I. La Escultura Renacentista: El Sacrificio de Isaac

La obra El Sacrificio de Isaac es una escultura de bulto redondo tallada en madera policromada que utiliza las técnicas del encarnado y del estofado. Representa el momento en el que Abraham ofrece en sacrificio a su único hijo, Isaac.

En esta obra se observan características destacadas como el reflejo de un sentimiento de angustia espiritual a través de la expresión dolorida del Profeta, concretamente en la boca entreabierta, los ojos oblicuos y un apretado entrecejo. Los ropajes son finos, llenos de movimiento, que llega a ser violento, al igual que la propia disposición de los dos cuerpos. Estos cuerpos muestran unas anatomías delgadas y alargadas, creando figuras huesudas.

En concreto, se trata de la talla El Sacrificio de Isaac, realizada por Alonso Berruguete para decorar el retablo de San Benito el Real de Valladolid. Se trata, por tanto, de una obra del Renacimiento español y, más concretamente, del periodo del Purismo.

En dicho retablo, iniciado en 1526 y finalizada su ejecución en 1532, se ordenaban pinturas y relieves dedicados a mostrar escenas de la infancia de Cristo y de la vida de San Benito. Rodeando estas composiciones se distribuía un conjunto de figuras de bulto redondo representando a profetas, apóstoles, evangelistas y santos. Dentro de este conjunto se encuentran la obra que estamos estudiando y la de San Sebastián.

En este conjunto de obras observamos las características más significativas de Berruguete, ya comentadas: afán de movimiento o dramatismo, figuras huesudas, gesticulantes y nerviosas; obras que se apartan de la proporción y el equilibrio, ya que han sido creadas para ser contempladas en el marco de un retablo.

Observamos también la influencia que Berruguete recibe de escultores italianos renacentistas de la talla de Donatello, Leonardo y Miguel Ángel, influencia que recibe gracias a su prolongada estancia en Italia.

La realización de esta obra se sitúa a caballo entre el final del reinado de los Reyes Católicos y el inicio del de Carlos V, periodo en el que la monarquía y la Iglesia jugaron un papel importante en el desarrollo de las artes plásticas.

II. Arquitectura del Renacimiento en España

El Renacimiento en España se divide en tres periodos principales:

1. Plateresco

Al principio, la moda italiana se limita a los aspectos exteriores; incluso se importan piezas sueltas de decoración italiana como jambas, capiteles, chimeneas y sepulcros.

Características del Plateresco:

• La decoración de las fachadas es menuda y rica, recordando la labor de los plateros.
• Las columnas tienen capiteles corintios o compuestos.
• Los muros son almohadillados y los arcos de medio punto.
• Las enjutas de los arcos y los frisos se decoran con medallones.
• Las bóvedas son de crucería, con claves decoradas con rosetas clásicas. También se utilizan bóvedas de cañón con casetones.
• La decoración más utilizada es la de grutescos: tallos formando figuras fantásticas. También se emplea la decoración de figuras humanas entrelazadas con animales y la decoración heráldica.

Obras destacadas:

• El Palacio de Cogolludo de Lorenzo Vázquez: Destacan elementos decorativos renacentistas y el almohadillado de su fachada, donde aparecen ventanas góticas.
• La Portada de San Esteban (Salamanca) de Juan de Álava: Presenta un paño decorativo en la fachada encuadrado en un gran arco.
• Portada de la Universidad de Salamanca: Concebida como si de un retablo se tratase; consta de tres pisos, cinco calles y dos vanos de ingreso (la puerta de la virtud y la del vicio). En el primer piso se observa un medallón con las efigies de los Reyes Católicos; en el segundo, un Toisón de Oro, símbolo de Carlos V; y en el tercero, un papa entregando unas bulas.
• Otras obras importantes son El Claustro de las Dueñas de Salamanca y la Escalera Dorada de la Catedral de Burgos, de Diego de Siloé.

2. Purismo

Coincide con la época de Carlos V, considerado como prototipo de príncipe cristiano. Carlos V actúa como mecenas. La preponderancia de lo decorativo frente a lo constructivo del Plateresco es sustituida por la importancia de los elementos constructivos frente a los decorativos.

