Historia de la Música

Instrumentos: Dentro de la familia de teclas destacan la clave y el órgano, ambos instrumentos polifónicos. En la familia de viento, el concepto de registro hace referencia a que existen muchos instrumentos del mismo tipo pero de distinto tamaño. Dentro de viento madera encontramos los sacabuches (parecidos a trombones), el cornetto, las flautas de pico (que tienen un tudel como el fagot, un motor de aire arriba, especialmente útil para los modelos grandes) y el traverso. También destacan el bajón (similar al fagot) y la chirimía (parecida al oboe).

Familia de Cuerda

En la familia de cuerda, en la cuerda pulsada destacan: el laúd (con mástil y clavijero doblado hacia atrás), el archilaúd y la tiorba (ambos más grandes, la tiorba con dos clavijeros), la vihuela (predecesora de la guitarra, con 6 cuerdas), y las arpas diatónicas o de 2 órdenes (estas últimas con dos juegos de cuerdas, uno equivalente a las teclas negras y otro a las blancas). En la cuerda frotada aparecen el violón (con 5 cuerdas, origen del contrabajo), los violines de bolsillo, y los habituales violines, violas y chelos. La viola de gamba tiene trastes, 6 cuerdas y capacidad semipolifónica.

Consort y Tablatura

Un consort es un conjunto de instrumentos del mismo tipo, pero no necesariamente de la misma familia, como un grupo solo de flautas de pico o de violas de gamba. La tablatura es un sistema de notación alternativo utilizado para repertorio instrumental polifónico, que combina signos gráficos, números, letras y símbolos musicales. Por ejemplo, la cifra para vihuela usa números en línea para indicar el traste que se debe tocar (el 0 indica que se toca la cuerda al aire), y se aplica solo a instrumentos pulsados. La cifra española de órgano también emplea números pero para indicar las notas.

Géneros Musicales

Las obras podían ser transcripciones o llevar disminuciones (adornos) y glosas (variaciones melódicas que añaden más notas, floreos o trinos). También hay piezas para voz e instrumentos, como la de Alonso Mudarra “Isabel, perdiste la tu ferxa”.

Emancipación de la Música Instrumental

Surgen formas propias como las diferencias (variaciones), destacando el autor Antonio de Cabezón. El preludio y la toccata se usaban al principio como relleno improvisado por el organista, aunque más tarde se recopilaron y se organizaron según modas. Suelen tener un acompañamiento (c.g.) donde una voz se mueve con figuras rápidas mientras las otras mantienen notas largas. No hay contrapunto, es melodía acompañada. En cambio, el ricercar o tiento son siempre contrapuntísticos, basados en imitación. A veces contienen una voz fija (cantus firmus), y se utilizan para alternar secciones de música (alternatim).

Danzas

También aparecen danzas en parejas como la branle, pavana o gallarda, que combinan un movimiento lento seguido de uno rápido.

Barroco (siglo XVII-1750)

Se divide en tres etapas: temprano (1600-1630), medio (1630-1680) y tardío (1680-…). En este periodo coexisten dos estilos musicales:

• El stile antico, que recuerda al Renacimiento.

Durante el periodo barroco, uno de los elementos más característicos fue el uso del contrapunto imitativo. Esta técnica se basa en la concepción de la música como una estructura horizontal, en la que varias voces se entrelazan con igual importancia, dando lugar a composiciones fugadas. Este tipo de escritura tenía una estrecha relación con la música eclesiástica de la época, en la cual se valoraba la igualdad entre las voces y la imitación como recurso expresivo.

Stile Moderno

Con el desarrollo del llamado stile moderno, comenzaron a introducirse novedades significativas en la forma de componer. Una de las principales innovaciones fue el uso de la monodia y de la melodía acompañada, lo cual implicaba una separación clara entre las voces protagonistas y las que simplemente acompañaban. Este nuevo estilo permitía una mayor expresividad, asignando funciones específicas a cada parte: mientras que el bajo aportaba la estructura armónica, la melodía se encargaba del contenido expresivo.

