Édouard Manet: Del Realismo a la Vanguardia Impresionista

Édouard Manet, partiendo del realismo, evolucionó hasta convertirse en un pintor vanguardista. Obras como El pífano son realistas, aunque formalmente su estilo fue progresando hacia la vanguardia impresionista, lo cual se observa en el tipo de pincelada y en la forma en que representa el color. Los impresionistas, influenciados por su enfoque, “coloreaban las sombras” y oscurecían los colores con sus complementarios.

Relación entre la mirada del pintor y la fotografía

Manet representa a personajes a medio encuadrar en el cuadro, sin organizar el espacio de forma clásica. Por ejemplo, en su obra Concierto en las Tullerías, busca organizar la composición de tal manera que el espectador se sienta parte de la escena, como si estuviera presenciando lo que ocurre. Cada vez se le otorga más importancia al punto de vista del artista. Los pintores de la época buscaron en la fotografía una nueva perspectiva para el arte, lo que llevó a replantear la representación del espacio, el volumen, la forma de oscurecer los colores y la composición del cuadro. Manet, en particular, buscaba dar esa sensación fotográfica de fuera de campo, dejando las composiciones abiertas.

Otro de los caminos de evolución de este artista es su conclusión de que la realidad es luz; por lo tanto, al pintar, la realidad se transforma. Por esta razón, el conocimiento para representar esta realidad mutable y veleidosa lo encontraron en la calle, un planteamiento que conduciría a la pintura plein air.

Características Clave de Manet

• Es considerado el último de los pintores clásicos y el primero de los pintores modernos.
• Aunque le da importancia al tema, Manet da un paso adelante con pinturas difícilmente entendibles, donde lo importante no es tanto qué se cuenta, sino cómo se cuenta.
• Es la clara personificación del “nuevo artista”, jugando con el concepto de escandalizar, como en el caso de Olympia. Rompe el tabú de utilizar el desnudo como elemento mitológico, para convertirlo en un retrato de la modernidad.
• Manet acaba con el modelado clásico. Utiliza superficies de color mucho más claras, una técnica que adopta de las estampas japonesas “Ukiyo-e”.
• Fue un pintor que transitó de la tradición a la modernidad, pero no llegó a ser un pintor vanguardista en el sentido estricto. No perteneció al grupo de los impresionistas, ya que siempre quiso triunfar en la pintura y se mantuvo en el ámbito académico. Manet no obtuvo su éxito hasta la última etapa de su vida.
• Tuvo una gran influencia de la pintura barroca del norte de Europa y la pintura veneciana, en concreto de Velázquez.
• Manet no trabajaba “a la prima” ni era un pintor plenairista. Le daba mucha importancia al dibujo, a los personajes y al acabado como para realizarlo en una misma jornada.
• No utilizaba el negro, ya que consideraba que hacía perder saturación a las pinturas.
• El retrato estuvo siempre presente en su obra.
• Realizaba sus pinturas en el estudio, lo que implicaba muchas más horas de dedicación al acabado y a los detalles.

Maestros del Cartelismo y el Modernismo

Alfons Mucha: El Alma Eslava del Art Nouveau

Alfons Mucha, de origen eslavo, destacó desde pequeño como dibujante. Estudió en Alemania y posteriormente en París, donde se produjo su eclosión artística. En su obra se aprecian referentes que se explican a través de sus orígenes; por ejemplo, sus formas de enmarcar pueden recordar a veces a los nimbos con los que se adornaban los iconos, lo que denota una influencia bizantina proveniente de su niñez.

Su gran obra vital fueron unos murales que registraban la historia de los pueblos eslavos. Con la independencia de Checoslovaquia, se le encargaron billetes y sellos, lo que popularizó su obra. Una de las características principales de sus carteles es la tendencia a un formato vertical muy alargado, que se adapta muy bien a la figura y confiere una sensación ascensional, creando imágenes que juegan con lo carnal y lo espiritual.

Henri de Toulouse-Lautrec: El Cronista de la Bohemia Parisina

Henri de Toulouse-Lautrec fue un personaje en el que su vida y su obra se entrelazan. De procedencia aristocrática, sufrió una deformación en las piernas de niño, lo que lo convirtió en un enano. Este problema personal lo llevó a escapar uniéndose a la bohemia parisina.

