Cubismo Sintético

El Cubismo es el movimiento más revolucionario e importante del siglo XX. El problema que se plantea este movimiento es el de la representación de la realidad tridimensional en un plano de dos dimensiones. El cubismo parte de una crítica a la perspectiva tradicional, lineal o geométrica, a la cual considera falsa y arbitraria. Los objetos se descomponen en múltiples puntos de vista y están geometrizados, reducidos a sus líneas esenciales, todo ello para mostrarlos con la máxima claridad.

Se considera a Pablo Picasso, con Las Señoritas de Avignon, el padre del Cubismo; así, junto con Braque, trabajaron juntos en París intentando llevar al Cubismo a sus últimas consecuencias en un continuo proceso de experimentación.

• a) El Cubismo Analítico: donde las formas fueron sometidas a una profunda disección en todos los puntos de vista posibles.
• b) El Cubismo Sintético: en este nuevo periodo, los mencionados autores (Picasso y Braque) pretenden que sus obras sean más claras y los objetos más fáciles de identificar. Para ello, el Cubismo Sintético se vale de dos recursos: por un lado, se renuncia a representar todas las perspectivas posibles. Por otro, se añaden objetos al cuadro; los más habituales son los papeles “collés”, que consistían en darle formas a esas representaciones cubistas a través de elementos que pertenecen a nuestra vida cotidiana, como recortes de partituras musicales, periódicos, trozos de madera, de tela… creando en este caso composiciones mucho más simples, sencillas y algo más figurativas, por lo que fueron más fáciles de entender.

Algunos de los ejemplos más significativos respecto al cubismo sintético son: Naturaleza muerta con silla de rejilla de Pablo Picasso y Bodegón con botella de Burdeos de Juan Gris.

Neoplasticismo

Corriente artística nacida en Europa en la segunda década del siglo XX que difunde una praxis artística basada en la idea de despojar al arte de todo elemento accesorio para llegar a la esencia de un lenguaje plástico objetivo y universal. Los Neoplasticistas son un grupo de artistas holandeses: arquitectos, como Theo van Doesburg y Rietveld; escultores, como Vantongerloo; y pintores, como Mondrian, agrupados en torno a la revista De Stijl (El Estilo). Son partidarios decididos de la abstracción y la simplificación más absoluta.

La línea recta, los volúmenes simples y los colores planos, fundamentalmente los primarios, son características comunes a todos los integrantes del movimiento. Quizá el más radical en sus planteamientos dentro del grupo sea el pintor Mondrian, el cual repite en sus cuadros una y otra vez variaciones compositivas a base de rectángulos de distinto tamaño pintados únicamente con los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul), además del blanco y el negro (líneas), como podemos ver en su obra Composición II de 1920. Mondrian busca un arte “puro”. Sentimientos y emociones no tienen cabida en su arte; sus planteamientos son puramente racionales, aunque en el fondo subyace un idealismo muy acusado.

La noche estrellada

Vincent Van Gogh / Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York / Finales del siglo XIX / Obra pictórica del estilo Postimpresionista.

Se trata de un óleo sobre lienzo que representa un paisaje nocturno repleto de estrellas. Como todos los postimpresionistas, su pintura es personal: pinceladas sinuosas y rápidas que se transforman en estrellas y en cipreses; pinceladas rectas y formas geométricas básicas delimitadas por gruesas líneas negras conforman las cosas. El azul es el protagonista del lienzo. Esta pintura no es fiel reflejo de la realidad; debe ser interpretada desde la vertiente emocional y simbólica del artista: expresión del sentimiento místico hacia la naturaleza y de su propia angustia.

Impresionismo

Con el término Impresionismo se designa la corriente pictórica que se desarrolló en Francia entre principios de 1860 y finales del siglo XIX. La aparición del movimiento no tiene lugar hasta el año 1874, año de la exposición en el estudio del fotógrafo Nadar. El término surgió del crítico Louis Leroy en un periódico haciendo alusión a la obra de Monet Impresión, sol naciente exhibida en la exposición antes mencionada.

El Impresionismo se asocia a inventos técnicos como la fotografía y la aparición de los tubos de pigmento al óleo preparados industrialmente, hecho que permitió pintar al aire libre. Asimismo, surgió como fruto de una curiosidad científica: los pintores practicaron sobre la tela una rigurosa división de colores cuya mezcla debía establecer el ojo del espectador.

Los cuadros impresionistas son óleos sobre lienzo, por lo general de pequeño formato para poder transportarlos hasta el lugar donde se deseaba pintar. Utilizaron con frecuencia el pastel, tal y como se hace patente en la obra de Renoir. Respecto a los temas, la pintura impresionista se basó en el deseo de producir la impresión huidiza que provocaba un motivo expuesto a una luz variable. Lo importante no era el motivo del cuadro, sino los efectos de la atmósfera sobre él en distintas horas del día; por eso pintaron series. Trataron el desnudo, especialmente en el exterior. El dibujo es secundario respecto al color. Utilizaron tonos claros. Los artistas más destacados del movimiento fueron: Monet, Renoir, Degas.