Bajo Continuo

En este contexto surgió también el bajo continuo, un recurso fundamental en la música barroca. El bajo continuo consistía en una línea de bajo que se mantenía constante a lo largo de la pieza y que era interpretada por instrumentos como el clave, el violón o el violonchelo. Sobre esta línea se construía el resto de la armonía, ya fuera de forma escrita o improvisada. Este acompañamiento era tan importante que se volvió obligatorio, siendo utilizado tanto en obras instrumentales como vocales. Aunque no se especificaban los instrumentos concretos que debían tocarlo, su presencia era siempre indispensable y se dejaba a elección del intérprete qué instrumentos usar para realizarlo.

Teoría de los Afectos

Un concepto clave durante esta época fue la teoría de los afectos. Según esta idea, la música tenía la capacidad de provocar emociones específicas en el oyente. Pensadores como Descartes afirmaban que la música podía agitar los espíritus del cuerpo, generando reacciones emocionales. En esta línea, Johann Mattheson sostenía que cada emoción debía estar representada por recursos musicales concretos. Por ejemplo, la alegría se expresaba con saltos amplios en la melodía, mientras que la tristeza se transmitía mediante intervalos pequeños y descendentes, como la segunda menor. La esperanza se representaba con una línea melódica ascendente y un tempo rápido, mientras que la desesperanza se expresaba con melodías descendentes y tempo lento. Lo importante en esta teoría es que cada pieza debía reflejar un único afecto de principio a fin, sin cambios de carácter durante su desarrollo.

Ópera

La ópera, una de las grandes formas musicales nacidas en el barroco, consistía en contar una historia completa a través de la música. En Italia, a comienzos del siglo XVII, este género surgió gracias a los intentos de revivir la tragedia griega en la corte de los Médici en Florencia. La ópera integraba música y teatro, y se basaba también en la teoría de los afectos, lo que permitía reforzar el contenido emocional de las historias representadas. En sus inicios, estas obras no eran llamadas “óperas”, sino “tabulas cantadas”, y tenían también una función propagandística y educativa, utilizando temas históricos o mitológicos.

Tipos de Recitativos y Arias

Estas primeras óperas contaban con diversos tipos de recitativos y arias. El recitativo narrativo era muy silábico, con ritmo libre y escasos adornos, mientras que el recitativo expresivo era más ornamentado y tenía un ritmo más flexible. También aparecía el estilo arioso, una mezcla entre aria y recitativo, que ofrecía una mayor elaboración melódica. El estilo cadencial, por su parte, incluía coros y ritornellos, con un ámbito vocal más amplio.

Innovaciones de Claudio Monteverdi

En Mantua, el compositor Claudio Monteverdi aportó importantes innovaciones al género operístico, dando mayor protagonismo a las secciones instrumentales, introduciendo música bailable y repitiendo fragmentos musicales a modo de ritornello.

Ópera en Venecia

En Venecia, una ciudad-estado mercantil gobernada por una clase rica, la ópera adquirió un carácter más público. Se comenzaron a realizar espectáculos abiertos al público, y se utilizaron los recitativos cadenciales con fines tanto artísticos como propagandísticos. Un ejemplo de ello es la obra Le lodi d’Augusto, donde se exaltaban las virtudes del emperador. En este contexto, la música se volvía más sencilla, ya que lo más importante era la comprensión del texto narrativo.

Preludio y Toccata

Preludio y toccata: rellenos de momentos vacíos donde el organista improvisaba, más tarde se recopilan y organizan según modos; suelen ir seguidos por c.g., una voz se mueve con figuras rápidas mientras el resto sostiene notas largas; no hay contrapunto, se trata de melodía acompañada; no son géneros adecuados para el entorno sacro, están dentro del stile moderno.

Suite

Suite: serie de danzas contrastantes organizadas en una sucesión fija o variable; normalmente incluyen alemanda, courante, zarabanda y giga; cada danza tiene carácter y compás propio; algunas suites incluyen preludio inicial; muchas basadas en variaciones sobre un mismo bajo armónico (bajo obstinado); género típicamente instrumental, profano y representativo del stile moderno.