Muchos de sus carteles tenían la finalidad de anunciar espectáculos, y se le ha reconocido como el pintor de la bohemia. Se le considera un pintor postimpresionista; aunque comenzó su obra en el impresionismo, este estilo se agotó rápidamente, lo que lo llevó a evolucionar. Era un genio del dibujo, y su característica principal es un trazo muy suelto, con una línea abocetada de gran carga expresiva. Sacrificaba la excelencia técnica por una representación con mayor dinamismo.

En sus carteles, se observa una evolución hacia una mayor importancia en la transmisión emocional de los sentimientos, el dinamismo y la expresividad. Jugaba con elementos plásticos de mayor carga expresiva, con saturación y contraste, sin recrearse tanto en el detalle.

Leonetto Cappiello: El Padre del Cartel Publicitario Moderno

Leonetto Cappiello, dibujante italiano, es considerado el padre de los carteles que comenzaron a funcionar como auténticos reclamos publicitarios. Pensaba estratégicamente; sus obras estaban concebidas como carteles centrados en exponer el objeto publicitado con el objetivo de crear una imagen memorable.

Utilizaba una técnica sencilla, pero con una profunda reflexión sobre el cromatismo y la composición, lo que resultaba en imágenes muy potentes. Sus imágenes son formalmente simples, pero juegan mucho con la retórica. Otra característica que lo acerca al lenguaje publicitario es el uso del humor y la ironía. Sus figuras tienen una función conativa, utilizando el contraste, e introdujo temas como diablos, duendes y payasos de la comedia del arte.

El Modernismo: Un Estilo Integral y Diverso

El Modernismo no puede considerarse un estilo monolítico, sino que presenta una gran diversidad temática y formal. Aunque sus manifestaciones concretas varían según los artistas o los focos geográficos, todos comparten las mismas motivaciones estéticas y filosóficas.

Principios Fundamentales del Modernismo

1. La Conciencia de Modernidad

   Se observa una investigación profunda sobre los distintos materiales y su aplicación. En la arquitectura, se utilizó el hierro forjado para crear las líneas látigo y elementos de carácter figurativo. Destaca un gran cromatismo en los materiales, con el uso de ladrillos vidriados que se transforman en vidrieras laicas. Los artistas modernistas huían de las formas academicistas, haciendo desaparecer los órdenes arquitectónicos clásicos y rechazando el historicismo.

2. La Naturaleza como Punto de Partida

   Es una naturaleza estilizada y elegante. Al gusto por la naturaleza se suma el interés entomológico, siendo el primer estilo que utiliza insectos como elementos decorativos. Se emplean temas zoomorfos y vegetales (formas orgánicas).

3. Equilibrio entre Estética y Funcionalidad

   Las formas se vuelven estilizadas, buscando la comicidad y mostrando un gran interés por la decoración. Se crean piezas exclusivas, huyendo de lo repetitivo, y se valora una virtud antes no prioritaria: la originalidad. Se impone el cromatismo, alejándose de la sobriedad academicista, y surge un interés por las esculturas criselefantinas. Se busca la belleza moderna y personalizada, y se empieza a valorar la posesión de la riqueza.

4. Influencia del Movimiento Arts and Crafts

   Este movimiento fue muy importante en las artes aplicadas, siendo los primeros en reflexionar sobre el diseño. Los complementos adquieren gran protagonismo, destacando por su perfección técnica y calidad estética.

5. Nuevas Soluciones Técnicas y Estéticas

   Se huye del pasado, introduciendo nuevos tipos de arcos (como la catenaria), nuevas fachadas (jugando con curvas, uso de vidrio y hierro), soportes (columnas) y paramentos (trencadís). En artes gráficas, se impone la litografía. La figura de la mujer se utiliza como motivo decorativo.

6. Japonismo

   Tras la finalización del período Edo, Japón despertó un gran interés en Occidente, influyendo notablemente en el Modernismo.

7. La Imagen de la Mujer

   La figura femenina se convierte en un motivo decorativo recurrente y central.

8. Arabesco

   La curva que se cierra sobre sí misma es muy común en la decoración, presente en lazos ornamentales y cabelleras.

9. Combinación de lo Técnico con lo Orgánico

   Se intenta conjugar el avance del modernismo con una base natural, mezclando los avances científicos con las formas híbridas.

10. Revivificación de Épocas Artísticas “Locales”

    Algunos elementos de épocas pasadas se utilizan desde el punto de vista de una vuelta formalista, rescatando lo que estéticamente parece asumible y puede ayudar a crear una estética moderna.

