El Siglo de las Luces y el Contexto Histórico

La Ilustración fue una corriente reformista del siglo XVIII que defendía el uso de la luz de la razón para transformar la sociedad, los derechos naturales del ser humano (la libertad individual y la igualdad) y la tolerancia como base de la convivencia. Los pensadores ilustrados se oponían a la sociedad estamental tradicional y defendían un sistema de igualdad legal en el que todos los ciudadanos pudieran progresar según sus propios méritos.

El Despotismo Ilustrado y las Revoluciones Liberales

En este contexto surgió el despotismo ilustrado, un sistema político en el que los monarcas absolutos llevaron a cabo una serie de importantes reformas basadas en las ideas ilustradas. El lema del despotismo ilustrado era: «Todo para el pueblo, pero sin el pueblo».

Las ideas ilustradas desencadenaron una serie de revoluciones liberales lideradas por la burguesía en América y Europa, donde en 1789 tuvo lugar la Revolución francesa. Con ellas se fue extinguiendo el Antiguo Régimen, caracterizado por la monarquía absoluta y una sociedad dividida en clero, nobleza y pueblo llano, y en su lugar surgió un nuevo escenario en el que la aristocracia y la burguesía compartían protagonismo.

Las Artes: Neoclasicismo y Clasicismo Musical

La etapa que en música se llamó Clasicismo, en el resto de las artes se denominó Neoclasicismo. Este movimiento artístico, que surgió como reacción a los excesos del Barroco, se inspiraba en los modelos más sobrios de la Antigüedad clásica y defendía el uso de la razón como una herramienta para lograr el equilibrio, la serenidad y la belleza.

Mientras que la mayoría de las artes contaba con ejemplos en los que basarse, la música carecía de ellos. Aun así, también perseguía una vuelta a la estética de la Antigüedad clásica. En la música, el compositor adquirió mayor libertad y tuvo como objetivo ganarse al público con composiciones equilibradas, claras y elegantes.

Estructuras y Formas Musicales del Clasicismo

El Esquema Sonata

La sonata consta de cuatro movimientos contrastantes en tempo, de los cuales el primero y el último son siempre rápidos. El primero sigue el llamado esquema sonata, que se resume en ABA:

• Exposición (A): Está formada por dos temas fundamentales: el tema A, más enérgico y rítmico, y el tema B, más lírico. Ambos están unidos por un puente. La exposición termina en ocasiones con una pequeña coda y suele repetirse completa.
• Desarrollo (B): Es la sección más libre, en la cual el compositor da rienda suelta a su fantasía y presenta nuevo material musical.
• Reexposición (A): Consiste en una repetición de la exposición, pero con algunas modificaciones. Finaliza con una coda final que resume el material musical expuesto a lo largo del movimiento.

Otras Formas Instrumentales

• Minueto: Con esquema ABA, consta de un tema A o minueto, un tema B o trío y la repetición del tema A. La danza del mismo nombre también tiene esta estructura.
• Rondó: Con esquema ABACA, tiene un tema A (estribillo) que se alterna con distintas coplas o estrofas (B, C, D, etc.). La danza del mismo nombre también tiene dicha estructura.
• Tema con variaciones: Con esquema A, A₁, A₂, A₃…, consta de un tema A seguido de variaciones del mismo, las cuales pueden afectar a la melodía, la armonía, el ritmo o el tempo.

El Bajo Alberti

El Bajo Alberti se basaba en un patrón que se repetía de manera continua, consistente en arpegiar las notas de cada acorde de tríada de forma que se sucedieran siempre en el mismo orden: grave-agudo-medio-agudo.

La Música del Clasicismo

El término «música clásica» suele emplearse para hablar de la música culta en general, pero en un sentido estricto hace únicamente referencia a aquella compuesta durante el Clasicismo. Los compositores más destacados fueron Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y el alemán Ludwig van Beethoven.

Características Estilísticas

La música clásica se caracteriza por:

• Ser equilibrada, clara y mantener la simetría, sin excesos.
• Buscar un lenguaje universal que exprese la perfección formal y la belleza absoluta.
• Usar formas musicales con estructuras muy definidas y transiciones suaves entre sus secciones.
• Dar protagonismo a la melodía, empleando frases musicales breves y simétricas (es decir, con el mismo número de compases).
• Emplear una armonía sencilla con puntos de reposo bien marcados que estructuraran claramente la pieza musical.
• Utilizar la textura de melodía acompañada.

Instrumentos Destacados

El Clarinete

El clarinete es un instrumento de lengüeta simple y con llaves que, según su tamaño, tiene diferentes sonoridades, desde el registro más grave al más agudo. Surgió en el siglo XVIII a partir de las modificaciones realizadas en un instrumento popular francés llamado chalumeau. Mozart lo utilizó en varias obras como solista, pues consideraba que tenía un timbre similar al de la voz humana.

