Bertolt Brecht y el Teatro Épico

Bertolt Brecht, poeta, director teatral y dramaturgo alemán, trató de forma original y distanciada los temas sociales y los experimentos revolucionarios, influyendo profundamente en la creación y la producción teatral moderna. La preocupación por la justicia es el tema fundamental en su obra. En el periodo inicial de su carrera, empezó a desarrollar una técnica dramática conocida como teatro épico.

Rechazó los métodos del teatro realista tradicional y prefería una forma narrativa más libre en la que usaba mecanismos de distanciamiento. Consideraba la técnica de alienación, la —distanciación—, como un elemento esencial para el proceso de aprendizaje del público (reducía su respuesta emocional y le obligaba a pensar). Un ejemplo de esto es su obra «La toma de medidas».

Escribió Madre Coraje y sus hijos (un drama sobre una mujer que encuentra en la guerra un medio para conseguir fortuna, al mismo tiempo que pierde a sus hijos) en pleno apogeo del nazismo.

Mientras que el teatro de planteamientos aristotélicos presenta la sociedad como algo inmutable y muestra una acción que parece real para emocionar al público, Brecht cree que el espectador puede influir sobre los principios sociales. Por lo tanto, el teatro debe descubrir aspectos de la realidad para provocar la reflexión crítica en el espectador.

Las formas épicas buscan relatar la acción de forma que el público sea consciente de que asiste a una ficción y pueda adoptar una postura crítica respecto al contenido de la representación. Se utilizan técnicas para «distanciar» de la representación tanto al espectador como al intérprete.

A. Representación distanciadora

El «extrañamiento», inventado por Brecht, consiste en mostrar algo conocido de una forma que llame la atención hacia la idea o la emoción que expresa. Muestra situaciones cotidianas, pero utiliza elementos para romper la ilusión teatral y recordar al público que está viendo una ficción.

Para convertir ciertas escenas en algo extraño al mundo de lo cotidiano y lo evidente:

• Se recurre a la música, iluminación, proyecciones, etc.
• Se interrumpen los diálogos de los personajes con discursos directos al público.
• Se realizan los cambios de escenografía ante los ojos del público.

Interpretación distanciadora

El actor mantiene una actitud distanciada de su personaje, que llega al público como alguien lejano o «extrañado». El actor se sirve de recursos como:

• Uso de máscaras.
• Una interpretación gestual y «mostrativa».
• Hablar en tercera persona de su propio personaje.
• Explicar las acciones que realiza su personaje.

Brecht expuso su teoría teatral en un breve opúsculo titulado El pequeño organon, donde explica que el teatro debería ser consecuente con el momento histórico que se vive. El teatro ha de tener un sentido político; por ello, necesita una forma de interpretación y puesta en escena capaces de captar los nuevos conflictos del hombre en el mundo. Debe evitar la catarsis aristotélica y producir un efecto de extrañamiento o distanciamiento con el fin de que todo espectador pueda analizar los contenidos más racionalmente. De ahí que se hable de teatro épico.

Sus obras más reconocidas incluyen: Terror y miseria en el III Reich, La resistible ascensión de Arturo Ui y Madre Coraje y sus hijos.

El Teatro del Absurdo: Contexto y Definición

Desde el punto de vista social y político, la Segunda Guerra Mundial marca un cambio radical en el siglo XX. Con 96 millones de muertos y países enteros arrasados, se produjo el reconocimiento de que la humanidad había hecho importantes avances técnicos y científicos, pero la propia lógica del sistema había hecho caer a los seres humanos en lo ilógico y lo irracional. Esto acentuó la sensación de angustia, perplejidad y desesperación en la gente y en los artistas. La desconfianza en la razón y en la lógica social fue recogida por el teatro del absurdo.

El teatro del absurdo abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos en las décadas de 1940, 1950 y 1960. Se caracteriza porque sus autores renuncian al discurso lógico y a las reglas tradicionales de la escena para expresar el sinsentido de la existencia, mediante situaciones dramáticas absurdas y parlamentos incoherentes (donde las respuestas no corresponden a las preguntas). El escenario se convierte en un espacio desolado, de incomprensión, oscuridad y desconcierto conceptual, que provoca en el espectador angustia y vacío emocional.

El término «absurdo» proviene del uso de la misma palabra por los pensadores existencialistas para explicar «el abismo permanente entre el yo y el mundo».

Características del Teatro del Absurdo

• Las tramas carecen de significado tradicional; se resalta la incongruencia entre el pensamiento y los hechos. Hay una falta de secuencia dramática que crea una atmósfera onírica. No hay suspense y no se sabe a dónde conducirá la acción.
• Los diálogos son repetitivos. Los personajes enfrentan grandes obstáculos para expresarse y comunicarse. Se percibe la desorganización en la comunicación, reflejando un mundo de abuso de poder donde los fuertes atropellan a los débiles.
• Tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona la sociedad y al hombre. Se produce el efecto de distanciamiento que Brecht había propuesto, pero con una visión imaginativa de la vida.
• La incoherencia, el disparate y lo ilógico son rasgos representativos. Aunque muchas obras se consideran cómicas, en el fondo late una gran tristeza y un sentido trágico.
• Para estos dramaturgos, el lenguaje está anquilosado y hay que destrozarlo. Se incorporan elementos extraliterarios y antiliterarios, convirtiéndose en un teatro de imágenes que enlaza con tradiciones bufonescas y la farsa clásica.
• El decorado y las escenografías se sitúan en un mundo vacío, a menudo con objetos pesados que terminan dominando a los personajes.

