosenberg** y Thomas B. Hess. Fueron estos críticos los que hablaron de *American Type Painting*, *Abstract Expressionism*, *Action Painting*, *Drip Painting* o *Gestural Painting*. Es al crítico **Robert Coates** a quien se atribuye la acuñación del término *Abstract Expressionism*. No obstante, los artistas de este movimiento rechazaron el término por entender que su obra no era abstracta, en sentido estricto, y que no tenían ninguna relación con el Expresionismo alemán.

Dentro de este movimiento se encuentra la ***Action Painting*** («Pintura de Acción» o «pintura en acción», también traducido como «pintura gestual»), término acuñado por el crítico Harold Rosenberg en el año 1952 para referirse a la obra de artistas como Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning. Rosenberg lo propuso por vez primera en «American Action Painters», importante artículo publicado en *Art News*, vol. 51. *Action Painting* y Expresionismo Abstracto son términos que suelen usarse como sinónimos, aunque no sean exactamente lo mismo.

Al Expresionismo Abstracto también se lo conoce como **Escuela de Nueva York**. No se trata propiamente de una escuela con un estilo común, sino de una serie de artistas de convicciones semejantes y que compartían una serie de técnicas pictóricas.

Pueden señalarse como características formales de este estilo, en primer lugar, su preferencia por los **grandes formatos**. Trabajaban normalmente con **óleo sobre lienzo**.

Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las *Mujeres* de Willem de Kooning. Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo.

Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como ***all over*** (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.

El cromatismo suele ser muy limitado: **blanco y negro**, así como los **colores primarios: magenta, amarillo y cian**. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el arte minimalista.

Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la **angustia y el conflicto**, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.

Se considera líder de este movimiento o iniciador del mismo a **Arshile Gorky**.

2.2 Informalismo

El **Informalismo** es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el Expresionismo Abstracto estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica, la Nueva Escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el *art brut*. El crítico de arte francés **Michel Tapié** acuñó el término *art autre* (arte otro) en el libro homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico.

informalismo

Para lograr sus objetivos, los integrantes de la Abstracción Post-Pictórica renuncian a todos aquellos elementos que pudieran dar lugar a asociaciones o vínculos con el terreno emocional. Así, suprimen radicalmente la **figuración**, evitan las **gradaciones tonales del color** y anulan toda **referencia espacial** en sus cuadros, convertidos en superficies de una neutralidad visual impresionante.

3.2 Assemblage

El **Assemblage**, que ya había sido utilizado durante la época de las vanguardias, es una técnica similar al *collage* en pintura y consiste en la **unión física de elementos de naturaleza muy diversa**.

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En los años 50 y 60, David Smith y Anthony Caro recuperan el concepto de *assemblage* aplicándolo a grandes piezas de hierro soldadas entre sí. Generalmente procedentes de la construcción y el mundo industrial, las piezas unidas adquieren un nuevo significado, más de carácter totémico en el caso de Smith y caligráfico en el de Caro.

3.3 Pop Art

El **Arte Pop** (*Pop Art*) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de **imágenes de la cultura popular** tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, *comic books*, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El Arte Pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o *kitsch* de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El Arte Pop y el Minimalismo son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte posmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de este.

pop art2

El **Grupo Independiente**, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del movimiento artístico Pop. Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban la visión modernista de la cultura, así como la perspectiva tradicional de ver las Bellas Artes. Las discusiones del grupo se centraban en la **cultura popular** y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas, tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología. Durante la primera reunión del Grupo Independiente en 1952, el co-fundador, artista y escultor **Eduardo Paolozzi** presentó una lectura utilizando una serie de *collages* titulado *Bunk!*, el cual había ensamblado durante su estancia en París entre 1947 y 1949. El material consistía en «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico que representaba la cultura estadounidense. Una de las imágenes utilizada en dicha presentación fue un *collage* de 1947 de Paolozzi titulado *I was a Rich Man’s Plaything*, el cual incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop!”, la cual aparecía en una nube de humo que emergía de un revólver. Después de dicha presentación, el Grupo Independiente se enfocó principalmente en el uso de imágenes de la cultura estadounidense, principalmente aquellas que aparecían en los medios de comunicación masivos.

El término Arte Pop fue acuñado finalmente por **John McHale** en 1954 con la finalidad de describir el movimiento. Este fue utilizado en las discusiones del Grupo Independiente durante su segunda sesión realizada en 1955 y la primera aparición de dicho término en una publicación impresa tuvo lugar en 1956, en un artículo publicado en *Arc* por parte de los miembros del Grupo Alison y Peter Smithson. Sin embargo, el término generalmente es acreditado al crítico y curador británico **Lawrence Alloway**, quien en un ensayo titulado *The Arts and the Mass Media* (las artes y los medios masivos) de 1958 utilizó el término «popular mass culture» (cultura popular de las masas).

En Estados Unidos tuvo su origen a finales de los años 1950 pero tuvo su mayor ímpetu en la década de 1960. Durante este tiempo, los anuncios estadounidenses habían adoptado varios elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. Consecuentemente, los artistas estadounidenses buscaron estilos dramáticos que distanciaran el arte de los bien designados e inteligentes materiales comerciales. A diferencia del estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas estadounidenses produjeron obras de mayor fuerza y agresividad.

Dos de los más importantes dibujantes en el establecimiento del vocabulario del Arte Pop en este país fueron **Jasper Johns** y más particularmente **Robert Rauschenberg**. Aunque los dibujos de Rauschenberg tenían una obvia relación con los trabajos previos de Kurt Schwitters y otros dadaístas, se enfocaba en la sociedad del momento. Su acercamiento hacia la creación de elementos por medio de materiales efímeros sobre temas ordinarios de la vida diaria en Estados Unidos le dio una calidad única.

4. Años 60: Minimalismo

El **Minimalismo** es una corriente estética y artística surgida en el Nueva York de los años 60 (coexiste con el hippismo de la época), como una reacción directa al Arte Pop. Frente al colorismo, la importancia de los medios de comunicación de masas, el fenómeno comercial y un arte basado en la apariencia, el Minimalismo barajó conceptos diametralmente opuestos. Se centra en el sentido de la **individualidad de la obra de arte**, la **privacidad**, y una **conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador**, destacando la **importancia del entorno** como algo esencial para la comprensión y la vida de la obra.

Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte, como volúmenes y formas en escultura, y de forma análoga proceden en la arquitectura o en la pintura. Intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y reflexiones. Utiliza la **geometría elemental de las formas**, en una estrecha relación con el espacio en que se inserta la obra, pues considera que «todo es parte de todo». El Minimalismo se fija solo en el objeto y aleja toda connotación posible, evitando cualquier reflejo de la interioridad del artista. Intenta expresar lo máximo posible con el mínimo de elementos, utilizando **elementos básicos** como **colores puros, formas geométricas simples y tejidos naturales**. Se podría considerar un «antibarroquismo» estético. Nació en las artes plásticas pero influyó en el resto de las artes y fundamentalmente en la arquitectura y decoración.

Características Básicas del Estilo

  • **Abstracción**
  • **Economía de lenguaje y medios**
  • **Producción y estandarización industrial**
  • **Uso literal de los materiales**
  • **Austeridad con ausencia de ornamentos**
  • **Purismo estructural y funcional**
  • **Orden**
  • **Geometría elemental rectilínea**
  • **Precisión en los acabados**
  • **Reducción y síntesis**
  • **Sencillez**
  • **Concentración**
  • **Protagonismo de las fachadas**
  • **Desmaterialización**


Bibliografía