Características del Purismo:

• Las bóvedas son vaídas y de cañón con casetones.
• Los arcos son de medio punto.
• Los edificios son monumentales y equilibrados.

Arquitectos y Obras:

Machuca

Realizó el Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada. La fachada se caracteriza por un primer piso almohadillado con columnas dóricas encuadrando los tres vanos que dan acceso al palacio, y sobre estas, un entablamento con triglifos y metopas. En el segundo piso, el muro es liso y aparecen balcones encuadrados con columnas jónicas. Estos balcones se rematan con frontones y sobre estos aparecen óculos.

La decoración es muy austera, reduciéndose a la portada: medallones, frontones, columnas dóricas y jónicas.

Es un palacio de planta cuadrada en la que se inscribe un círculo. Este patio es adintelado con columnas toscanas en la planta baja y jónicas en la superior. Ambos pisos terminan en un entablamento. Simbólicamente, el círculo representa el macrocosmos, es decir, el universo, y el cuadrado, la Tierra y sus puntos cardinales. La integración del cuadrado y el círculo supone armonía y equilibrio. Este palacio supone también la exaltación del monarca cristiano (Carlos V).

Gil de Hontañón

Realiza la fachada de la Universidad de Alcalá de Henares, donde los elementos decorativos de la fachada son plenamente renacentistas, como columnas clásicas, frontones y escudos.

Covarrubias

Realiza la fachada principal del Alcázar de Toledo con decoración austera y severa ordenación. Realizó también la Puerta de Bisagra, concebida como un arco triunfal, y el patio del Hospital de Tavera, también en Toledo, lleno de sobriedad, clasicismo y desnudez decorativa.

3. Herreriano

Felipe II es un rey versado en arquitectura que toma parte activa en la configuración de El Escorial. Siempre se ha relacionado a Felipe II con la Contrarreforma, el cierre absoluto a las ideas humanistas relacionadas con el erasmismo y el luteranismo, y con la labor de la Inquisición. Sin embargo, también hay que tener en cuenta los frecuentes viajes de Felipe II por Europa que le llevaron a conocer las diferentes tendencias artísticas del momento, su formación humanística y su profundo interés por la Antigüedad clásica, sobre todo por la mitología. Tiene también interés por las ciencias, de ahí que tengamos una gran Biblioteca en El Escorial.

El Monasterio de El Escorial

Lo mandó construir Felipe II para conmemorar la batalla de San Quintín. Se inició el 23 de abril de 1563 por los arquitectos Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera.

La función del edificio era múltiple: monasterio, templo, palacio y panteón real.

La estructura arquitectónica del edificio es la combinación de varios cuerpos hasta formar una parrilla invertida.

Exterior

El exterior se caracteriza por la sobriedad de los muros de granito desnudos de decoración y por el rigor matemático y geométrico. Los muros están delimitados por las torres de las cuatro esquinas, terminadas en chapitel de pizarra que, con la sucesión de ventanas, provocan un efecto lumínico en la fachada. La portada principal de El Escorial se caracteriza por ser más elevada que el resto del muro y por la utilización de recursos decorativos clásicos como columnas dóricas y jónicas, y remate de frontón.

Interior

• La iglesia de El Escorial es de planta de cruz griega. El crucero se cubre con una gran cúpula y en los frentes de su fachada aparecen dos torres.
• El presbiterio o altar se encuentran en alto, ya que debajo se encuentra el Panteón.
• Los aposentos reales se disponen de manera que permitan ver el altar mayor de la Iglesia desde el dormitorio real.

Patio de los Reyes

Frente al templo se encuentra el Patio de los Reyes. Esta fachada, la del templo, se configura como un juego de simulaciones y ocultaciones; para ello, Herrera sobreeleva la portada principal. Levanta sobre un entablamento cuatro esculturas de los cuatro Reyes de la familia de David y la Tribu de Judá. Remata con frontón triangular que oculta la cúpula del templo.