11. Abarca la Totalidad de las Artes

    El Modernismo es una corriente vital que lo abarca todo, lo que nos lleva al concepto de la obra de arte total, donde se mezclan las distintas artes. La importancia del cartel radica en que permite conseguir imágenes de buena calidad, convirtiendo la pintura en un Mass Media. La repercusión de esto es que el arte influye en todas las capas de la sociedad, convirtiéndose en un canal de progreso social.

Variedades Estilísticas del Modernismo

El Modernismo, aunque unificado por sus motivaciones, se manifestó en diversas formas:

• Variedad Orgánica o Vegetal

  Se da sobre todo en Bélgica, Francia y Cataluña. Se caracteriza por superficies curvas, columnas arbóreas, cromatismos intensos y la recuperación de la luz cromática de las vidrieras. Este enfoque se aleja de la geometría y se inclina hacia una estructura orgánica.

• Variedad Geométrica

  En esta variante, lo importante es el espacio, sin concesiones estéticas. La idea es que la arquitectura nace de dentro hacia fuera. Es característico el round plan, con el que se comenzaba a diseñar la casa desde el interior, creando primero la organización espacial y posteriormente la fachada. Esta arquitectura se observa en la Sezession vienesa y en el Modern Style inglés.

Antonio Gaudí: Innovación y Simbolismo en la Arquitectura Catalana

Características Clave de Antonio Gaudí

• Pertenece al Modernismo catalán.
• Utiliza la línea curva, cóncava y convexa. No es un arquitecto puramente esteticista, ya que muestra una clara preocupación estructural.
• Al principio de su obra, se aprecian influencias nacionalistas.
• Sintetiza la estética con lo tectónico y lo simbólico.
• Utiliza nuevos materiales en la decoración: piedra, hierro forjado, cerámica y vidrio.
• Integra las artes aplicadas en sus construcciones.
• Sus formas son orgánicas, recordando siempre a elementos naturales.
• Usaba maquetas antes que planos para visualizar sus proyectos.
• Desarrolló soluciones nuevas e imaginativas.
• Tiene algunas obras de influencia neogótica, como en “El Capricho”. El uso del ladrillo de esa forma recuerda mucho al arte neomudéjar, que también se ve incorporado en la obra de Gaudí.
• Su arquitectura es eficiente.
• En cuanto a lo simbólico, se manifiesta en elementos que recuerdan a formas religiosas.
• Se inspiró en Viollet-le-Duc.

Elementos Estructurales Novedosos de Gaudí

• Arcos Catenarios y Parabólicos: Utilizaba arcos catenarios para cubiertas y parabólicos para soportar el peso de los forjados.
• Materiales Predominantes: Los materiales más usados eran la piedra y el ladrillo, inspirándose en la naturaleza.
• Pilares Inclinados y Ramificados: Aplicaba a los pilares la forma del arco parabólico. No usaba el sistema clásico, sino que ramificaba los arcos, incluso introduciendo torsiones para conseguir mayor fuerza al canalizar las fuerzas horizontales.
• Columnas de Árbol: Muy usadas en “La Sagrada Familia”, imitando la estructura de los troncos.
• Dobles Cubiertas: Mediante arcos catenarios.
• Elementos Escultóricos Funcionales: Transformaba los conductos de ventilación y las chimeneas en esculturas, mostrando un detallismo excepcional en sus trabajos.
• Planta Libre: Utilizaba el muro cortina para dotar de mayor luminosidad al edificio.

El Impresionismo: La Luz como Protagonista

Características del Impresionismo

• La pintura deja de tener finalidad narrativa; no cuenta una historia ni un relato.
• Se observa una banalización del tema.
• Hay una disolución de las formas.
• Los cuadros a menudo parecen inacabados.
• Primacía del color y libertad temática.
• No utilizan el pigmento negro.
• Solo preparan el lienzo con blanco.
• Descartan los colores sombra tradicionales, sombreando con colores oscuros, azules o mezclando complementarios, creando así sombras coloreadas.

En el Impresionismo, se utiliza el concepto de tiempo en la imagen fija. Aunque no es un estilo estrictamente científico, sí emplea algunos principios del método científico, como la observación. Artistas cultivados, más allá del ámbito puramente artístico, descubrieron los estudios de Chevreul sobre la luz y el color, lo que les permitió entender que el color no es una propiedad intrínseca de los objetos.

En el Impresionismo, las sombras se colorean, jugando con lo frío y lo cálido, y con el color complementario de la forma que se sombrea. El color se aplica con pinceladas cortas, sueltas y un estilo abocetado, lo que contribuye a la disolución de las formas. Mezclan los colores directamente en el lienzo y, siguiendo las leyes de Chevreul, dejan pinceladas de distintos colores yuxtapuestas para que los colores se mezclen en nuestra retina. Utilizan pocos colores, pero muchas mezclas.

