La Banda Sonora en la Historia del Cine: Orígenes y Grandes Creadores

Orígenes de la Banda Sonora

Los primeros intentos de incorporar la banda sonora a las películas se basaban en el funcionamiento simultáneo, y en la propia sala de proyección, de un proyector y un fonógrafo, con los problemas consiguientes. En realidad, en muchas de las mejores salas ya existía el «acompañamiento musical«, normalmente proporcionado por un piano o pianola. También se presentaban las películas o se narraban por alguien del propio local cinematográfico o por alguno de los actores o realizadores, en las proyecciones más destacadas. Si alguna cinta perdía interés por parte del público, se le animaba en ocasiones con números musicales o actuaciones de toda índole, antes, durante o después de la proyección.

Otro avance significativo se dio con la creación del cronófono, con el que se consiguió una mejor sincronía entre las canciones que reproducía el fonógrafo y las imágenes, aunque aún tenía fallos muy apreciables en el sonido hablado.

La función de la banda sonora en el cine mudo

Desde los primeros momentos, la música era interpretada en directo ante la pantalla. Personas especializadas contaban lo que sucedía y mediante artilugios hacían los ruidos (viento, trinos de pájaros, etc.) que eran utilizados para una mejor comprensión del lenguaje de las imágenes mudas. El sonido aumenta la impresión de realidad, dota al filme de continuidad sonora y es un mecanismo para conseguir unidad.

Hitos históricos de la BSO

• 1908: Éste es el año en el que surge la primera banda sonora original de la Historia del Cine, concebida especialmente para reforzar la expresividad de determinados pasajes de una película. En esta fecha, dos compositores, Camille Saint-Saëns y Mihail Ippolitov-Ivanov, crearon varias piezas para las películas El Asesinato del Duque de Guisa y Stenka Razin.
• A partir de 1914 se generalizan las composiciones musicales para películas mudas, contando cada estudio con sus propios compositores.
• “The Jazz Singer” (1927) es la primera película parcialmente rodada con sonido y diálogos sincronizados, que utilizó el sistema de grabación de sonido sobre un disco. Desde entonces, las comedias musicales se multiplicaron.

Evolución de la BSO por décadas

• Años 30: Los grandes estudios tenían departamentos musicales completos, con una plantilla de compositores, adaptadores, arreglistas y directores de orquesta. Al principio, la música se ajustaba a la acción de modo bastante burdo, y se tomaba de los archivos musicales. Esto cambió en 1933, con la película King Kong, cuando Max Steiner demostró lo que se podía llegar a hacer con una partitura original totalmente sincronizada con las imágenes.
• A mediados de la década de 1950: El gran público comenzó a tomar más en cuenta la música de las películas, cambio de actitud que los estudios aprovecharon animando a sus compositores a escribir temas vendibles. A todo ello contribuiría la mejora técnica de los sistemas de grabación sonora, lo que se haría evidente en los grandes filmes épicos de los cincuenta y sesenta. Henry Mancini fue el creador de varias bandas sonoras, como Sed de mal de Orson Welles, y de temas para varias series de televisión (algunas de dibujos animados) como La pantera rosa (1963).

Grandes Compositores de la Historia del Cine

A continuación, se listan algunos de los compositores más influyentes y sus obras destacadas:

• John Williams (EE. UU.): Star Wars, E.T. y Jurassic Park.
• Hans Zimmer (Alemania): El Rey León, Piratas del Caribe y Gladiator.
• Ennio Morricone (Italia): La muerte tenía un precio, La misión o Cinema Paradiso.
• Nino Rota (Italia): Amarcord y El padrino.
• Jerry Goldsmith (EE. UU.): Star Trek, La trilogía de La profecía, Alien, el octavo pasajero o Desafío Total.
• Howard Shore (Canadá): El Señor de los Anillos, Gangs of New York y El Silencio de los Corderos.
• James Horner (EE. UU.): Braveheart, Avatar y Titanic.
• Alexandre Desplat (Francia): El discurso del rey, El gran hotel Budapest y Harry Potter.

La Banda Sonora en el Cine Español

Principales Compositores y Orígenes del Cine Sonoro en España

El cine musical en España se remonta a los inicios del cine sonoro, encontrándose los mejores títulos en la década de los 30. Concha Piquer protagonizó la primera película sonora en español en 1923, cuatro años antes que El cantor de Jazz. Se trata de una cinta de once minutos que incluye recitados, un cuplé andaluz, una jota aragonesa e incluso un fado portugués.

La falta de medios económicos y técnicos obligó a que algunos directores tuvieran que rodar películas sonoras en Alemania o Francia, como El embrujo de Sevilla (1930).