El teatro del absurdo no da las respuestas que esperamos; deja en manos del espectador la interpretación y el análisis. En sus comienzos, el público no aceptó fácilmente algo tan diferente, y los propios autores se resistían a dar explicaciones sobre el sentido de sus obras.

Samuel Beckett (1906-1989)

Es considerado la culminación creativa del teatro del absurdo. Aunque su obra dramática no es extensa, la intensidad trágica de sus contenidos y su peculiar estética lo han convertido en el autor más influyente del teatro contemporáneo. Sus dramas son muy austeros: la construcción argumental apenas existe, los personajes carecen de atributos y la acción se reduce al estatismo. Logra una sensación de ausencia mediante el uso de diálogos incompletos, silencios prolongados y monólogos faltos de lógica, empleando un lenguaje impersonal y coloquial.

Esperando a Godot es su obra maestra: dos vagabundos bajo un árbol medio seco en un cruce de caminos esperan a un tal Godot que nunca llega. Mientras tanto, un diálogo insustancial los mantiene atrapados en una situación de interminable espera.

Otros autores destacados son: Fernando Arrabal, Harold Pinter o Günter Grass.

El Teatro Experimental y la Performance

1. El Teatro Experimental

Comenzó en el teatro occidental a finales del siglo XIX como un movimiento contra las formas dominantes de escribir y producir obras, oponiéndose al teatro burgués. Busca introducir un uso diferente del lenguaje y del cuerpo para cambiar la percepción de la obra y crear una relación más activa con el público.

La relación con el público

Tradicionalmente, el público era un observador pasivo. En el teatro experimental, la participación puede ir desde pedir voluntarios hasta tener actores interactuando directamente con los espectadores para transmitir emociones intensas, como la angustia. Los espacios teatrales también adquirieron formas diversas y no convencionales.

Contextos sociales

Muchos grupos han impulsado la cara social del teatro mediante el activismo cultural, utilizando el teatro didáctico o de agitprop como medio para proponer modos de vida alternativos a la sociedad actual.

Métodos de creación

A diferencia del método jerárquico convencional (escritor-director-actor), en el teatro experimental el proceso de creación y escenificación ocurren simultáneamente. Los actores son artistas creativos con libertad interpretativa. Surge el teatro de improvisación de conjunto, donde los propios actores generan el material. El rol del director evoluciona hacia el de un facilitador o un «ojo externo».

2. La Performance

Es una creación artística en la que el medio es el propio cuerpo del artista y la obra toma forma de acción. Es un espectáculo interdisciplinario representado ante un público que involucra cuatro elementos básicos: el tiempo, el espacio, el cuerpo del intérprete y la relación con el público.

Puede ser guionada o aleatoria, espontánea o planificada, en directo o mediante medios audiovisuales. Las acciones de un individuo o grupo en un lugar y tiempo determinados constituyen la obra en sí misma.

Formas de Representación Escénica Mixtas

1. Introducción

Las formas mixtas combinan diferentes disciplinas artísticas (música, danza, literatura, poesía, cinematografía, artes plásticas, arquitectura) para completar un espectáculo escénico. Destacan géneros como la ópera, el ballet y el teatro musical.

2. La Ópera

Género de música teatral en el que una acción escénica se armoniza, se canta y tiene acompañamiento instrumental. Forma parte de la tradición de la música clásica occidental y se representa en teatros especializados con una orquesta.

• Historia: Se originó en Italia durante el Renacimiento como un intento de revivir la tragedia griega clásica.
• Estructura: Se divide en actos que contienen:
  • Obertura o preludio: Pieza musical inicial a telón cerrado.
  • Recitativo: Donde la acción avanza y el texto predomina sobre la música.
  • Aria: Parte melódica donde la música es protagonista y se profundiza en los sentimientos de los personajes.
  • Coros y números de conjunto: Partes interpretadas por varios cantantes (dúos, tríos, cuartetos).

3. El Ballet

Forma concreta de danza que puede incluir mímica y teatro. Existen variaciones como el ballet ruso, francés o italiano. Sus características distintivas son el uso de las puntas, los movimientos fluidos y precisos, y sus cualidades etéreas. Se originó en las cortes del Renacimiento italiano y se profesionalizó en el siglo XVII.

4. El Teatro Musical

El musical es un género teatral en el que la acción se desenvuelve con secciones cantadas y bailadas. Combina música, canción, diálogo y baile en grandes escenarios. Surgió en Estados Unidos a finales del siglo XIX, teniendo como raíz la ópera, pero dirigido a un público masivo y diverso. Sus temáticas pueden ser originales o adaptaciones de novelas, películas y obras teatrales.