Patio de los Evangelistas

Es un patio porticado de doble altura con arcos de medio punto de formas puras y armónicas, con la utilización de los órdenes dórico y jónico. En el centro aparece un templete tratado con libertad, con un entablamento curvo y remate de una cúpula. El templete es símbolo de la fuente de la vida y, por lo tanto, imagen de la Iglesia. La cúpula es imagen de Cristo, verdadera fuente de la Vida. El agua de salvación se transmite a través de los cuatro Evangelistas. El agua va a dar a cuatro estanques que representan los cuatro puntos cardinales de la Tierra: extensión del Evangelio y de la Palabra.

III. Escultura Renacentista Española

La fidelidad a los modelos clásicos depende de si son obras realizadas para la Iglesia o para la Corte. Al servicio de la monarquía estaban normalmente los artistas italianos, pero la mayor parte de las artes figurativas y de los artistas españoles están al servicio del cliente más importante: La Iglesia, por lo tanto, la temática es religiosa.

Las imágenes son reflejo de la propaganda de la fe católica, frente a la protestante. La misión era conmover y convencer a los fieles.

Técnicas y Materiales

El material más utilizado es la madera para retablos, sillerías e imágenes exentas. Sobre la madera se aplica una capa de yeso sobre la que se extiende el color en las partes descubiertas (cara, brazos, etc.). Es el llamado ENCARNADO. Para los ropajes se utiliza la técnica del ESTOFADO, que consiste en aplicar colores sobre fondo dorado que luego se raspa. También se utiliza el alabastro en los retablos y la piedra (mármol) en los monumentos funerarios.

A) Artistas Extranjeros en España

Destacan sobre todo los artistas italianos FANCELLI y TORRIGIANO.

Fancelli

Realiza el sepulcro de los Reyes Católicos (RRCC) en la Capilla Real de Granada. Es una tumba de túmulo, pero inclinando sus frentes (talud); estos están decorados con medallones que son verdaderos retratos. En las cuatro esquinas hay estatuas sedentes de los Padres de la Iglesia, que velan el sueño de los RRCC. Sobre el túmulo aparecen las serenas estatuas yacentes de los RRCC, talladas muy finas y delicadas.

Del mismo tipo es el sepulcro del Infante Juan, realizado en Italia (Génova) en mármol de Carrara y traído a España en 1513. Se encuentra en Ávila. También realizó el Sepulcro del Cardenal Hurtado de Mendoza; en este caso se trata de un nicho en el muro con la estatua yacente del difunto.

Torrigiano

Realiza esculturas religiosas en terracota (barro cocido) policromada. Su obra más importante es San Jerónimo, de gran expresividad emotiva y perfección anatómica de un anciano. El rostro representa apasionamiento y temperamento. Trata de transmitir la idea de arrepentimiento y penitencia.

B) Artistas Españoles

Alonso Berruguete

Se forma en Florencia y Roma y trabaja en Valladolid. Su principal fuente de inspiración es Miguel Ángel y el Laocoonte.

Características de su obra:

• Afán de movimiento.
• Dramatismo, con lo que se consigue la estética y la exaltación que la Iglesia requería de las imágenes religiosas.
• Sus figuras son huesudas, gesticulantes y nerviosas.
• Realiza obras (relieves y estatuas) para retablos, por lo que han sido creadas para ser contempladas en el marco de estos, ofreciendo muy pocos puntos de vista. Por tanto, sus obras se apartan de la proporción y el equilibrio.

Obras destacadas:

Sus obras más destacadas se encuentran en el retablo de San Benito. Aparecen relieves, figuras de bulto redondo e historias de pintura.

• Los relieves representan escenas de la vida de Cristo e historias benedictinas. Lo más destacado y bello son las estatuas de los intercolumnios, entre ellas destaca San Sebastián, que representa el arrebato y el movimiento del joven junto al tronco del árbol, movimiento en espiral, e importancia del cuerpo desnudo (inspirado en Donatello y Miguel Ángel joven).
• Destaca también parte de la sillería del coro de la Catedral de Toledo, que representa figuras de santos y profetas, llenos de arrebato místico. Están realizadas en madera sin policromar. Destaca el profeta Daniel.
• Siguiendo la tradición iniciada por Fancelli, realiza el sepulcro del Cardenal Tavera, en Toledo.