En 1932, se crea el primer estudio sonoro en Barcelona (Estudios Orphea) y, a partir de entonces, el cine sonoro español dejaría de depender del exterior.

El cine musical español nace alimentado por la tradición y gustos musicales de la época: Zarzuela, Cuplé, copla, flamenco y la revista.

El Cine Español durante el Franquismo y la Transición

El cine de folklóricas y la Segunda República

El cine de folklóricas supuso para la Segunda República la expresión de un cine popular que quiso incluir a las clases populares y culturas regionales en su proyecto político. Durante el primer franquismo se siguió apoyando este género, pero con intenciones políticas diferentes: la integración de las clases populares en el nuevo sistema jerárquico.

El papel femenino es el de una mujer de clase popular y gitana, mientras que el protagonista es el de un señorito burgués. Esta tendencia siguió hasta los años cincuenta.

La censura y el recato general no impidieron que algunas películas también trataran con humor e ironía temas sociales.

Impacto de la Guerra Civil y la Dictadura

La victoria franquista tras la guerra (1939) provoca la salida del país de numerosos artistas y, por otro lado, instaura una censura e impone un tipo concreto de cine que apoye la dictadura, con temas que exaltan el nacionalismo y los episodios heroicos de la patria.

Se crea el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas en 1947, que formaliza y profesionaliza los diferentes oficios del cine.

La censura, controlada por la Iglesia y el ejército, fue un pilar fundamental del régimen. Esta terrible censura se prolongó incluso en películas extranjeras y en la realización del popular NO-DO (noticiero propagandístico semanal del régimen franquista que se proyectaba en los cines españoles antes de la película).

Décadas de Apertura y Cambio

• Década de los 50 hasta comienzos de los 60: El fin relativo del aislamiento político de España se ve reflejado en algunos filmes y en un cierto neorrealismo. La comedia realista es quizás el género que mejor recordará esta época. La película ¡Bienvenido, Mister Marshall! (1952) de Berlanga, es complementada con otras como Historia de la radio (1955), El sol sale todos los días (1955) y Las chicas de la Cruz Roja (1958) de Rafael J. Salvia.
• Década de los 50: El fenómeno de los “niños prodigio”, con los cantarines Marisol y Joselito, proporcionó al cine español un buen puñado de títulos. Los años 50 marcan la década de los tópicos, de la beatería y el folclore. En el lado femenino, Sara Montiel crea su propio género que, durante más de una década, la convierte en la máxima estrella del cine español.
• Década de los 60: La década de los 60 abarca un periodo de apertura de España al mundo exterior. Esto no sería ajeno al cine, comenzando una liberación de temas y, sobre todo, de la censura. Destacar que se crea un código de censura propio de los cineastas que estuvo en vigor hasta casi la muerte del dictador. En estos años empiezan los primeros directores y profesionales del cine provenientes de las escuelas de cine a marcar un estilo propio. El tema es esa cierta libertad social de expresar la realidad. Directores destacados: Mario Camus, Vicente Aranda, Gonzalo Suárez, Fernán Gómez, Carlos Saura.
• Década de los 70 (Transición): La muerte de Franco hace aparecer películas de carácter documental que narran la vida de aquellos que perdieron la guerra, o dan una visión real y objetiva de la España franquista. Tuvo un éxito importante Las largas vacaciones del 36 de Jaime Chávarri.
  • El NO-DO, que desaparece en 1976, ofrece en sus últimos años una renovación con más libertad.
  • El País Vasco y Cataluña también realizan películas de corte nacionalista.
  • Aparece una larga serie de películas y comedias de dudosa calidad con un fondo de libertad sexual. Se pone de moda el cine del “destape”.
  • Mientras, directores y cineastas consagrados mencionados anteriormente se reinventan buscando nuevos argumentos acordes a los nuevos tiempos.

El Cine en Democracia (1975 en adelante)

Desde 1975 a 1977, se empieza a desarrollar un cine nuevo, claramente crítico con el sistema político y muy en concordancia con el espíritu social del momento. Comienzan nuevos géneros cinematográficos, como el cine de terror, el cine del destape y nuevos géneros cómicos. Con la llegada de la democracia, llegan cambios importantes que influyen en el cine, como el fin de la censura.