Auge de los Instrumentos

En el Barroco, los instrumentos monódicos y conjuntos vivieron un gran auge, especialmente los de la familia del violín, que ganaron prestigio tanto social como artístico. Esta evolución del repertorio se acompañó de avances en la construcción de instrumentos gracias a lutieres como Stradivari, Amati o Guarneri. El estilo de los concertinos se caracterizaba por la delicadeza y velocidad, generalmente en compases binarios o ternarios.

Sonata

Uno de los géneros destacados fue la sonata, que desde 1650 comenzó a escribirse para dos o más instrumentos. Normalmente contaba con un instrumento solista acompañado por varios otros a través del bajo continuo. Se desarrollaron dos tipos principales: la sonata da chiesa, pensada para espacios religiosos, con movimientos rápidos y contrapunto imitativo; y la sonata da camera, más relacionada con el ámbito doméstico o de salón, cercana a la forma de suite y compuesta por movimientos con estilo moderno, en los que predominaba la trisonancia. Con el tiempo, algunas sonatas evolucionaron hacia formas con un solo instrumento, desarrollando incluso una sección introductoria llamada “preludio”.

Concierto

A partir de 1680 surgió el concierto, dividido también en dos formas: el concerto grosso, donde un pequeño grupo de solistas (concertino) se enfrentaba a un conjunto mayor (ripieno), y el concierto solista, que destacaba a un único instrumento frente al conjunto, normalmente el violín. Este último se relacionaba con el estilo de la ópera, ya que la parte solista funcionaba como un aria, permitiendo al músico mostrar su virtuosismo.

Música Vocal Sacra

En cuanto a la música vocal sacra, el oratorio se consolidó a partir de 1650 como una obra musical de tema religioso, interpretada sin escenografía ni parte visual. Nació en edificios de cofradías y solía tener una estructura narrativa compuesta por recitativos y arias. En Italia, autores como Carissimi lo empleaban como herramienta de educación religiosa. Otro género fue el villancico, muy presente en España y América durante el siglo XVII, que utilizaba textos en castellano relacionados con la cultura popular o la liturgia, y se cantaba con acompañamiento instrumental. Su estructura incluía estribillos y coplas, con uso frecuente del estilo silábico y ritmos de hemiola.

Cantata Luterana

Por otro lado, en Alemania se desarrolló la cantata luterana, especialmente en regiones como Turingia, donde trabajó J.S. Bach. Esta forma musical se interpretaba durante los servicios religiosos luteranos, combinando recitativos, arias y coros, y utilizando textos poéticos con un carácter reflexivo. A menudo incluía el uso del coral luterano como base.

Música Instrumental Polifónica

Dentro de la música instrumental polifónica, se desarrollaron géneros adecuados para el entorno sacro, que seguían el estilo antiguo o stile antico, basado en el contrapunto imitativo. Entre ellos estaban el ricercar y el tiento, que usaban imitaciones complejas por inversión, retrogradación o aumento. También encontramos la fuga, estructurada como un trío, donde se introducía un sujeto principal seguido por un contrasujeto, repitiéndose en distintas voces con progresión tonal. Muy similar a esta era la canzona ecclesiastica, relacionada con la chanson francesa y caracterizada por una estructura ABB. Era más ligera, con imitaciones sencillas y secciones contrastantes, interpretadas sin interrupción.

Estructura de Composiciones Musicales

En cuanto a la estructura de las composiciones musicales, no existía un modelo fijo, aunque se fue consolidando la forma en tres movimientos. El primero solía ser rápido y con ritornello, el segundo más lento y expresivo, y el tercero volvía a ser rápido, a menudo en forma de giga. El ritornello, que era la parte repetida, se intercalaba con episodios que ofrecían contrastes musicales. Estos episodios eran distintos entre sí, cambiaban de tonalidad y textura, y rara vez repetían el material del ritornello, lo cual confería dinamismo a la obra.

Autores Destacados

Entre los autores más importantes de este periodo destacan Antonio Vivaldi y Michel Corrette. Este último introdujo el uso de instrumentos polifónicos en las composiciones, ampliando así las posibilidades sonoras del conjunto instrumental.