Juan de Juni

Es el enamorado de lo grandioso, de lo gigantesco. Sus personajes de rostros anchos y redondos son siempre corpulentos. Están llenos de expresividad, movimiento, gestos teatrales, patetismo y sentimiento que invitan al fiel a conmoverse. Por tanto, al sentido de lo gigantesco de Miguel Ángel se agregan esa inquietud y esa angustia.

Obras destacadas:

• El Santo Entierro: En esta obra, seis personajes, presos del más intenso dolor, se retuercen en angustiosas actitudes en torno al gigantesco cuerpo de Cristo muerto.
• Otra obra importante es la Virgen de los Cuchillos, caracterizada por la expresión trágica, el movimiento interior y la grandiosidad.

IV. Pintura del Renacimiento en España: El Greco

A) Introducción

Domenico Theotocopoulos (El Greco) nació en Creta en 1541 y murió en Toledo en 1614.

Es un hombre profundamente religioso que refleja en su obra los ideales de la Contrarreforma.

Características de su estilo:

• Su pintura muestra una enorme originalidad y fuerza expresiva.
• Tiene un perfecto dominio de los recursos técnicos que pone al servicio de la fe religiosa y de los mecenas.
• Su pintura se aleja del culto a la belleza clásica, apartándose de la serenidad, el equilibrio o la claridad. Sus obras reflejan tensión interior.
• Viaja a Venecia y conoce la pintura de Tiziano y Tintoretto, aunque las enseñanzas de estos, El Greco las trata con libertad. De Tiziano toma el criterio de la primacía del color y la importancia de la luz. De Tintoretto emplea la luz coloreada, los escorzos y la colocación de dos o más puntos de interés en el cuadro.
• De Roma recibe la influencia del dibujo de Miguel Ángel, pero pronto abandona esta influencia. Su dibujo es nervioso y ondulante.
• Alarga las figuras para darles mayor espiritualidad. Sus figuras tienen formas huesudas, sobre las que los paños parecen flotar.
• Emplea colores fantásticos y expresivos, como los amarillos vibrantes, los rojos anaranjados, los grises o los azules. Estos colores expresivos son reflejo de una profunda agitación espiritual.
• Además de sus obras de tema religioso, que son discursos sobre la doctrina de la Contrarreforma, destaca como retratista; de ellos realiza una interpretación espiritual del retratado a través de la mirada, las manos y la asimetría de las figuras.
• Es también pintor de paisajes, especialmente de Toledo, de donde hace una interpretación subjetiva.

Viene a España atraído por la construcción de El Escorial y realiza una obra para Felipe II: El Martirio de San Mauricio, que no gusta al rey, por lo que se traslada a Toledo, donde realizó la parte más importante de su obra pictórica.

B) Obras Destacadas

Primera Época (Influencia Italiana)

De su primera época de influencia italiana realiza obras como La Anunciación, Curación de un ciego y La Expulsión de los Mercaderes o Purificación del Templo. En esta última obra, las figuras son sinuosas unas y totalmente clásicas otras. Aparecen complicados escorzos. Cada figura parece tener luz propia. Introduce la profundidad mediante fondos de arquitectura clásica.

Obras en España

El Martirio de San Mauricio

En primer plano nos muestra la toma de decisión de San Mauricio y sus legionarios de morir por la fe, y no el acto del martirio, que lo sitúa en un ángulo y de menores dimensiones. La legión tebana, convertida al cristianismo, se niega a rendir culto a los dioses paganos; huye por tanto del patetismo. En la parte alta del cuadro sitúa la Glorificación del martirio, con la introducción de palmas, laureles y ángeles. En esta obra se introduce una característica esencial del Greco: la unión del cielo y la tierra en un mismo cuadro. Los colores son claros, fríos y luminosos. Esta obra fue considerada por Felipe II como poco devocional.

La Trinidad

Es una obra que muestra su admiración por Miguel Ángel, como se observa en la grandiosidad del cuerpo del Salvador. La belleza es clásica, los colores son planos: predominio del morado y del amarillo. La composición es una pirámide invertida.