Es importante entender que, hasta hacía poco, las pinturas se realizaban preparando primero el lienzo con imprimaciones que a veces contenían pigmento. Los impresionistas dejaron claro que se debía pintar siempre sobre un lienzo blanco, ya que esto permite percibir mejor el color.

Los temas no son narrativos; se mantienen los géneros del paisaje y el bodegón. El paisaje urbano se convierte en un tema muy común, y el paisaje urbano nocturno casi se considera un género por sí mismo. Para realizar sus obras, utilizaban la técnica del plein air. El japonismo influyó mucho, ya que sus composiciones y temáticas aparecen con frecuencia en los pintores impresionistas.

El Impresionismo rompe con la tradición pictórica de la cultura occidental al plantear que no se pintan objetos tridimensionales, sino la luz que estos representan. Ya no se representa el espacio con perspectiva aérea ni se recrea de forma convencional.

El Impresionismo no busca una reclamación social; se centra en la sensación, siendo una pintura puramente sensitiva. Los títulos suelen ser convencionales, casi todos descriptivos y geográficos. Otra característica importante es la desmaterialización, que otorga a la pintura una nueva dimensión, conduciendo finalmente a la abstracción.

Antecedentes del Impresionismo

• Escuela de Barbizon: Representada por Corot, Millet y Courbet, quienes aclararon la paleta y se dedicaron a la pintura de bocetos al aire libre, utilizando el plein air.
• William Turner, Goya y Velázquez: Por su innovador tratamiento del color.
• Realismo: Por su capacidad para reflejar la realidad contemporánea.

Auguste Rodin: La Escultura entre Impresión y Expresión

Auguste Rodin es un escultor paradigmático, ya que en su obra se observa la transición de un concepto artístico a otro nuevo y radicalmente distinto. Comenzó formando parte de un taller, realizando funciones manuales, y desde allí empezó a destacar su capacidad para el modelado. Sus referencias provienen de los modelos clásicos de Italia, donde, además de estos referentes, estudió a Miguel Ángel desde otra perspectiva, observando el tratamiento de la anatomía, las poses y la idea de que a través de la pose y el gesto se pueden explorar todas las facetas de la personalidad. Sin embargo, para lograr esto, era necesario renunciar al clasicismo, que tendía a las posturas impostadas y canónicas.

Rodin pedía a sus modelos que se pasearan desnudos por el estudio, de tal forma que el escultor pudiera descubrir en alguna de sus poses algo distinto a lo visto hasta entonces en la historia de la escultura. Con este espíritu vital, comenzaron a surgir cambios que influyeron directamente en la escultura.

Uno de los primeros éxitos de Rodin fue La edad del bronce, en la que buscaba representar al hombre primitivo, creando una figura de tamaño natural con un modelado trabajado con un naturalismo y realismo sin precedentes, logrando una figura verosímil y más humana. Por esta obra, fue acusado de haber tomado moldes mediante la técnica del vaciado de una persona real para construir la escultura.

La importancia de la fotografía en esta época se manifiesta en la posibilidad de tomar fotos de los modelos para ayudar a encontrar la pose más adecuada a lo que se busca expresar, como si las imágenes fueran bocetos. Él utilizaba un tratamiento de la luz que era impresionista y, en cierta medida, miguelangelesco. Rodin también le daba mucha importancia al diseño.

La parte fundamental de su obra es que trabajaba sobre la idea, lo que explica que existan muchas reproducciones de sus obras firmadas por él, en distintos materiales y tamaños. Buscaba representar las profundidades abisales de la psique humana a través de lo externo, de la pose o el gesto.

Su estilo se mueve entre el impresionista y el expresionista, lo cual se evidencia en sus deformaciones expresivas y en los tamaños desproporcionados para dotar a la figura de mayor dramatismo. La fragmentación es una evolución, por así decirlo, del non finito.

La seriación es otra característica, basada en su consideración del escultor como un diseñador. Por ello, utilizaba el mismo modelo de tallado para obras distintas. Los temas más representados en sus obras son los retratos, que sufrieron una gran evolución. Una vez que obtuvo reconocimiento, las administraciones lo contrataron para monumentos y obras públicas, como Las puertas del infierno.

Rodin buscaba crear esculturas que parecieran perder su peso natural, que transmitieran la sensación de ligereza e ingravidez a través de su fuerza espiritual.