LAS PUERTAS DEL INFIERNO

Características de la Trayectoria Artística de Rodin

El francés Auguste Rodin es considerado uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX. Su obra se caracteriza por un profundo vínculo con la materia y una gran capacidad expresiva, lograda a través del modelado y la textura. Rodin consigue una expresividad lumínica mediante la rugosidad y la multiplicación de planos, alcanzando una profunda vitalidad en sus creaciones.

Rodin fue influenciado principalmente por Miguel Ángel. Conocer su obra dio lugar al uso del non finito en sus creaciones, una técnica con la que lograba que, mediante la luz, el espectador completara la forma definitiva a través de la retina.

Rodin retomó la importancia del lenguaje a través de la escultura, fomentando:

• La sensibilidad por el volumen y las masas.
• Una articulación rítmica.
• Una nueva valoración de las superficies mediante el uso de texturas, por su capacidad de producir vibraciones lumínicas.
• La nueva valoración del espacio, articulado mediante la acción recíproca de huecos y salientes.

Predomina la importancia de la apariencia sobre las formas en sí. Las figuras se introducen en el espacio o dejan que el espacio se introduzca en ellas. También resalta la expresión por encima del naturalismo; a Rodin no le interesa captar una exactitud fotográfica, sino el sentimiento de los personajes.

Por otro lado, Rodin también se centra en aspectos puramente plásticos como:

• El uso de la serie.
• El uso del collage escultórico.
• La fragmentación.
• La supresión del soporte.
• El uso de la anatomía como herramienta para el manifiesto de la espiritualidad humana.

Su escultura se dividió en dos líneas distintas. La primera, a la cual denominó “alimentaria”, era la escultura decorativa de la cual vivía. La segunda, más transgresora, era su obra personal, aquella donde dio rienda suelta a su expresividad y que resulta trascendente en la historia del arte.

Comentario de la Obra: Temática y Rasgos Estilísticos y Formales

Esta obra de Rodin está compuesta por 11 relieves con escultura exenta. Su temática proviene de la Divina Comedia de Dante, por lo que se considera literaria. Aunque también se considera cierta relación con la trágica visión que se desprende de Las flores del mal de Baudelaire, donde pasiones culpables y deseos insatisfechos arrastran a la desesperante condición humana.

La complejidad del proyecto desbordó en más de una ocasión al autor. La obra está integrada por 186 figuras. En la parte más alta, el grupo de Las tres Sombras es la figura de Adán repetida tres veces, con una postura forzada y parte de un brazo amputado. Debajo, El Pensador (el propio Dante) se alza por encima del abismo. En la jamba derecha de la puerta, una pareja se integra en un abrazo (El Beso). En el batiente de la izquierda, está Ugolino y sus hijos. Ugolino fue un personaje real, tirano y cruel que aparece en la Divina Comedia, condenado a morir de hambre junto a sus hijos.

Con una imaginación desbordante, Rodin explora el poder expresivo del cuerpo humano en un espacio alucinante, extremadamente perturbado por los juegos de sombras y de luces. Todo el conjunto emerge de la lava hirviente siguiendo la “imagen dantesca”. Las formas invaden la estructura, hasta tal punto que a veces sustituyen los elementos arquitectónicos. Las poses retorcidas reflejan la desesperación, el dolor y la maldición.

Reflexión Personal: Contenido Simbólico, Técnica y Composición

Comparativa Estilística: Academicismo vs. Impresionismo

En la pintura academicista, lo fundamental es el “tema” del cuadro, que busca narrar un suceso. La Academia ensalza los temas históricos, mitológicos o religiosos por encima del paisaje, el retrato o los cuadros de género, que eran considerados inferiores. Juana la Loca es el cuadro por excelencia del género histórico en España. Por el contrario, el Impresionismo deja de lado el enfoque tradicional que exigía al artista contar una historia o transmitir un mensaje de tipo moral. Para los impresionistas, los temas son solo un motivo para estudiar el efecto lumínico y atmosférico de la realidad. El cuadro impresionista se vuelca en la representación de la apariencia fugaz y efímera de escenas cotidianas, fomentándose el paisaje y las escenas de género. En Las Amapolas, la naturaleza cobra protagonismo por sí misma, plasmándose sin idealizaciones, tal y como se percibe en ese preciso momento.

Composición y Formato

En el arte academicista, las composiciones eran realizadas en el estudio, estaban muy elaboradas y se basaban en el equilibrio y la elegancia. En este caso (Juana la Loca), la figura de doña Juana centra la composición, que se organiza alrededor de un aspa. Los formatos eran de gran tamaño, enormes lienzos de varios metros de superficie, por eso las figuras representadas con frecuencia eran de mayor tamaño que el natural. Los impresionistas gustaban de experimentar con la composición, lejos del enfoque tradicional, añadiendo encuadres audaces de las escenas que pintaban au plein air (al aire libre, directamente del natural) y con mucha rapidez. Los lienzos eran de pequeño tamaño para facilitar su transporte al campo. Eran composiciones espontáneas, casi instantáneas fotográficas, donde el pintor recogía la naturaleza fugaz tal cual la percibía en ese preciso momento. Otro recurso compositivo, de inspiración fotográfica y de la estampa japonesa, era el «encuadre selectivo», que consistía en el desplazamiento del punto de interés del cuadro a alguno de los lados, en composiciones asimétricas que dejaban el centro de la obra vacío, como en este caso donde el campo de amapolas ocupa casi la totalidad del lienzo, desplazando las figuras a las esquinas.