El Entierro del Conde de Orgaz

Don Gonzalo Ruiz muere y San Agustín y San Esteban acuden a depositar su cuerpo en la tumba. El cuadro se divide en dos espacios: la parte terrestre y la parte celeste. La primera es más estática, solemne y realista, mientras que la celeste está tratada con mayor libertad creativa y movimiento.

El tema es de la Contrarreforma: el papel de los santos y el valor de las buenas obras. El cielo premia las obras de Don Gonzalo y su alma la recibe Jesucristo y los Bienaventurados (entre ellos se encuentra Felipe II). Los santos son ejemplo a seguir, como nos indica el niño que aparece en la parte terrestre del cuadro.

En la parte terrestre imagina una larga fila de personajes conocidos del Toledo de fin de siglo (entre ellos su autorretrato), destacando notables de la clerecía y de la nobleza. Todos ellos van vestidos de negro, coronados por los rostros luminosos y puntiagudos (isomorfismo). Sobre este fondo negro contrastan las ricas vestiduras de los santos (San Agustín y San Esteban) y la armadura de Don Gonzalo. Esta riqueza cromática contrarresta con la pobreza del hábito franciscano y el blanco del párroco de Santo Tomé (templo donde fue enterrado y donde se encuentra el cuadro). La postura del franciscano se empareja con la del sacerdote que lee la Biblia. El crucifijo que aparece une la parte terrestre con la celestial.

En la parte alta aparece el Todopoderoso, la Virgen y Juan el Bautista y otros santos intercediendo por el alma de Don Gonzalo; esta tiene forma de niño y es llevada por un ángel.

El Expolio

Representa el despojo de las vestiduras de Cristo en el Calvario. Destaca el protagonismo de la figura central de Cristo. Los personajes se organizan apiñados en torno a Él, sin dejar ningún espacio libre (no gustó que hubiese cabezas por encima de la de Cristo). Se prescinde del tema secundario.

• Composición: Es sencilla: masas coloreadas a derecha e izquierda de Jesús en forma circular. Cristo es la única figura que se ve completa: tiene forma de almendra. Las figuras aparecen contrastadas a uno y otro lado de Jesús: las tres Marías y el sayón (verdugo que ejecuta a los reos condenados); el capitán (con armadura propia del siglo XVI) con el hombre que lleva la cuerda; y dos cabezas situadas a derecha e izquierda de la cabeza de Jesús.
• Color: Mancha de carmín de la túnica de Cristo frente a los grises del fondo. Destaca el reflejo rojo de la túnica en la armadura del capitán.
• Luz: Luminosidad del semblante de Cristo y la mancha de color, que contrarresta con las sombras de las caras y tonos grises del fondo: claroscuro.
• Tema: Reflexión sobre la vida de Cristo, como hombre, víctima de las pasiones humanas.

Otras Obras Religiosas y Retratos

Adoración de los Pastores: Las formas son cada vez más espiritualizadas, como llamas. La composición es circular alrededor del Niño, que proyecta una luz brillante. Destacan también obras como Cristo Crucificado, La Visitación, Bautismo de Cristo, Pentecostés, Cristo con la Cruz a Cuestas, etc.

Dentro del grupo de temas religiosos destaca la serie de Apóstoles, donde se percibe el misticismo cada vez más patético, hasta llegar al despego total del mundo terreno. Destacan San Bartolomé, San Juan Evangelista, San Francisco, San Andrés, etc.

Destaca también como retratista: su obra es un auténtico estudio psicológico de los españoles de entonces, desde cardenales a hombres de letras. El más importante es El Caballero de la Mano en el Pecho: se abandona el culto al detalle de los venecianos (cortinas, vestidos, joyas, etc.) para centrarse en la atención del rostro. Es austero en su vestimenta, solo destaca sobre el negro la empuñadura de la espada y una pequeña medalla; la expresión de tristeza de los ojos y la mano dispuesta de forma simbólica, bien como afirmación del ego, o bien como expresión de haber caído en el pecado.

Realiza un solo tema mitológico: El Laocoonte. El tema se traslada a las afueras de Toledo (paisaje de fondo la ciudad de Toledo). Los tonos son fríos, con predominio de los grises.