Años 60: Cine Verdad y Cine Directo en Documental y Ficción

Durante los últimos años de la década de 1950, se sucedieron distintos avances técnicos que hicieron evolucionar la forma de hacer películas:

• Cámaras portátiles con sonido directo (inalámbricas).
• Cámaras más pequeñas que utilizaban películas de 16mm (como las cámaras Arriflex). Por primera vez se puede filmar con la cámara al hombro, ya que son ligeras y silenciosas.
• Uso de un material más sensible a la luz en el celuloide, lo que permitió grabar imágenes aceptables en cualquier lugar sin necesidad de grandes condiciones de iluminación (posibilidad de rodar sin focos).
• Micrófonos de corbata.
• Magnetófonos portátiles con sonido óptico y sincrónico con las cámaras mediante un cable (a mitad de los años 50 se hicieron inalámbricos).

El entorno social de la década de los 60 era muy convulso; era la época de la denominada “contracultura”, impulsada por el contexto global de la Guerra de Vietnam, la lucha por los derechos civiles y diversas manifestaciones sociales. Esto originó un cambio profundo en el cine, dando lugar a dos movimientos fundamentales:

• Nouvelle Vague (Francia): Impulsado principalmente por Jean-Luc Godard y François Truffaut, críticos de cine y colaboradores de la revista Cahiers du Cinéma que se lanzaron a la dirección.
• Free Cinema (Reino Unido): Impulsado por Lindsay Anderson, Karel Reisz y Tony Richardson.

Panorama Internacional

En el resto del mundo también destacan figuras clave:

• En Brasil, sobresale Glauber Rocha, figura esencial de la época.
• En Italia, destaca el genio de Federico Fellini.
• En España, bajo el contexto del franquismo, destacan Luis García Berlanga (El verdugo) y Luis Buñuel (Viridiana), quien debido al exilio desarrolló casi toda su obra en México y Francia.

Todo este ecosistema tuvo repercusiones directas en el cine documental, trasladándose más tarde al ámbito de la ficción.

Cine Verdad vs. Cine Directo: Dos Formas de Plasmar la Realidad

Las innovaciones técnicas mencionadas posibilitaron la aparición de dos vertientes cinematográficas que buscaban capturar la realidad de formas distintas.

Cine Verdad (Francia) – Documental

Se caracteriza por la intervención directa del director o directores en el desarrollo de la película. El cineasta se sitúa como un mediador que realiza preguntas, tales como “¿Eres feliz?” o “¿Cómo vives?”. De esta forma, el artificio de la grabación queda en primer plano.

Un director fundamental de este género fue Jean Rouch, quien contó con el apoyo teórico de Edgar Morin. Juntos realizaron la película fundacional del Cine Verdad: Crónica de un verano (1961). Rodada en París, desarrolla la acción mediante entrevistas a ciudadanos. En la primera escena, se observa a los directores explicando a una mujer que van a realizar un documental; su método consistía en “hacer un documental sobre cómo se hace un documental”, creyendo que solo así se alcanzaba la auténtica verdad.

Otras obras y figuras destacadas incluyen:

• Le joli mai (1963), de Chris Marker.
• Raoul Coutard, un influyente director de fotografía que trabajó con Godard y Truffaut.

En este estilo, la cámara actúa como un catalizador para provocar respuestas y buscar la veracidad en los sujetos grabados.

Cine Directo (Estados Unidos) – Documental

A diferencia del Cine Verdad, en el Cine Directo los directores no intervienen ni aparecen en la película; graban la realidad tal cual sucede. Destacan figuras como Robert Drew, Richard Leacock y los hermanos Albert y David Maysles.

La película que inaugura el género es Primarias (1960), de Robert Drew. En ella se retrata el día previo a las elecciones primarias de 1960 en Estados Unidos, con John F. Kennedy y Hubert Humphrey como candidatos. El objetivo era mostrar su intimidad, algo totalmente innovador que buscaba trasladar el fotoperiodismo al cine. El documental utiliza una voz en off para guiar al espectador y aprovecha el celuloide sensible para rodar en condiciones de luz escasa.

Otro trabajo esencial de Drew es Crisis (1963), que aborda el conflicto racial provocado cuando el gobernador George Wallace intentó impedir la entrada de estudiantes afroamericanos a la Universidad de Alabama. Es la primera vez que se filma dentro de la Casa Blanca, mostrando al Presidente Kennedy en situaciones privadas y de alta tensión. El documental utiliza el suspense y el sonido directo para captar la realidad sin interferir en la acción.

A pesar de su éxito, los cineastas franceses criticaron el Cine Directo americano, sosteniendo que la mera presencia de una cámara ya altera la naturalidad de la acción.

Cine Directo (Estados Unidos) – Ficción

Esta vertiente se centró principalmente en la ciudad de Nueva York y en captar la vida cotidiana.

• Little Fugitive (1953), de Morris Engel y Ruth Orkin: Muestra la ciudad a través de los ojos de un niño que huye de casa. Otras obras del matrimonio son Amantes y piruletas (1956) y Bodas y niños (1959).
• Lionel Rogosin: En 1957 dirigió On the Bowery, un semidocumental sobre un barrio marginal de Nueva York que retrata la dura realidad de los veteranos de guerra con estrés postraumático.
• John Cassavetes: Actor y director que financió sus películas independientes trabajando en la industria (aparece en La semilla del diablo). Su película Shadows (1959) forjó el denominado “Nuevo Cine Americano”.

El cine de Cassavetes se posiciona contra Hollywood, utilizando actores no profesionales (como Anthony Ray) y rodando en escenarios reales (calles, bares, cafeterías) con música de jazz. El objetivo es captar la vida tal cual es, con conversaciones cotidianas y una estética que prioriza la fuerza interpretativa sobre la perfección técnica. Este estilo de cine independiente y conversacional sentó las bases de lo que hoy conocemos a través de festivales como Sundance.

Lo más trascendental de este movimiento es la democratización del arte: se demostró que, con una cámara y un equipo de sonido, cualquier persona podía salir a la calle y filmar una película cargada de verdad.