El Renacimiento: Orígenes, Humanismo y Arte

Contexto Histórico y Económico

En el siglo XV tuvieron lugar los cambios que marcaron el fin de la Edad Media y el inicio de la Edad Moderna. Las bases económicas de esta nueva era se fundamentaron en el desarrollo de la producción artesanal y el crecimiento comercial y financiero. Este crecimiento, junto con la toma de Constantinopla, impulsó la búsqueda de nuevas rutas y, por ende, la exploración de nuevos espacios geográficos. El desarrollo de la burguesía fue paralelo al establecimiento de las bases del futuro sistema capitalista. Aquellos con grandes fortunas comenzaron a realizar préstamos con un interés creciente.

El Humanismo: Pilar de la Transformación Cultural

La Italia medieval no había logrado desvincularse por completo de la antigua civilización romana. La toma de Constantinopla propició la llegada de sabios y artistas a Italia, quienes difundieron aspectos de la antigua cultura griega. El antropocentrismo, que consideraba al hombre como pilar fundamental y extraordinario, fue la base de la transformación cultural surgida en el siglo XV que se extendió por todo Occidente: el Humanismo. Esto supuso un cambio significativo en la filosofía de la época. Italia fue el lugar de origen y la principal fuente de desarrollo de este movimiento. Entre los principales humanistas destacados se encuentran: Dante, Petrarca y Boccaccio.

Definición del Renacimiento Artístico

El desarrollo de las ideas humanistas permitió en el arte el abandono de las fórmulas medievales para reimplantar las ideas estéticas griegas y romanas, acordes con el espíritu científico y antropocentrista del periodo. Este proceso de cambio artístico fue denominado Renacimiento.

El Mecenazgo y el Nuevo Papel del Artista

El desarrollo cultural y económico provocó la aparición del patrocinio de las artes, personificado en la figura del mecenas, quien era un miembro de la adinerada burguesía, el alto clero, la nobleza o incluso los monarcas. Esto fue revelador para comprender el nuevo papel del artista en la sociedad.

El Arte del Renacimiento en Italia: Quattrocento y Cinquecento

El Quattrocento: Innovación y Florencia

El arte del Renacimiento en Italia se divide en dos grandes etapas: el Quattrocento y el Cinquecento. En el Quattrocento se introdujeron los principales cambios en el arte respecto al gótico: la recuperación de los modelos clásicos, el alejamiento de la temática únicamente religiosa y el estudio matemático de las proporciones. El desarrollo del nuevo arte del Quattrocento partió de la ciudad de Florencia. Los principios estéticos clásicos, la idealización de la antigua ciudad de Roma y el antropocentrismo produjeron un nuevo concepto urbanístico. La ciudad pasó a ser diseñada a la medida del hombre para proporcionarle un ambiente óptimo. Para conseguirlo, se creó la perspectiva y se diseñaron amplias plazas que acogían los edificios más emblemáticos. Lo mismo ocurría con la arquitectura, ya que esta debía adaptarse a los nuevos principios, como por ejemplo: el arco apuntado se sustituyó por el de medio punto, y los edificios debían guardar proporción con el ser humano.

El Cinquecento: Maestros de la Escultura y la Pintura

En cuanto a la segunda época del Renacimiento, el Cinquecento, destacamos a los siguientes maestros de la escultura y la pintura:

• Leonardo da Vinci

Las obras de Leonardo poseen un cierto misterio (empleará la técnica del sfumato para envolver sus representaciones en una especie de sugestivo velo difuminador) que las hace especialmente sugestivas, además de que su maestría técnica y el enorme conocimiento que posee del cuerpo humano le posibilitaron abarcar cualquier registro de emociones que deseara representar. Gran observador de la naturaleza humana, el estudio psicológico de sus personajes queda patente en retratos como el de la universalmente famosa Gioconda.

El artista Miguel Ángel es la figura más genial del periodo. Su obra personal evoluciona desde el sentido de la medida y la claridad clásica renacentista hacia el dramatismo de una interpretación particular, paralela a sus realizaciones en arquitectura y escultura. Se consideraba a sí mismo como escultor y dibujaba con gran volumen sus figuras pictóricas. El movimiento se hizo cada vez más complejo y alcanzó su culmen en las pinturas de la Capilla Sixtina, con un inmenso repertorio de actitudes, donde muchos artistas aprenderían a pintar. El concepto del desnudo y de la exageración anatómica se incrementaron en su pintura con el paso del tiempo.

Rafael, gustoso de modelos de una ingenuidad y belleza equilibrada.

La Pintura Veneciana: Paisaje y Detalle

La pintura veneciana integra el paisaje en sus cuadros y le otorga gran protagonismo. Se trata de un paisaje idílico, que responde a los espacios ideales descritos en la literatura, del que forman parte los personajes. Los interiores se conciben como escenarios teatrales de gran profundidad, con ángulos y motivos ornamentales. A todas estas características hay que unir el papel que se concede a la anécdota y a la temática secundaria, que, en muchas ocasiones, aparece en primer plano, restando protagonismo al motivo central de la escena que se pretende representar.

El Arte Gótico: Características, Arquitectura y Escultura

Contexto y Generalidades

El arte gótico se desarrolla en el mundo cristiano dependiente de Roma, principalmente en Francia, desde la segunda mitad del siglo XII hasta el primer tercio del siglo XVI.

Arquitectura Gótica: Elementos Clave

Dos son los elementos esencialmente característicos de la arquitectura gótica: la bóveda de crucería y el arco apuntado; la primera afecta a la estructura, y el otro, a las formas exteriores.

