Fagus Walter Gropius, Fábrica Fagus (1911). Fábrica que se dedicaba a hacer suelas de zapatos. Dividida en tres plantas. Es un sistema arquitectónico adintelado. Los ventanales tan grandes son posibles porque los pilares entre ventana y ventana soportan el edificio. Los pilares permiten quitar carga a los muros, que se pueden convertir en ventanales. Los pilares son los principales soportes. Elementos característicos desde el punto de vista formal, elementos sustentantes que soportan todo el edificio y permiten el uso de esos ventanales. Composición a base de líneas rectas. Los elementos sustentados son cada uno de los planos, paralelos al suelo, que sirven de techo y de suelo a cada una de las plantas. La cubierta es una superficie plana sin vertiente. La cubierta es un tejado plano o una terraza plana. Los alzados están determinados por los pilares cuyo exterior es de ladrillo y los grandes ventanales que se repiten como si fueran módulos. La seriación de los elementos que componen los alzados. No hay otra ornamentación que la determinada por esas líneas geométricas y el juego de colores del ladrillo, del cristal y el hierro que le sirve de cierre. La arquitectura no desarrolla un tema, es abstracta. Pero hay elementos que ayudan a establecer relaciones de significado. La entrada exterior y el reloj nos dicen que es un edificio que se va a utilizar con unos horarios, se va a entrar y salir del mismo. Las ventanas permiten entrar la luz y que no se tenga que calentar tanto la luz. Vemos a través del cristal que la escalera está situada en uno de los extremos de los edificios lo cual permite que el resto del edificio su espacio interior se destine a hacer espacios diáfanos.

La tentativa imposible, René Magritte. El pintor está creando a una mujer dentro del cuadro. Hace referencia a un mito clásico: Pigmalión. Representación cinematográfica: My First Lady. La creación artística intenta crear una imagen tan sofisticada que es imposible. Tema muy común del arte contemporáneo: el pintor y la modelo. El pintor la crea pero la modelo tiene una vida propia.

Naturaleza Muerta Cubista (1917) – María Blanchard

Descripción: Es una pintura realizada utilizando la técnica óleo sobre tabla y cuya función era puramente artística.

Análisis formal: En esta obra podemos ver la representación de un bodegón cuyos objetos han sido sometidos a un proceso de deconstrucción, por lo que las líneas principales del cuadro son difícilmente reconocibles. Sin embargo, podemos identificar un elemento vertical a la derecha del cuadro desde la posición del espectador que podríamos identificar con una botella y en el plano inferior podemos reconocer la forma de una mesa dispuesta, con sus esquinas saliendo hacia el espectador, lo cual puede llegar a crear cierta sensación de profundidad. La imagen se compone de numerosos planos geométricos que se superponen, pero el cuadro no da especial relevancia a la profundidad de los elementos. Los planos son monocromos y la luz viene dada por la riqueza cromática mediante las distintas combinaciones que sugieren formas concretas de la realidad. Por consiguiente, podríamos decir que predomina el uso del color por encima del dibujo. Las tonalidades usadas son de baja tonalidad, es decir, la autora recurre a colores como el marrón, el verde o el gris. La pincelada parece ser fina y el cuadro no presenta una textura sobresaliente. En esta obra podemos ver, simplemente, la representación clásica de un bodegón pero la cual ha sido descompuesta y cuyos objetos han sido transformados en figuras geométricas superpuestas.

Análisis de contenidos: El tema de la obra es profano y hace referencia a los bodegones que se representaban en la pintura tradicional. Esta obra, por consiguiente, refleja la idea que Cézanne había iniciado, la tendencia esencial cuyo principal objetivo es descomponer la realidad del objeto en planos y objetivos.

Relaciones forma-contenido y conclusiones: El fondo está separado por bloques de colores. Los objetos no se reconocen fácilmente, pero sí que vemos cómo la autora ha tratado de indicar las sombras a través del uso de colores oscuros. Para la autora, esta obra representa un juego de planos y colores que se superponen entre sí. Sin embargo, a pesar de transformar la realidad, el referente usado por la autora sigue formando parte del pasado. Simplemente, su objetivo es alejarse de la imitación habitual del mundo. En concreto, esta obra la situaremos dentro del cubismo analítico, en la que la autora mira la imagen del bodegón con los ojos de la mente.

María Gutiérrez Blanchard, la autora del cuadro, nació en Santander en 1881 en el seno de una familia adinerada, por lo que gozó de cierta influencia intelectual. Esta se trasladó a París en 1908, por lo que vivió el momento culmen de las primeras vanguardias, con el cubismo de pintores como Picasso o Braque en su mejor momento, quienes llevaron al máximo la descomposición en la representación tanto de figuras humanas como de objetos. Esto hace que dicha autora pertenece al cubismo sintético, desde el cual representa los posibles puntos de vista del objeto representado, el cual, en muchos de los casos, resulta difícil de identificar y relacionar con un objeto de la realidad.

Kiki de Gargallo (1928)

Kiki Gargallo. Bronce, fundido a la cera, pulido y soldado, 1928. Kiki tiene un peinado típico de la moda del charlestón, peinado garçon. Se pinta mucho el rabillo, al igual que los labios (cine de la época, estereotipo). Toda esta información se nos da con muy pocos elementos, aparece un ojo y el otro no, solo medio labio… Utiliza este tipo de simetría incompleta para que podamos recrear la imagen completa mentalmente. El pelo de Kiki está pulido, mientras que el rostro no, algo que nos ayuda a asimilar la figura visualmente y facilita a nuestra mente la misión de asimilar la imagen. Vemos también una tendencia al esquematismo, elimina lo accesorio y se queda con lo esencial. Por ejemplo, no representa los mechones de pelo, ya que no es imprescindible, entendemos que es un pelo liso, sin movimiento… Predomina la ausencia de cosas. El artista le ha quitado materia. Nosotros somos los que completamos a la imagen. Solo tiene un ojo, la mitad del labio. Esto hace que la obra sea más expresiva. Deja al espectador que complete la imagen. Ese ojo también sugiere que Kiki está maquillada, la línea del ojo está muy marcada. Pone la parte derecha del ojo y la izquierda del labio para compensar. También la cara presenta una línea que separa la cara en dos.