Renoir

Fue un pintor Impresionista que mostró una gran originalidad creativa a lo largo de su vida y su pintura, aunque indiscutiblemente impresionista, presenta ciertas peculiaridades. Por ejemplo, muestra más interés por el cuerpo humano (especialmente el femenino) que por los paisajes. Además, le gustan las escenas de interior, a diferencia de los demás impresionistas, que optan siempre por el exterior y la pintura al aire libre. Todo en sus obras es claro, sencillo y directo. Los personajes estaban tratados con gran delicadeza; siempre aparecen en actitudes relajadas, sonrientes y felices. Bailan, toman una copa, charlan, tocan el piano, etc. Es por todo esto que Renoir ha recibido el calificativo de “pintor de la alegría”. Su éxito se produjo en muchos países, pero sobre todo en Estados Unidos. Renoir es un pintor de gran colorido, capta lo instantáneo y huye de lo serio y trascendente. Algunas de sus obras: El desayuno de los remeros, Dos hermanas, El Moulin de la Galette.

Las Señoritas de Avignon

Picasso / Museo de Arte Moderno de NY / Principios del siglo XX / Obra pictórica considerada como la obra germinal del lenguaje Cubista, y en este caso del periodo analítico.

Fueron Picasso y Braque los que configuraron el horizonte estético del cubismo; no utilizan la perspectiva convencional, ni colores reales, ni adoptan un punto de vista único. Plasman una visión simultánea de varias representaciones de un mismo objeto (vista de frente, de perfil…). Así se busca un acercamiento intelectual y no sensorial a la representación de la tercera dimensión; el pintor deja de ser un ilusionista, de manera que el espectador no ve el espacio y el volumen, sino que lo intuye, lo reconstruye intelectualmente, gracias a su experiencia.

Mujeres y pájaros bajo la luz de la luna

Joan Miró / Museo de Arte Moderno de NY / Primera década del siglo XX / Obra pictórica del Surrealismo donde trata de plasmar el mundo de los sueños, de los fenómenos subconscientes, fenómenos cuya importancia estaba siendo demostrada por el psicoanálisis de Freud.

Los pintores surrealistas utilizan lenguajes pictóricos muy diferentes; esta variedad nos permite diferenciar una línea objetiva o figurativa, con Dalí como su mayor representante, y otra poética abstracta, como esta obra, donde Miró imprime una particular atmósfera orientándose a un abstraccionismo lírico que alcanza con unos equilibrados signos gráficos, deformaciones fantásticas y evocadoras de elementos naturales inmersos en colores vivos y elementales (pájaros, lunas, estrellas, etc.).

Kandinsky

Artista ruso que fue el gran teórico y práctico del Arte Abstracto, en el que la representación del objeto es secundaria; la belleza del arte reside en la riqueza cromática y la simplificación formal. Es la representación de lo esencial del arte, no una burda imitación de la naturaleza.

Encabezó el grupo expresionista Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), con el que empezó a obsesionarse con expresar algo más allá de la simple representación de la naturaleza. Su experimentación culmina en torno a 1910, entregándose a la pura abstracción. Publicó De lo espiritual en el arte, donde critica las situaciones académicas tradicionales y la idea del arte en general. Es el primer libro que describe la fundación teórica del movimiento abstracto y habla de una nueva época de gran espiritualidad y la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinsky da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color. Kandinsky pintó obras de tres categorías: las Impresiones, las Improvisaciones y las Composiciones.

Impresión, sol naciente

Monet / Musée Marmottan (París) / Finales del siglo XIX / Obra pictórica de estilo Impresionista que dio nombre al movimiento Impresionista tras lo escrito por el crítico de arte Leroy.

Está pintada con la técnica de óleo sobre lienzo y reúne las aportaciones técnicas principales de los impresionistas: los colores no se mezclan en la paleta, sino que son puestos uno al lado del otro y, al ser contemplados, se funden en el ojo del espectador; aquí domina el azul grisáceo que contrasta con el naranja del sol. Además, el pintor recurre a uno de los temas preferidos de este estilo: la plasmación de la luz, en este caso los reflejos sobre el agua en el puerto de Le Havre. Lo importante no es el motivo del cuadro, sino los efectos de la atmósfera sobre él. Fue pintada al aire libre y abandona la tonalidad oscura.

Composición II

Mondrian / Colección particular / Segunda década del siglo XX / Obra pictórica Neoplasticista donde solo tienen cabida el rojo, el azul y el amarillo puros, además de blanco y el negro. En este cuadro aún admite el gris. La notación es estrictamente plana y en la superficie, solo hay líneas ortogonales. Por la reducción a la estructura imprescindible, había logrado llegar al estilo elemental. La armonía estética se concentraba aquí como valor absoluto del espíritu humano; estaba solo sometida a valores espirituales.

Gauguin

Gauguin fue el típico pintor Postimpresionista que sentó las bases del arte moderno, que nunca fue apreciado en vida y, una vez muerto, fue considerado un clásico intocable.

Como Van Gogh y Cézanne, el gran Gauguin creó un nuevo lenguaje que después adaptarían los jóvenes vanguardistas: un novedoso uso del color, el gusto por la simplicidad del primitivismo, la audaz experimentación en todos los ámbitos y técnicas, la bohemia y la intención de alejarse de lo establecido, lo que se podría calificar de pura subversión.

En Bretaña francesa, se empieza a separar la imagen pictórica en zonas de color fuertemente contrastadas y a menudo delineadas con negro, llegando a recordar a las vidrieras, y se volcó en el Sintetismo.

Poco después de su muerte, su figura sería reivindicada por dos grandes artistas modernos: Matisse, que quedó embrujado por su uso libre y expresivo del color, y Picasso, que se enamoró de la vida y obra del artista y copió su primitivismo para Las Señoritas de Avignon. Las demás vanguardias, con el Expresionismo a la cabeza, lo consideraron casi un gurú.