Punto de Vista y Perspectiva

En Juana la Loca, el punto de vista es sutilmente elevado para describir la escena. Las figuras están enteras (de cuerpo completo) y el marco no las corta; están bien situadas en el paisaje que enmarca la acción. El encuadre está diseñado para crear la ilusión de que dentro del marco de la pintura hay una escena real. La línea de horizonte es muy alta, lo que da cierta planitud a la escena y empequeñece a las figuras. Los impresionistas usan escenas incompletas que ayudan a crear el efecto de inmersión del espectador en la escena, dando la sensación de que el cuadro se extiende más allá de los límites del marco.

Dibujo y Acabado

En Juana la Loca, el dibujo es firme, pero no excesivamente acusado. La forma es realista, pero idealizada, de canon anatómico clásico. El lienzo tiene un tratamiento absolutamente realista por la precisión de los detalles de las indumentarias, los tejidos, la ambientación del paisaje y la atmósfera invernal. Las figuras representadas son de mayor tamaño que al natural. El contorno está bien definido y dibujado, pero sin línea visible. En Monet no existe dibujo; se crea un efecto de instantánea fotográfica, evocando apenas y no definiendo los detalles del paisaje, ni de la ropa ni los rasgos faciales. La obra produce un efecto de “inacabado”, los contornos se desdibujan.

Modelado y Luz

Los academicistas trataban los modelados mediante gradación imperceptible. Pradilla ha conseguido la profundidad del espacio abierto mediante el uso de la perspectiva atmosférica y la perspectiva lineal creada por las líneas de fuga. Los impresionistas, influidos por la estampa japonesa, muestran una despreocupación por la perspectiva y el volumen. Lo que les interesa son los sutiles cambios atmosféricos y luminosos.

En Juana la Loca, la luz es diáfana, difusa y envolvente, para fomentar la descripción de la escena. Se busca el equilibrio y la elegancia, usando sombras muy sutiles, sin grandes contrastes ni claroscuro. Para los impresionistas tenían mucha importancia los efectos lumínicos y efímeros del paisaje. Evitan la presencia de sombras pintando en las horas centrales del día o con luz frontal sobre los personajes.

Color y Pincelada

El gusto académico se inclinaba por el uso de colores sobrios y naturalistas. Usan la armonización tonal con gradaciones sutiles. Uno de los aspectos más revolucionarios de la técnica de la pintura impresionista es el cambio en la utilización del color: utilizan colores luminosos, vibrantes, que yuxtaponen o mezclan directamente sobre el lienzo. Hay color incluso en las zonas de sombra. Usan la mezcla óptica de los colores basada en la descomposición de la luz y colores puros.

Académicamente, la pintura era meticulosamente ejecutada con suaves superficies cuidadosamente acabadas, que pretendían ocultar todos los trazos de las pinceladas del artista para crear la ilusión de realidad. Pradilla usa una pincelada cuidada, meticulosa y segura, empleando una técnica muy pictoricista basada en pequeños empastes sin renunciar al dibujo. Los impresionistas usan una pincelada breve y empastada, ejecutada de forma rápida y espontánea sobre el lienzo, sin preocuparse por un acabado excesivamente elaborado porque su interés primordial residía en captar la fugacidad del momento.

MONTE FUJI

Características del Estilo de Estampa Japonesa Ukiyo-e

En estas estampas se plasma la temática de lo efímero y lo cotidiano, creando la sensación de una instantánea fotográfica. Desde el punto de vista plástico, se trata de representaciones poco convencionales. Sus particularidades son:

• Representaciones muy planas y aparentemente sencillas.
• Gran capacidad de síntesis por parte de los artistas para plasmar los temas con simplificación de formas.
• Formas simplificadas y carentes de detalles.
• Uso de formatos diferentes, algunos alargados tanto en vertical como en apaisado.
• Encuadres atrevidos y asimétricos con puntos de vista muy originales; normalmente el punto de vista está ligeramente elevado.
• Las figuras se cortan.
• Valoran el vacío como elemento expresivo, alejadas del horror vacui occidental.
• Dan importancia al símbolo, incluyendo la caligrafía (el texto forma parte integrante de la composición).
• Importancia del dibujo.
• Contornos muy definidos.
• Diseño lineal de gran dinamismo con línea modulada.
• Hay una casi completa ausencia de sombras, sin claroscuro ni volumen.
• Hay libertad en el uso del color, que resulta bastante irreal y carente de exactitud.
• Utilizaban principalmente grandes masas planas de color, sin matices, planos monocromos amplios y homogéneos (tintas planas) y de gama limitada.
• Total alejamiento de la perspectiva renacentista. Despreocupación por la perspectiva y aplanamiento del espacio pictórico.
• Cobran importancia como indicadores de profundidad: la separación del margen inferior (uso de planos horizontales), la disminución de tamaño y el traslapo.