• Década de los 80: La llegada al gobierno de los socialistas cambió las leyes del cine. Pilar Miró fue la encargada de dar forma a estas normativas. Principalmente se trata de adelantos a cuenta, creación de categorías, apertura de salas X y promoción del cine español internacionalmente. Aunque no fue un método que satisfacía a todos, se ganó en calidad y se estableció por fin un sistema coherente y lógico.
  • El cine español tuvo sus primeros éxitos importantes fuera de nuestras fronteras. Óscar a la mejor película extranjera a Volver a empezar (1982) de José Luis Garci. Oso de Oro, 1983 a La colmena y Los santos inocentes de Mario Camus, y Carmen de Vicente Aranda reciben nominaciones y reconocimiento extranjero. Además, el Festival Internacional de Cine de San Sebastián recupera la categoría A en 1985.
  • Pedro Almodóvar es el más representativo de la movida madrileña (nombre popular del posmodernismo español). Estrena Pepi, Luci, Boom y otras chicas del montón (1978−80) pero es con ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984) cuando alcanza el éxito. Después de distintas películas, más o menos acertadas, es con Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) cuando se consagra y consigue la aceptación del público y de la crítica. Sería esta película durante una década la más taquillera del cine español.
• Década de los 90: Nada más comenzar la década, el Gobierno hizo público el texto que contenía el «Plan Nacional de Promoción y Desarrollo de la Industria Audiovisual» con el que alertó a la industria cinematográfica sobre el horizonte que tenían ante sus ojos. Se refieren al audiovisual como un sector mucho más amplio y complejo. El futuro iba hacia la pantalla y otras ventanas de distribución, y se necesitarían productos que pudieran competir con todo tipo de materiales.
  • Fernando R. Trueba consiguió el segundo Óscar para una película española con Belle Époque (1992) y en su carrera posterior obtuvo resultados desiguales. Pedro Almodóvar continúa cosechando éxitos dentro y fuera de nuestras fronteras.
  • Es importante en esta década la presencia de nuevos directores: Julio Médem, Juanma Bajo Ulloa, Iciar Bollaín, Isabel Coixet, Bigas Luna, Gracia Querejeta, Alejandro Amenábar, entre otros.
• Siglo XXI: La llegada del S. XXI es el inicio de la era digital y la sociedad globalizada. Internet se transforma en un duro competidor de la industria cinematográfica, dando a luz al problema de la piratería. Del año 2000 en adelante, una nueva generación de realizadores se fue incorporando a la industria. La seña de identidad del cine realizado en España continuó siendo el drama intimista, más o menos enriquecido con los problemas de clase, la memoria colectiva y el conflicto existencial. Otros géneros que proliferan son el terror con REC, de Jaume Balagueró, y el musical Al otro lado de la cama. El cine español, durante la década de 2000, sufre una severa crisis de público, y los profesionales y la crítica parecen no interesarse por un debate en profundidad acerca de las razones y sinrazones que mueven a nuestra industria.

New Media Art: Arte y Tecnología en la Era Digital

Definición y Conceptos Clave

El New Media Art es una forma de arte que hace referencia a las obras creadas con nuevas tecnologías. El término Media Art ha sido ampliamente utilizado y, a partir del uso de tecnologías multimedia y telemáticas en la producción artística, se introdujo la acepción “New” Media Art, para diferenciarla de las tendencias vinculadas a la electrónica.

A menudo se utilizan como sinónimos del arte de los nuevos medios conceptos como arte digital, arte electrónico, arte multimedia y arte interactivo.

Manifestaciones del New Media Art

Abarca un conjunto bastante amplio de manifestaciones artísticas:

• Videoarte.
• Arte de transmisión.
• Instalaciones multimedia.
• Arte interactivo (relaciona al público con la obra).
• Net.art o web-art (para internet exclusivamente).
• Fotomontaje digital.
• Realidad virtual (normalmente con gafas o casco para interaccionar con la obra).
• Mediaperformances.
• Cine expandido (conjuga artes visuales con escenografía y cine).
• Cine experimental.
• Inteligencia artificial (exhibido por robots o máquinas).
• Telepresencia (virtualiza algo que en realidad tiene una presencia física y tangible).

Raíces y Canales

El New Media Art tiene sus raíces en algunos de los movimientos artísticos del siglo XX: Dadaísmo, Pop Art y Arte conceptual. Los artistas de los nuevos medios utilizan diversos canales para manifestarse:

• Nuevos medios: Aquellos que implican a las tecnologías informáticas en cualquiera de las fases de la comunicación y que afectan a todo tipo de medios.
• Tecnologías existentes, nuevas y emergentes: Son usadas por los artistas para crear obras que exploran modos de expresión artística, desde el arte conceptual al virtual, a través de la performance o la instalación, y que integran los nuevos medios tanto en cómo se concibe y crea la obra como en el modo en que se presenta al público.

El New Media Art es una corriente artística contemporánea que abarca un conjunto heterogéneo de manifestaciones y prácticas que utilizan las TIC como herramientas de producción, de experimentación estética y reflexión crítica, redefiniéndolas como medios artísticos e instrumentos de representación o de expresión.