Exploración de Obras Maestras: De la Angustia Cósmica a la Crónica Histórica
Una paisaje nocturna sirve de excusa para mostrar una aproximación mística a la naturaleza y a la propia angustia vital.
Obra de Van Gogh: La Noche Estrellada
Es una de las obras más conocidas de Van Gogh. Cuando la pintó, estaba recluido en el manicomio de Saint-Rémy. La noche era un tema que siempre le gustó y por el que siempre se mostró atraído debido a la luz diferente. También pintó El café nocturno y La terraza del café. Colocaba candelas en el sombrero y alrededor del cuadro.
Composición y Color
La obra se divide en dos planos diferenciados, separados por una línea de montañas que asciende hacia la derecha, destacando especialmente el cielo.
- Los edificios y las montañas son representados con un contorno de trazos oscuros.
- Los tonos empleados son malvas, morados y amarillos, que indican un buen momento del pintor, de euforia.
- Hay un marcado contraste con el uso de colores complementarios: predominan los azules y los complementarios naranjas y amarillos.
- La luminosidad y la pureza de los tonos demuestran que usaba los colores sin mezclarlos.
Movimiento y Técnica
El resplandor de las estrellas y de la luna ilumina artificialmente el cielo, desarrollándose en horizontal. Los cipreses se muestran ascendiendo, chameantes, y ayudan a dar profundidad y dimensionan el conjunto.
Su efecto es reforzado por la aguja de la iglesia que preside el pueblo, al fondo. La paisaje parece en movimiento: los árboles semejan llamas verdes y la tierra un mar en oleaje; el cielo y el sol parecen remolinos.
Técnica y Significado
La técnica usada es el óleo, aplicado en abundancia, con una pincelada empastada, vigorosa y corta que da mayor expresividad a la obra. La pincelada es muy característica y personal: las estrellas están rodeadas de luz vinculadas a espirales que recuerdan a la estampa japonesa. Los colores son aplicados usando el pincel o la espátula.
En la obra, el movimiento ascendente parece conectar el mundo terrenal y celestial, como si el cielo y la naturaleza contrastaran con la quietud del pueblo, mostrando la actitud ajena del hombre frente a la naturaleza. Con esta obra, Van Gogh anticipa el **expresionismo**.
Goya: La Crónica de la Guerra y la Represión
Es uno de los primeros cuadros de tema histórico en el que el protagonista es el pueblo, lo que influirá en el romanticismo. El cuadro fue realizado en realidad en 1814 con la vuelta de Fernando VII, al igual que La carga de los mamelucos.
Nos presenta la represión sufrida por el pueblo de Madrid tras el levantamiento del 2 de mayo de 1808. Tal vez el cuadro lo realice dentro de una propuesta que hizo al nuevo gobierno absolutista de realizar una serie sobre los episodios del levantamiento español contra los franceses, tal vez para hacer olvidar su fama de afrancesado, pues Goya se debate entre su patriotismo, sus ideas afrancesadas y el odio a la crueldad de la guerra.
Organización de la Composición
La composición se organiza a partir de la iluminación que procede de un fanal colocado en el suelo y que divide a los protagonistas en dos grupos:
- El Grupo de los Patriotas: Están INDIVIDUALIZADOS y se puede distinguir como TRES fases:
- Grupo de detenidos dirigiéndose hacia la muerte.
- Grupo de presos ante el paredón.
- Grupo de prisioneros ajusticiados ya muertos en escorzo.
Detrás de ellos, la montaña del Príncipe Pío y la ciudad en penumbra. Cada uno de estos grupos cuenta con un personaje o varios destacados muy expresivos:
- A nuestra derecha, un patriota se tapa la cara horrorizado, aunque se distingue otro que se muerde las uñas y el cura rezando.
- EN EL CENTRO: UN PATRIOTA abriendo los brazos en señal de aceptación de su final. Recuerda su composición a Cristo y hasta tiene un hueco, un estigma, en su mano.
- Ajusticiado repitiendo con los brazos abiertos el esquema de la figura central.
2. El Pelotón de Fusilamiento: En composición triangular cuyo vértice invade el espacio de los patriotas. Están representados de espaldas, son soldados anónimos simbolizando la guerra como máquina de matar inhumana. Tienen los pies formados en triángulos marcando su estatismo y los fusiles rectos.
Luz y Color en la Denuncia
La luz que parece proceder del fanal incide en el centro en el patriota de camisa blanca y pantalón amarillo, mientras que la penumbra inunda la ciudad que aparece indiferente a los hechos.
Los colores se distribuyen con pinceladas sueltas y con manchas de color. Entre los colores se aprecian:
- Gama de color negro.
- Gama de color verde.
- Gama de colores ocres y marrones.
- Rojo de la sangre.
- Azules, sin olvidar el blanco de la camisa y amarillo del pantalón, que son colores más claros dentro de una paleta más bien oscura, como la muerte.
Conclusión Expresiva
El cuadro presenta una gran expresividad en los patriotas: en el personaje central con los ojos abiertos y el estigma de la mano, es el nuevo Cristo que padece la irracionalidad de la guerra; en el patriota que se muerde las uñas; en el que reza. Las expresiones deformadas y los contrastes cromáticos le hacen ser precedente del expresionismo.
La función del cuadro es la denuncia de la crueldad de la guerra. Puede ser, como se ha dicho antes, que fuera para hacer olvidar su fama de afrancesado. Destaca el personaje central, ejemplo de rebeldía, aunque vaya a morir sigue gritando.