Influencia del Ukiyo-e en el Arte de Fin de Siglo

Este arte japonés profundizaba en algunos de los elementos que sugería la influencia de la fotografía, ya que los maestros del ukiyo-e se deleitaban plasmando en sus trabajos los sutiles cambios atmosféricos y luminosos que detectaban por efecto del viento o de la lluvia, o los fugaces momentos de cambios de postura o gestos en los personajes.

El ukiyo-e influyó sobremanera en los siguientes movimientos y artistas:

• Impresionistas: Adoptaron los encuadres y la luz frontal.
• Postimpresionistas: Especialmente en Vincent Van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec.
• Nabis: Grupo de artistas simbolistas.

Tendrá también mucha influencia en la evolución del cartelismo y en el nacimiento del cómic, haciéndose muy patente en la obra de Hergé y en la tendencia de la Línea Clara.

LA MERIENDA CAMPESTRE (Le Déjeuner sur l’herbe)

Comentario de la Obra: Temática y Rasgos Estilísticos y Formales

La Merienda Campestre, de Édouard Manet, fue rechazada cuando la presentó en el Salón el mismo año que abandonó el taller de Couture, debido a ser considerada escandalosa. Donde sí fue admitida fue en el Salón de los Rechazados.

En cuanto al tema de la obra, para que esta resultase escandalosa, se trata de una escena con un grupo de tres bañistas disfrutando apaciblemente de un día de baño a orillas del Sena, que aparece al fondo, con una mujer saliendo del agua. Sirvieron de modelo al pintor Victorine Meurent, que aparece completamente desnuda. A su lado está un hermano de Manet, Gustave, y a la derecha Ferdinand Leenhoof (hermano de Suzanne, futura esposa del pintor, que probablemente sirvió de modelo para la mujer del fondo).

Para pintar este cuadro, Manet se inspira claramente en dos obras clásicas: El Concierto Campestre (de Tiziano), que el autor pudo contemplar en el Louvre, y El Juicio de Paris, un grabado de Raimondi sobre un dibujo de Rafael. Esta trasposición de obras clásicas en un contexto contemporáneo no fue entendida ni por la crítica ni por el público de su época. Si a ello unimos el contraste entre la desnudez de la mujer y los hombres vestidos, comprendemos que La Merienda Campestre se considera una obra clave en la ruptura con el academicismo conservador imperante en el mundo del arte, ruptura que profundizaron los pintores del grupo impresionista.

La composición se basa en un triángulo formado por las figuras humanas en el centro de la obra, al estilo clásico. La iluminación que elige Manet para la escena, con un potente foco de luz directa (que apenas crea sombras) sobre los personajes, realza aún más el contraste antes mencionado. Esta técnica de iluminación es característica de las estampas japonesas. En la parte más alejada del espectador, Manet simula el efecto de la distancia prescindiendo del dibujo con grandes pinceladas de color, algo que pudo haber observado en las obras de Velázquez.

Por último, el cuadro puede leerse como un genial compendio de géneros reunidos en una sola obra en la que encontramos paisaje, desnudo, retratos y naturaleza muerta.

CAMPO DE TRIGO CON CUERVOS

Reflexión Personal: Contenido Simbólico, Técnica y Composición

Este cuadro está repleto de simbolismos, de elementos abstractos que reflejan un estado depresivo del propio artista. Los cuervos representan mal augurio, signo de mal, de la muerte. Otro elemento simbólico es el cielo oscuro que da una sensación de agobio y desesperanza. Es un cuadro puramente expresivo.

Debido al estudio formal de la obra, podemos establecer esta creación en la vanguardia postimpresionista. Esto se ve reflejado en el uso de colores vivos, el trazado yuxtapuesto y el intento bien logrado de producir emociones.

A diferencia de otras obras de Van Gogh, esta muestra un gran sentimiento de completa tristeza y desesperación, siendo uno de los cuadros más importantes y más influyentes del Postimpresionismo.

Simbología y Composición

El lienzo está dominado por una atmósfera oscura. El vuelo de los cuervos no alivia en modo alguno la tensión, al contrario, representa una fúnebre premonición de desgracia y muerte.

En cuanto a los tres caminos que se abren entre los trigales, estos reflejan la incertidumbre de Vincent Van Gogh sobre el camino que tomará su vida. Según este punto de vista, los tres caminos representan el pasado, presente y futuro de la existencia del artista.

Ejecución Técnica e Intensidad Expresiva

Las pinceladas son desordenadas e irregulares. El cielo azul y los campos amarillos se repelen con violencia. En el centro de la obra hay un camino tortuoso que atraviesa el trigal, el cual es visto por el artista como su propia existencia, llena de soledad y decepciones. Las pinceladas nerviosas, a veces en ángulo recto, resaltan especialmente en el cielo, que ofrece un aspecto tormentoso y agitado, como si estuviera a punto de estallar una devastadora tempestad.