Viento Metal: La Trompa

La trompa consta de una boquilla y un largo tubo que se enrolla sobre sí mismo en forma de círculo y que termina en una sección cónica con apariencia de campana. Su registro agudo es capaz de interpretar brillantes melodías, mientras que su registro medio produce ricas texturas si se combina con otros instrumentos de viento o de cuerda.

Cuerda Percutida: El Piano

El piano es un instrumento de teclado que inventó hacia 1700 el italiano Bartolomeo Cristofori. Este llamó a su creación gravicembalo col piano e forte (teclavecín con sonido suave y fuerte), pero los músicos lo abreviaron a piano.

La Orquesta Clásica

La orquesta clásica se adaptó a las nuevas formas instrumentales. Por ello, prescindió del clave y, con este, del bajo continuo, e incorporó el clarinete, la trompa y el piano. Además, se amplió el número de instrumentos de la familia de cuerda frotada.

El considerable aumento de músicos hizo necesaria la presencia de un director de orquesta, encargado de coordinar la interpretación de todo el conjunto instrumental. También hubo que construir salas de concierto mayores, con espacios acordes a las nuevas dimensiones de las agrupaciones orquestales, así como al creciente público burgués que asistía a este tipo de espectáculos.

La Música Vocal

La Reforma de la Ópera

A lo largo del Clasicismo, la música vocal, en especial la ópera, experimentó importantes transformaciones. Entre otras:

• Los temas o argumentos se hicieron más cercanos al público.
• La música se adaptó al desarrollo dramático y a los personajes.
• El coro adquirió mayor relevancia.
• La orquesta creció y ganó protagonismo.

La Ópera Seria

La ópera seria estuvo principalmente representada por el alemán Christoph Willibald Gluck, quien sentó sus bases, estructurándola en tres actos, usando temas mitológicos e históricos y empleando arias sencillas y recitativos más expresivos.

La Ópera Bufa

La ópera bufa tuvo su origen en Nápoles a principios del siglo XVIII y desde allí se extendió al resto de Europa. Como estaba concebida para entretener a un amplio público sin conocimientos musicales, empleaba argumentos de la vida cotidiana, con fines cómicos o sentimentales y un lenguaje sencillo.

Mozart escribió todo tipo de óperas, pero llevó la ópera bufa a su punto culminante con obras como Las bodas de Fígaro y La flauta mágica (en alemán).

La Música Vocal Religiosa

La música vocal religiosa fue decayendo, en particular la misa dedicada a los difuntos, el réquiem.

La Danza Clásica

Durante el Clasicismo, las danzas cortesanas siguieron bailándose en los salones de la aristocracia, pero se puso especialmente de moda una danza de origen barroco llamada minueto o minué, de compás ternario, carácter alegre y estructura musical ABA.

Mientras que en el Barroco la danza formaba parte de la ópera como espectáculo coreográfico, durante el Clasicismo comenzó a independizarse hasta llegar a convertirse en un género en sí mismo. El gran teórico y coreógrafo de esta época fue el francés Jean-Georges Noverre, creador del ballet d’action, un espectáculo que narraba una historia mediante la combinación de danza, pantomima y música. El ballet moderno que se desarrolló a partir de entonces incluyó innovaciones como:

• Composición de la música al servicio de la danza (hasta aquel momento solo se creaban coreografías sobre composiciones preexistentes).
• Uso de la expresividad del cuerpo.
• Adaptación del vestuario al tema de la obra, prescindiendo de máscaras y pelucas en favor de ropas más ligeras y prácticas.
• Profesionalización de los bailarines.
• Presencia de las mujeres en los ballets oficiales (hasta entonces, los papeles femeninos eran interpretados por hombres disfrazados, ya que las mujeres no podían dedicarse profesionalmente a los espectáculos).

El Clasicismo en España

En España, el Clasicismo coincidió con el despotismo ilustrado de Carlos III y Carlos IV. Entre los compositores destacaron Juan Crisóstomo de Arriaga, quien por su temprano virtuosismo fue llamado el «Mozart español», y Fernando Sor, conocido por sus obras para guitarra, el instrumento más popular de la música española.

Por su parte, la Capilla Real de Madrid era la agrupación musical más numerosa de la época, aunque estaba mayormente formada por músicos italianos, como el célebre violonchelista y compositor Luigi Boccherini.

La influencia italiana se hizo especialmente evidente en la ópera: las compañías no paraban de representar óperas italianas, y compositores como Vicente Martín y Soler destacaron en este género.