• Bóveda de Crucería y Arco Apuntado

La bóveda de crucería concentra los esfuerzos en puntos determinados, centralizando los empujes, lo que determina la desaparición de los muros macizos del románico, que son sustituidos por amplios ventanales con vidrieras. Los empujes son trasladados por medio de los arbotantes a los contrafuertes exteriores, que rematan en pináculos. La bóveda descansa sobre altísimos pilares, formados por un macizo central y columnas o baquetones adosados, a tenor de los nervios de la bóveda, verificándose la transición por un capitel, con temas vegetales, que paulatinamente va decreciendo en importancia hasta terminar siendo una simple faja decorativa. A este concepto dinámico de la construcción, frente a la estática románica, se le añaden las formas agudas de los arcos, en que abren puertas y ventanas; estas, como los rosetones, con tracería, formada por motivos geométricos, entre las que se colocan las vidrieras. La complicación de estas tracerías, la aparición de nuevos tipos de arcos y la complicación de bóvedas, que aumentan el número de nervios, con sus consiguientes consecuencias en las demás partes del edificio, señalan las características determinantes de las diversas fases en la evolución del estilo gótico.

La Catedral es el monumento característico de la arquitectura gótica, en la que se reúnen todas las características esenciales del estilo. Existe una especie de competencia entre los pueblos por poseer la catedral más esbelta y elevada. Su planta, en forma de cruz, es de tres o cinco naves, con un crucero más corto que el de la arquitectura románica, y en la cabecera la girola o deambulatorio, en la que se abren las capillas poligonales, todas encerradas en un gran semicírculo. Son destacadas las altísimas naves laterales, que sirven de campanario y en las que se abren los amplios ventanales. Rodean el perímetro de la catedral recios contrafuertes, que reciben los empujes de los arbotantes, y rematados por pináculos.

Escultura Gótica: Evolución y Temática

La Escultura se inicia a mediados del siglo XII en la Isla de Francia, alcanzando su apogeo en el siglo XIII y llegando a sus últimas manifestaciones en el primer tercio del siglo XVI. El naturalismo, la humanización de la divinidad, la exposición clara y ordenada son los caracteres esenciales de la escultura gótica. Pueden establecerse diferentes etapas de la escultura gótica: la fase protogótica, que comenzó en el siglo XII, donde se observa el humanismo, patente en la búsqueda de la belleza y la serenidad físicas. En el siglo XIII aparece el idealismo, cargado de una cierta solemnidad. Los tímpanos ahora se dividen en tres bandas horizontales. El siglo XIV fue una etapa expresiva, más realista, y en el siglo XV fue una etapa de mayor detalle y expresividad.

La escultura gótica se halla subordinada a la arquitectura. Desaparecen las representaciones iconográficas en los capiteles, que son reemplazadas por temas vegetales, directamente inspirados en la naturaleza, en los que, no obstante, se mezclan a veces temas animados.

Son las portadas de las catedrales, fundamentalmente las de los pies del templo y brazos del crucero, los conjuntos más acabados de la escultura gótica. En ellas se desarrollan los temas iconográficos con la máxima claridad compositiva. Estatuas de bulto redondo, apóstoles o profetas, adosados a jambas y mainel; tímpano, dividido en fajas, con relieves (Juicio Final, Vida de la Virgen o de Jesús, o vida de Santos); y en las arquivoltas, bajo doseletes, ángeles, ancianos del Apocalipsis u otras figuras, siguiendo la dirección de la curva del arco.

Pintura Gótica: Técnicas y Estilos

Características Generales de la Pintura Gótica

Aunque en pintura gótica es más difícil hablar de características generales, ya que se suelen analizar las diversas escuelas y tendencias, podemos señalar las siguientes:

• Las técnicas empleadas son variadas según los soportes: temple y óleo en pintura sobre tabla, y el fresco en las pinturas murales.
• El dibujo tiene una gran importancia: delimita formas, marca modelados, crea ritmos compositivos.
• Importancia del modelado, desde tonos planos al juego de contraluces.
• La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener contenido simbólico.
• El color es un elemento clave; se utiliza en gamas ternarias y con frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido simbólico.
• El interés por la perspectiva también evoluciona; aparece la preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional.
• La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el centro teórico del cuadro.
• Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado, individual y expresivo, al igual que en la escultura.
• La temática religiosa, y en menor escala también la profana, tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional.

La Pintura Flamenca: Realismo y Detalle

En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes se convierten en sedes de una importante escuela pictórica, que para muchos autores supone ya los inicios del Renacimiento. Tiene sus orígenes en el gótico internacional y su mayor aportación al arte europeo será su progresiva captación de la realidad, que se inspira en la escultura y que se verá favorecida por la nueva clientela: la burguesía. Las características del estilo flamenco son:

• Innovación técnica: El trabajo de pintura al óleo que permite realizar superficies muy lisas y los cuadros ganan en color, luz y juegos de transparencias, además de un trabajo lento que da lugar al virtuosismo.
• Desarrollo de la pintura sobre tabla.
• Minuciosidad y gusto por el detalle: Las obras se conciben para ser contempladas de cerca, y por eso se recrean detalles.
• Valoración de la luz.
• Interés por la reproducción de los objetos de la vida cotidiana, como las escenas burguesas en interiores, con muebles, cuadros y diversos objetos.
• Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del horizonte o en los brillos de las aguas.
• Naturalismo y realismo: Un enfoque cercano lleva a los pintores a una representación veraz de la realidad, captando todos los detalles.
• Creación de un espacio pictórico, como consecuencia del realismo y el naturalismo con que se realizan las obras.